当ブログにて公開中のレビュー、および1998年12月1日からスタートした『とみぃの宮殿』に掲載された記事を当ブログにて再公開したレビューのインデックスページになります。（2019年10月18日更新）
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今年1月から3ヶ月間隔で更新を始めたアクセスランキング。今回から2ヶ月区切りに変えてみました。そのほうが時事ネタから反映された動きがわかりやすいと思ったので。
というわけで、トップページやアーティスト別カテゴリーへのアクセスなどを省いたトップ30ランキング。まだ読んでいない記事などありましたら、この機会に読んでいただけたらと。
ちなみに記事タイトルの後ろにある「（※XXXX年XX月XX日更新／↓●位）」の表記は、「更新日／2019年4〜6月のアクセスランキング順位」を表しています。
1位：2019年上半期総括（ベストアルバム10）（※2019年7月1日更新／NEW!）
2位：涙がこぼれそう（追悼、アベフトシ）（※2009年7月23日更新／Re）
3位：SALEMS LOTT『MASK OF MORALITY』（2018）（※2018年8月9日更新／Re）
4位：WHITESNAKE『SLIDE IT IN: THE ULTIMATE SPECIAL EDITION』（2019）（※2019年3月27日更新／→4位）
5位：VINCE NEIL『EXPOSED』（1993）（※2017年3月24日更新／↓1位）
6位：NIRVANA『NEVERMIND』（1991）（※2017年8月14日更新／↑22位）
7位：KISS THE FAREWELL TOUR JAPAN 2001＠東京ドーム（2001年3月13日）（※2001年3月25日更新／↑25位）
8位：THUNDERPUSSY『THUNDERPUSSY』（2018）（※2018年6月28日更新／Re）
9位：SLAYER『REIGN IN BLOOD』（1986）（※2018年3月8日更新／↓6位）
10位：DONNIE VIE『BEAUTIFUL THINGS』（2019）（※2019年5月13日更新／↓5位）
2019年10月に公開されたお仕事の、ほんの一例です。随時更新していきます。（※10月17日更新）
・[WEB] 10月17日、「リアルサウンド」にてTHE PINBALLSのライブ評「THE PINBALLS『WIZARD』リベンジ果たした新宿LOFTワンマン 希望に満ちた新しい旅の始まり」が公開されました。
・[WEB] 10月9日、「リアルサウンド」にて上白石萌音のインタビュー「上白石萌音に聞く、新曲「一縷」での野田洋次郎との“タッグ” 「自分が真っ白になれる」」が公開されました。
・[WEB] 10月9日、「リアルサウンド」にて眩暈SIRENのアーティスト評「眩暈SIREN×しづ『spinoid』の世界観はリスナーに何を与える？ 主題歌「滲む錆色」MVから考察」が公開されました。
・[WEB] 10月6日、「リアルサウンド」にて新譜キュレーション連載「Korn、Tool、Baroness、Opeth……独自のスタンスで“ヘヴィ”を表現するHR/HM新譜6選」が公開されました。
・[紙] 10月4日発売「日経エンタテインメント！」2019年11月号にて、欅坂46菅井友香の連載「菅井友香のお嬢様はいつも真剣勝負」を構成・執筆しました。（Amazon）
・[WEB] 10月2日、「リアルサウンド」にて日向坂46のライブ評「日向坂46はアイドル界の頂点へ向かう SSA公演で見せた、けやき坂46から現在に至る最強＆最高の姿」が公開されました。
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また、9月に当サイトで紹介したアルバムから各1〜2曲程度ピックアップして、30曲程度のプレイリストをSpotify、Apple Musicにて制作・公開しました。題して『TMQ-WEB Radio 1900号』。一応曲の流れなんかも考慮しつつ曲順を考えておりますので、レビューを読む際のBGMにするもよし、何も考えずにダダ流しするもよし。おヒマなときに聴いていただけると嬉しいです。
KORNが2005年12月に発表した、通算7作目のスタジオアルバム。
前作『TAKE A LOOK IN THE MIRROR』（2003年）では、新曲音源がリリース前にネット上にリークされてしまったことで、急遽当初の発売日から前倒しで発表。そういった事情も災いしてか、チャート的には2ndアルバム『LIFE IS PEACHY』（1996年）以降でもっとも低い全米9位（100万枚）という数字で落ち着いてしまいました。
また、同作を携えたツアーを終えた2005年にメンバーのヘッド（G）がバンドを脱退。さらに、デビュー以来10年近くにわたり在籍してきたレーベルEpic Recordsを離脱と、この時期はネガティブな要素が相次いて起こり、バンドにとって危機的状況だったのではないでしょうか。
そんな中、KORNは新たにEMI / Virgin Recordsと契約。新ギタリストを補充することなく、ニューアルバム制作に突入します。プロデューサーにはジョナサン・デイヴィス（Vo）とアッティカ・ロス（『WITH TEETH』以降のNINE INCH NAILSおよびトレント・レズナーの相方的存在）、そしてアヴリル・ラヴィーンやブリトニー・スピアーズ、クリスティーナ・アギレラなどを手がけてきたTHE MATRIXという異色のプロデュース・チームを迎え、KORN史上もっともバラエティに富んだ1枚が完成します。
初期のゴリゴリしたヘヴィ路線へと回帰した前作でしたが、今作では全前作『UNTOUCHABLES』（2002年）で実践した実験の延長線上にあり、さらにモダンなテクノロジーを駆使したエレクトロ／インダストリアル要素を導入することにより（このへんはアッティカの仕事かな）、ヘヴィロックやメタルの枠では収まりきらない自由度の高い楽曲が揃いました。
オープニングを飾る「Twisted Transistor」のポップさ含め、このアルバムには良くも悪くも「わかりやすい」楽曲が並んでいるような印象を受けます。いや、サウンド的にはかなり遊んでいますし、ところどころでゴリっとした音像やジョナサンのグロウルやスクリームもフィーチャーされています。が、整理されたサウンドのせいもあって、非常に聴きやすいのです。そこが『UNTOUCHABLES』との大きな違いかな（まあ、あのアルバムも今となっては非常に聴きやすいですが）。
5、6分ある楽曲も複数含まれているものの、全体的には3分適度のコンパクトな楽曲が多いのも印象的。このへんもTHE MATRIXというヒットメイカーの手腕によるものなんでしょうか。初期の“跳ねた”リズムとヘヴィさが好きだったというリスナーには受け付けられない路線かもしれませんが、本作を起点に現在まで続いているスタイルもあるわけで、そういった意味では初期メンバーをひとり欠いた彼らが新たな戦いに挑んだ“KORN第二章”の幕開けにふさわしい力作だと思います。個人的にもお気に入りの1枚です。
ただ、本作は内容以上の大きな問題をはらんでいます。そう、悪しきCCCDの存在です。最初に触れたネット上への音源リークやファイル交換ソフトなどの影響（と言われていますが）から、国内外のレコード会社の多くが「コピーコントロールCD（＝CCCD）」と呼ばれる“パソコンでリッピングできなCD”が市場に出回ることになります。特に大手レコード会社のEMIは海外のみならず日本でもこのシステムを導入し、本作は初出時CCCDでのリリースでした。
しかし、このCCCDというのもかなり脆い存在でして、Windows PCではNGでもMacではコピーできてしまう、同じ作品でも国によって通常のCD（CD-DA）が出回るなど抜け道がいくつもあったのです。本作も日本盤やはCCCD仕様でしたが、確か一部の海外盤はCD-DA仕様。なので、僕自身はAmazonを通じて輸入盤を購入して本作を楽しみました。その後、CCCD自体が撤廃されたことで、海外盤の新品でCCCD仕様にかち合うことはほぼなくなりましたが、本作の日本盤はCD-DA仕様での再発は過去に一度のみ。しかも、現在は廃盤状態なので、ぜひとも来年の来日に合わせて過去作の廉価版再発に踏み切ってもらいたいところです。
最後に。本作は全米3位（100万枚）と数字的には前作以上の成功を収め、「Twisted Transistor」（全米64位）、「Coming Undone」（同79位）と珍しくシングルヒットも連発しています。
▼KORN『SEE YOU ON THE OTHER SIDE』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
ANGEL WITCHが2012年3月に発表した通算4作目のオリジナルアルバム。
ANGEL WITCHは70年代末にケヴィン・ヘイボーン（Vo, G）を中心に結成された、NWOBHM（New Wave of British Heavy Metal）シーンにおける代表的存在のひとつ。1980年にアルバム『ANGEL WITCH』をリリース後、80年代半ばまでに計3枚のオリジナルアルバムを発表しています。が、その後は活動が停滞。デモ音源を含むコンピ盤やライブアルバムのリリースこそあったものの、オリジナル作品の発表は20年以上途絶えていました。
今回紹介する『AS ABOVE, SO BELOW』はオリジナルアルバムとしては、1986年の『FRONTAL ASSAULT』以来26年ぶりの新作。一部メディアでは『RESURRECTION』（2000年）以来12年ぶりと報じられていましたが、同作は未発表のデモ音源を寄せ集めたものなので、純粋な新作としては26年ぶりが正しいのでしょう。
本作リリース時のメンバーはケヴィン、ウィル・パーマー（B）、アンディ・プレスティッジ（Dr）にビル・スティアー（G）という4人。ビルはご存知、CARCASSやFIREBIRD、GENTLEMANS PISTOLSでおなじみの方。ただ、のちの明らかになるのですが、ビルはレコーディングには不参加でライブのみの参加だということです（ただ、明らかにビルらしいギターフレーズも確認できるそうなので、実際のところどこまでが本当かは不明）。
楽曲そのものは、これぞANGEL WITCH！と言えるダークなHR/HMが中心で、オープニングの「Dead Sea Scrolls」こそ“枯れた”ハードロックで若干の不安を覚えますが、2曲目「Into The Dark」以降のアップダウンを繰り返す展開にホッと胸をなでおろすオールドファンは少なくないはず。とにかく「あのANGEL WITCH」そのものですよ、これは。
現代的なプロダクションで制作されたことで、デビューアルバム『ANGEL WITCH』にあったチープさが払拭され、間違いなく2000年代の音／バンドとしてここに存在する。僕自身、2作目も3作目も聴いておらず、完全に『ANGEL WITCH』との比較になってしまうのですが、そこから32年という長い時間を一気に飛び越してここに存在するこの音、間違いなく『ANGEL WITCH』からの“続き”なんですよ。そう確信できるほど、王道中の王道。もはや職人技と言いたくなるくらいの変わらなさと（制作面での技術的）進化を楽しめる1枚。聴かない理由はありません。
ちょうど同作を携え行われた来日公演（2012年6月）にも足を運び、さらにはANGEL WITCHの一員として来日したビル・スティアーへのインタビューまで実現してしまった（掟ポルシェさんがインタビュアーを務め、僕が原稿をまとめるという形で）。このアルバムを聴くと、7年前のあの頃のことを鮮明に思い出すことができる……そんな個人的な思い出が詰まった1枚です。
▼ANGEL WITCH『AS ABOVE, SO BELOW』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
2019年9月中旬に発表された女性シンガーソングライター、チェルシー・ウルフの6thアルバム。
『HISS SPUN』（2017年）から2年ぶりの新作となる今作は、ダークでノイジーかつスラッジ的要素の強かった前作から一転、彼女の歌とアコースティックギターを軸にしたフォーキーな作風。ただ、単なる「フォークギターによる弾き語り」とは異なり、そこにエレクトロ的な味付けが施されたり歪んだミキシングによるバンド演奏が加わることで、浮遊感の強い独特な世界観が展開されています。
全体的にかなりどんよりとしていて、言ってしまえばゴッシック要素の強いダークさが目立つ作風なんですが、そこにはよくある“情念的なアレ”は一切感じられない。むしろ淡々と歌うことで、静をベースにしたサウンドスケープ上に現れては消える蜃気楼のような存在感を放っている。そんな不思議な音世界が楽しめる1枚となっています。
いわゆるダーク／エクストリームサイドの人間が急にフォーキーなサウンドに目覚めるケースは多々ありますが、彼女の場合はもともとこのスタイルが軸にあったわけで、ドゥーミーな前作の次にこんなにも内省的で“閉じた”アルバムが届けられたとしても実はそこまで驚かないわけでして。
とはいえ、過去には『UNKNOWN ROOMS: A COLLECTION OF ACOUSTIC SONGS』（2012年）というコンピ盤も発表しているものの、ここまで本格的にフォーキーさを主軸に置いたオリジナル作品は初めてだったので、逆に「おお、このタイミングで！」と驚きを通り越して喜んだりしたものです。
穏やかな歌声で紡がれる歌詞は叙情的とは相反する、物事をどこか俯瞰で見ているかのような詩的なものばかり。古き良き時代のブルースやフォークにも通ずる物語性があって、そういった楽曲をこの淡々とした歌唱スタイルと少ない音数で表現するからこそ、他人事のようにも聞こえるのに、気づけばど真ん中に響いている。そんな作品集に『BIRTH OF VIOLENCE』というタイトルを付けるあたりにも、この人らしいセンスが感じられます。
そういう不思議な魅力を放つ、クセになる1枚。異色作ではあるものの、個人的には年間ベスト候補に入れたい良作でもあるわけでして。プレスリリースには比較対象としてPJハーヴェイの名前が挙げられていましたが、そのへんが好きな人はもちろん、昨今のオルタナ系女性アーティスト、そしてMYRKURあたりのラウド＆ダーク寄り女性アーティストのリスナーにも響いてほしい1枚です。
▼CHELSEA WOLFE『BIRTH OF VIOLENCE』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
MYRKURが2017年9月にリリースした2ndアルバム。
MYRKURとはデンマーク出身で現在ニューヨークを拠点に音楽活動を続ける女性アーティスト、アマリエ・ブルーンによるブラックメタル／ダークフォーク・プロジェクト。浮遊感のあるヨーロッパ民謡の要素とギターのトレモロリフが印象的なブラックメタルの要素を掛け合わせた独創的なサウンドの上に、透明感の強いソプラノボイスが乗るというスタイルで、そこにときどき絶叫も飛び込んでくるという……まあとにかく、ダークでゴシックでフォーキーで、それでいてブラックメタルという「好きな人にはたまらない」世界が展開されているわけです。ここ日本でも、この『MARERIDT』がリリースされた頃に一部で話題になりましたよね。
本作のプロデュースを担当したのは、MASTER MUSICIANS OF BUKKAKEのメンバーでSUNN O)))やEARTH、WOLVES IN THE THRONE ROOMなどを手がけてきたランダル・ダン。アマリエはボーカルのほかピアノ、ギター、バイオリンなどに加えスウェーデンの民族楽器ニッケルハルパ（フィドルやハーディガーディに似た擦弦楽器）をプレイしており、ドラムにはプロデューサーつながりなのか、WOLVES IN THE THRONE ROOMのアーロン・ウェーバーが参加しています。また、ゲストアーティストとしてチェルシー・ウルフが「Funeral」と「Kvindelil」（こちらはデラックス盤のみ収録）の2曲でボーカリストとしてフィーチャーされております。
ブラックメタルというよりも、ブラックゲイズやダークサイドなドリームポップにケルト民謡などの要素をミックスするとこうなる……と表現したほうがわかりやすいかな（そもそもアンチクライスト的な退廃感ゼロですし）。とにかくダークはダークだけど想像以上にメロディアスで、なおかつ民族音楽や宗教音楽のような幻想的、耽美な世界観が展開される楽曲の数々は、かろうじてメタルの範疇に入るものの、視点を変えたらケイト・ブッシュをダークでラウドなサウンドスケープで表現したらここまでたどり着くんじゃないか？なんていう地平線も見えてきそうな。いや、ちょっと違うかな。
何にせよ、ありそうでなかったジャンルだなと思いました。けど、まったく新しいとは思わない。なんとなく聴いたことがある気がするけど、実は初めて耳にするくらい。でも、そこがいいんでしょうね。この、若干既視感がある空気感が。なので、僕自身はスッと入っていけました。
……って、急に思い出した。あれだ、80年代のゴス（ポジパン寄り）だ。あの感覚に近いんだ。そこに北欧ブラックメタル的なひんやりした熱（反語）とヒーリングミュージックという水と油がものすごい回転数でミキサーにかけられたような。だから80年代に青春時代を過ごし、V系を通過したメタラーには当たり前のように受け入れられるんだね。納得です。
ちょっと心がささくれ立っていて、癒しよりも混沌が欲しいとき、僕はこのアルバムをよく聴いています。むしろ、そのほうが本当の意味での平穏が感じられるから。間違ってないですよね？
▼MYRKUR『MARERIDT』
（amazon：海外盤CD / MP3）
HELLYEAHが2019年9月末に発表した、通算6作目のスタジオアルバム。
前作『UNDEN!ABLE』（2016年）から約3年4ヶ月ぶりの新作となりますが、その間にバンドの今後を左右する大きな出来事が起こりました。2018年6月22日、バンド創設者であるヴィニー・ポール（Dr／ex. PANTERA、ex. DAMAGEPLAN）が54歳という若さで急逝。バンドは前年秋から新作の準備に突入しており、突然の出来事にショックを隠せなかった様子でした。しかし、HELLYEAHは活動を止めることなく、ヴィニーの残したドラムトラックをもとにレコーディングを続行。過去2作から引き続きケヴィン・チャーコ（オジー・オズボーン、DISTURBED、FIVE FINGER DEATH PUNCHなど）をプロデューサーに迎え、本作を完成させています。
オープニングを飾る「333」のパンチの効いたサウンドに「おおっ！」と唸らせられるものの、全体的にダークさが漂っており、なんとなく薄っすらと霧に包まれた雰囲気が伝わってきます。それがヴィニーの死を引きずってのものなのか、それともバンドとしての停滞感がそのまま表れてしまったのか、理由は定かではありませんが。
決して悪いアルバムではないと思います。ですが……ストリングスを導入したヘヴィかつスローな1曲「Welcome Home」はかなり上出来だと思いますが、アルバム3曲目に持ってくるにはちょっと早いのでは？とも感じます。この曲が序盤に設置されることで、全体のダークさ、どんより感を強調してしまっているのではないでしょうか。そこから同系統の「I'm The One」や「Black Flag Army」へと続ける構成も、悪くはないんだけど、必要以上に“負の要素”を引きずり出されてしまうというか……。「Skyy And Water」のような穏やかな楽曲で締めくくる構成も、いかにもですし。
そのほかの楽曲に関しても、良くも悪くも「ニューメタル、モダンヘヴィネス止まり」という印象が。10年前にこれをやっていたら「新しい！」と喜んでいたんでしょうけど、う〜ん。
とはいえ、チャド・グレイ（Vo）のメロウな要素が効果的に用いられており、ボーカルに関して言えば過去イチのような印象も受けます。ギタリスト2人の仕事ぶりもまずまずだと思いますし。となると、やっぱり楽曲の詰め方がもう一歩だったのかな。やはり、重要なブレインを失った代償は大きかったのでしょう……。
そういったことも反映されてか、本作は全米57位と過去5作と比べて非常に低調な数字（過去5作はすべてTOP20入り）。ヴィニー亡き後の1枚なだけに、もうちょっといい数字を残してもいいはずなのに。
なお、バンドは本作リリース前に新たなドラマーとしてSTONE SOURのロイ・マイヨルガがツアーに参加することを発表しています。今のところツアーのみのようですが、今後パーマネントメンバーとなるのか気になるところです。
▼HELLYEAH『WELCOME HOME』
（amazon：海外盤CD / MP3）
2019年9月下旬発売の、STEEL PANTHER通算5作目のスタジオアルバム。日本盤は1ヶ月遅れの同年10月下旬にリリース予定です。
前作『LOWER THE BAR』（2017年）から2年半ぶりの新作に当たりますが、本作から自主レーベルのSteel Pantehr Inc.からのリリース。視点を変えれば、デビューアルバム『FEEL THE STEEL』（2009年）から前作までの4枚をメジャーのUniversalから発表できていた事実に驚くわけです。こんな下品な（略
残念ながら初めてBillboard 200のトップ100入りを逃してしまいましたが（最高131位）、楽曲とサウンド自体はこれまでと変わらずカッコいいものばかり。そう、「楽曲とサウンド」はね。80年代のヘアメタルを地でいくスタイルはデビュー以来一貫しており、あの時代の“あの”サウンドが好きなリスナーにはたまらないものがあるはずです。だって、グランジの「グ」の字すら感じさせない、潔い軽やかさ＆ヘヴィさが堪能できるのですから。
ですが、先にも書いたように最高なのは「楽曲とサウンド」のみ。曲名や歌詞は真逆の最低一直線なのですから（苦笑）。だって、オープニングトラック（SEの「Zebraman」を除く）のタイトルが「All I Wanna Do Is Fuck (Myself Tonight)」ですから……。
そのほかにも「I'm Not Your Bitch」やら「Fuck Everybody」やら「Sneaky Little Bitch」やら「Gods Of Pussy」やら……って自分でタイプしていて苦笑いしてきましたよ（笑）。
曲自体はめっちゃカッコいいのに、サビで歌われるタイトルが「I'm Not Your Bitch」ですし、「Fuck Everybody」なんて聴き取れる限りの歌詞がもう最低でしかない（笑）。〈Fuck〉を連呼するだけでなく、サビの歌詞が〈Fuck everybody! Everybody can suck my motherfuckin' dick!〉ですからね。閉口するってこういうことを言うんですね。
タイトルトラックの「Heavy Metal Rules」もシリアスな曲調で〈Gene Simmons said it, Rock and roll is dead〉と歌うものの、最終的には〈Heay metal rules, And everybody else can suck my dick〉ですから（苦笑）。ここまでくると、もう泣けてきますね……。
チャートがすべてではないものの、海外では評価もかなり低いという話が伝わってくる本作。何度も言いますが、曲と音“だけ”は最高なので、歌詞を無視しつつ死んだ目で（笑）楽しんでもらいたい1枚です。意外とパーティでうっすら流すのもアリかもね。その際には、周りに英語圏のお友達がいないことを確認してくことをお忘れなく（笑）。
▼STEEL PANTEHR『HEAVY METAL RULES』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
2019年10月初頭にリリースされた、THE DARKNESS通算6作目のスタジオアルバム。再結成して早くも4作目のスタジオ盤となります。
4thアルバム『LAST OF OUR KIND』（2015年）以降の彼らは非常に精力的にリリースを続けています。5thアルバム『PINEWOOD SMILE』（2017年）までの間隔は2年4ヶ月、前作から今作の間隔はまる2年ですが、その間には初のライブアルバム『LIVE AT HAMMERSMITH』（2018年）も発表されていますし。思えば『LAST OF OUR KIND』の制作中に現メンバーのルーファス・テイラー（Dr／QUEENのロジャー・テイラーの実子）が正式加入してからなんですよね、このペースって。それだけ現編成での活動が充実しているってことなんでしょうか。
さて、早くも届けられた今作は、バンド史上初となるコンセプトアルバム。オープニングを飾るリードシングル「Rock And Roll Deserves To Die」からして仰々しさ満載で、いかにも彼ららしい“QUEEN風コーラス”も健在。1曲の中に数曲分のアイデアが含まれているあたりもQUEEN的ですが、その後に続く数々の楽曲群がとにかくてんでバラバラなタイプばかり。悪く言えば散漫な内容かもしれませんが、いえいえ、意外とスルスル聴き進められてしまうんですよ、これが。
スケール感の大きなリズムによる「Heart Explodes」やムーディーなスローナンバー「Deck Chair」、アルバムを象徴する豪快なロックンロール「Easter Is Cancelled」、そのタイトルからは想像できないオープニングにギョッとする（笑）「Heavy Metal Lover」（中盤からのアレンジ、最高すぎ！）、枯れ具合が心地よいミディアムバラード「In Another Life」など、とにかく1曲1曲のクセが強いったらありゃしない。これだけバラエティに飛んだ楽曲が並んでいるのに、実は統一感が強い。それってつまり、THE DARKNESSというバンドの個性の強さやジャスティン・ホーキンス（Vo, G）が歌えばすべてTHE DARKNESSの楽曲になってしまうという強みの表れなんじゃないでしょうか。
オープニングこそ5分半と長尺気味ですが、以降は3〜4分台とコンパクトな楽曲が並ぶあたりも聴きやすさにつながっているのかな。全10曲で40分欠けるトータルランニングも程よいしね。
ただ、本作は海外デラックス盤と日本盤のみ5曲のボーナストラックが追加されたバージョンで流通。デジタル版もこちらの長尺版なので、通常の10曲と15曲バージョンとでは印象がガラッと変わるはず。正直、僕はM-10「We Are The Guitar Men」で潔く終わる構成がお気に入りです。曲が増えると、そのぶんアルバムの印象がボヤけてきますし。
かといって、ボートラ5曲の出来も決して悪いものではないので、まあこっちは余裕があるときにあわせて聴くといいよ、くらいの感覚で。もし点数をつけるとしたら、ボートラなしバージョンが90点、ボートラ追加バージョンで80点かな。この10点の差、大きいと思います。
▼THE DARKNESS『EASTER IS CANCELLED』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / 海外デラックス盤CD / MP3）
1989年4月中旬にリリースされた、W.A.S.P.の4thアルバム。日本では半月遅れの同年5月上旬に発売されました。
デビュー時のインパクトのせいもあって、楽曲よりもそのショッキングなヴィジュアルにばかり目が行きがちだったW.A.S.P.。本作はのちにブラッキ・ローレンス（Vo, G）のソロ作品としてスタートした『THE CRIMSON IDOL』（1992年）の片鱗が見え隠れする、非常に音楽性の高い1枚に仕上がっています。
本作制作時のメンバーはブラッキー、クリス・ホルムス（G）、ジョニー・ロッド（B）の3人。脱退後にL.A. GUNSへ加入したスティーヴ・ライリー（Dr）に代わり、本作ではゲストプレイヤーとしてフランキー・バネリー（QUIET RIOT）が参加しています。また、ケン・ヘンズレー（元URIAH HEEP）がキーボードプレイヤーとして、リタ・フォードなど多数の仲間が「Thunderhead」のコーラスのレコーディングに加わりました。
L.A.メタル（ヘアメタル）の延長線上にある“セックス、ドラッグ＆ロックンロール”的な世界観から離れ、よりリリカルで深みのある歌詞と、HR/HMバンドとしての起承転結が色濃く表れたサウンド／アレンジを本格的に導入することで、前作までに混在したパーティ路線が完全に払拭。7分を超えるエピカルな「The Heretic (The Lost Child)」でオープニングを飾ると、THE WHOのカバー「The Real Me」を挟みつつ「The Headless Children」「Thunderhead」という5〜6分台の壮大なメタルナンバーが続きます。ここまでの流れ、本当にシリアスでメタリック。歌詞に関しては「Animal (Fuck Like A Beast)」「I Wanna Be Somebody」「Blind In Texas」なんて歌っていたバンドと同じバンドとは思えないほどです。
もちろん「Mean Man」や「Rebel In The F.D.G.」のようなストレートなハードロックもあるのですが、メロディアスなバラード「Forever Free」や疾走メタル「Maneater」、ツーバス連打のメタルシャッフル「The Neutron Bomber」などを聴いてしまうと、かつてのいかがわしさはどこへやら……ただただカッコいいHR/HMバンドの姿がイメージできてしまうのですから不思議なものです。
初期3作のスタイルももちろん素晴らしいのですが、非常に完成度の高い『THE CRIMSON IDOL』を愛してやまないというリスナーにはぜひ続けて今作も聴いていただきたいものです。初期3作と『THE CRIMSON IDOL』以降をつなぐ、非常に重要な1枚ですから。
なお、現在流通している盤（配信バージョン含む）はボートラを多数含む仕様となっており、JETHRO TULLのカバー「Locomotive Breath」やアルバム未収録曲、「L.O.V.E. Machine」や「Blind In Texas」のライブテイクが追加されています。こちらの6曲はアルバム本編の流れとは若干毛色が異なりますし、むしろ本編10曲の完成度が異常に高いのでオマケ程度の気持ちで接してもらえると。
▼W.A.S.P.『THE HEADLESS CHILDREN』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
オランダのハードロックバンド、VANDENBERGが1982年9月に発表した1stアルバム。
エイドリアン・ヴァンデンバーグ（G）を中心に結成された4人組バンドで、メンバーはエイドリアンのほかバート・ヒーリンク（Vo）、ディック・ケンパー（B）、ジョス・ズーマー（Dr）という編成。結成から程なくしてAtlantic Recordsと契約し、このアルバムを発表しています。
ちなみにエイドリアンはVANDENBERG結成前にTHIN LIZZYやWHITESNAKEのギタリスト・オーディションを受けて、ともに落選したとのこと。この時点ですでにオランダから外に出ていきたいという思いが強かったのでしょうね。本作はアメリカでも最高65位という好成績を残しており、さらに本作からシングルカットされた「Burning Heart」も全米39位のスマッシュヒットを記録。異国からの新人がデビューでここまでの成績を残すのは異例のことですし、そもそも1982年というとLAメタル勢を中心とするHR/HMブーム前夜。アメリカ国内ではVAN HALENがヒットを飛ばし続ける中、NIGHT RANGERといった気鋭の新人が登場し、オジー・オズボーンと活動を共にしたランディ・ローズ（G）が飛行機事故で亡くなったタイミング。ブーム前夜ではあるものの、新たなヒーローが求められていた時期であったことは間違いありません（日本のLOUDNESSが海外でウケ始めたのも、そういった理由からでしょうし）。
そんな中登場したVANDENBERG。北欧のバンドらしい湿り気の強いメロディを持つ楽曲のみならず、VAN HALENにも通ずるカラッとしたハードロックナンバーも含まれており、そのへんのバランス感が新しさとして受け入れられたのかもしれません。思えばこの頃ってSCORPIONSくらいでしたものね、イギリス以外のヨーロッパのHR/HMバンドがアメリカで成功していたのって。
オープニングの「Your Love Is In Vain」の軽快さって、今聴くとちょっとVAN HALENっぽくもあれば、オジーっぽくもあるのかなと。そこに流麗なアコギソロを冒頭に用意した「Wait」のような楽曲や、泣きのバラード「Burning Heart」、豪快なギターリフ＆ソロを含む疾走感の強いファストチューン「Ready For You」、ブギーのリズムなのに不思議とヨーロッパのバンドらしい勇ましさと繊細さが混在した「Too Late」など個性的な楽曲が複数含まれている。正統派マイナーハードロック「Nothing To Lose」も、勢いのみで突進する「Out In The Streets」も文句なしのカッコよさを放っている。そりゃ売れるしウケるわけだ。
そして、この感覚ってのちのDOKKENにもつながっていくのかな、と改めて思いました。DOKKENの1st〜2ndあたりの雰囲気と本作の空気感って、非常に近いものがありますよね？
あと、こういった豪快さと繊細さを併せ持つスタイルって、意外と日本人が好きなんじゃないかな。派手になりすぎず、ちゃんと侘び寂びを感じさせる要素が含まれている。そりゃ日本でもウケるわけですね。納得です。
僕自身はリアルタイムだと3rdアルバムにしてラスト作となった『ALIBI』（1985年）からの後追い組ですが、完成度的には次作『HEADING FOR A STORM』（1983年）と『ALIBI』のほうが上かもしれないけど、未完成ならではのデビュー作らしい勢いは本作が圧倒的。なんだかんだで一番聴くのもこの1stアルバムかもしれません。
▼VANDENBERG『VANDENBERG』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
WHITESNAKEの問題作『SLIP OF THE TONGUE』（1989年）が今年でリリース30周年。Geffen時代の音源権利がRhino Recordsに移ったこともあり、『WHITESNAKE』（1987年）、『SLIDE IT IN』（1984年）に続いて最新リマスタリング＆未発表音源をたっぷり追加したアニバーサリーエディションが2019年10月4日に発売されました（日本盤は少々遅れて、10月23日発売とのこと）。
『SLIP OF THE TONGUE』というアルバム自体に関しては、過去にこちらで執筆済み。そちらでは2009年に海外で発表された20周年エディションについても触れていますが、その際にはオリジナル盤からの改悪（曲順の変更）が加えられていましたが、今回の30周年盤も『WHITESNAKE』や『SLIDE IT IN』同様にオリジナルとも20周年盤とも異なる新たな改悪（笑）が加えられており、さすがに頭を抱えております。
基本的にはデヴィッド・カヴァーデイル（Vo）とその側近によるアイデアなんでしょうけど……うん、アメリカかぶれしたイギリス人の考えることはわからない！とちゃぶ台をひっくり返したい気持ちです。
さてさて、30周年バージョンについてここからたっぷり書いていきますよ。本作はCD1枚モノの通常盤、CD2枚組のデラックスエディション、CD6枚＋DVDからなるボックスセット（スーパーデラックスエディション）の3仕様が用意されていますが、今回ここで触れるのは未発表音源が豊富なボックスセット関して。それぞれのディスクの中身について触れていきたいと思います。
まずはDISC 1。こちらは最新リマスタリングを施した『SLIP OF THE TONGUE』本編に当時のシングルのみに収録された別テイクなどを追加したもの。全17曲入りで、こちらが基本となるのでしょうか。収録曲は下記のとおり。
＜2019年バージョン＞
01. Slip Of The Tongue
02. Kittens Got Claws
03. Cheap An' Nasty
04. Now You're Gone
05. The Deepr The Love
06. Judgment Day
07. Sailing Ships
08. Wings Of The Storm
09. Slow Pork Music
10. Fool For Your Loving 1989
11. Sweet Lady Luck (Single B-Side)
12. Now You're Gone (Chris Lord-Alge Single Remix)
13. Fool For Your Loving 1989 (Vai Voltage Mix)
14. Slip Of The Tongue (Alternate Intro & Breakdown)
15. Cheap An' Nasty (Alternate Solo & End)
16. Judgment Day (Alternate & Extended Solos)
17. Fool For Your Loving 1989 (Alternate AOR Mix With CHR Intro)
アルバム本編がM-1〜10なのですが、なんですかこの味わい深さもへったくれもない流れは……頭3曲の流れはまだいいとしても、M6「Judgment Day」〜M7「Sailing Ships」の構成は疑問しか残らない。長尺の大作を2曲並べたかったんだろうけど、アルバムの締め用に作られた壮大なアレンジの「Sailing Ships」のあとにまだ3曲も残っていて、「Sailing Ships」の余韻をぶち壊すかのように「Wings Of The Storm」が始まる。さらにエンディングが「Fool For Your Loving」て……正気ですか？
ちなみにこちら、リマスタリングといいながらも「Kittens Got Claws」がオリジナルからいじられていたりします。スティーヴ・ヴァイ（G）によるオープニングの“猫ギター”がカットされたのは明らかな変化ですが、ほかにもイントロのリフの裏で鳴っていたヴァイのソロが若干前に押し出されているような。あと、オリジナル盤では軽く感じられたドラムの音も2009年リマスター盤よりもさらに硬質にミキシングされている印象も受けました。これはこれで悪くないね（曲順を除けば）。
M-11〜13は2009年バージョンにも収録されていたもの。M-12「Now You're Gone (Chris Lord-Alge Single Remix)」は「U.S. Single Mix」として親しまれてきたものですね。さらに今回は初出の別バージョンを追加収録。M-14「Slip Of The Tongue (Alternate Intro & Breakdown)」はいきなりブラスシンセから始まるイントロ縮小＆ギターソロ後のブレイクパートに変なソロ（笑）が追加されたバージョンです。いや、あの緊張感のあるブレイクにそれ入れちゃう？っていうヴァイのセンスよ……。M-15＆16は文字どおり、ギターソロを差し替えたもので、M-17はM-10のミックス違い。M-14〜16に関してはオリジナルバージョンに30年慣れ親しんだこともあり、ちょっと違和感があるかな。
2019年10月初頭にリリースされた、THE WiLDHEARTSの最新ミニアルバム。
今年5月に前作『¡CHUTZPAH!』（2009年）から10年ぶりの新作にあたる『RENAISSANCE MEN』（2019年）を発表したばかりの彼ら。そこから5ヶ月ぶりに届けられた新作は、その『RENAISSANCE MEN』収録曲の「Diagnosis」をタイトルトラックに、未発表の新曲5曲を加えた計6曲入りミニアルバム（EP）となります。
思えば前作『¡CHUTZPAH!』のときもライブ会場限定作品として、のちにEP『¡CHUTZPAH! JNR.』（2009年）がリリースされましたが、今回も感覚的には近いものがあるのでしょうか。そういえばこれらの新曲、新たに録り下ろしたものなのか、はたまた『RENAISSANCE MEN』制作時に残しておいたものなのかも今のところ不明ですし。
特に今作は日本盤リリースの予定もなさそうで（今年7月の来日時に、国内レーベルとあれこれモメましたしね。まああれはジンジャーが悪い気がしますが……）、そういった前情報が少ない中与えられた音源のみを聴いてあれこれ判断しますと……うん、傑作『RENAISSANCE MEN』の延長線上にあるエネルギッシュな“THE WiLDHEARTSらしい”楽曲が揃っていると思います。
「Diagnosis」については言うまでもなく、初期の良さを兼ね備えた良曲ですし、新曲「God Damn」はジンジャー以外のメンバー（おそらく主にCJ）がメインで歌っている“いかにも”な1曲。2分少々の「A Song About Drinking」はそのタイトルからも想像できるように、酩酊状態を表現したかのようなファストナンバーで、「The First Time」と「That's My Girlはキャッチーなメロディが備わった疾走チューン」。どれも聴けば「これぞTHE WiLDHEARTS！」と言いたくなるような仕上がりで、『RENAISSANCE MEN』に収録されていてもおかしくないものばかりです。きっと新作や初期の彼らがお気に入りというリスナーには問題なく受け入れられるはずです。
しかし、ラストナンバー「LOCAC」のみこれまでの流れを断ち切るような楽曲スタイル、音の質感、録音状況が伝わってきます。つうかこれって、確実に問題作（いや、個人的には傑作）の3rdフルアルバム『ENDLESS, NAMELESS』（1997年）で試したことを20数年の時を経てここで再び試しているだけだろ！と思わず突っ込みたくなるテイストなんですわ。いやあ、痛快ったらありゃしない。
そういう意味では、“どこまでもTHE WiLDHEARTSらしい”1枚。全6曲で20分強という物足りなさは否めないものの、このレベルの作品を定期的に届けてくれるのなら6曲入りでも構わない……そう断言したくなるほど、『RENAISSANCE MEN』から良い流れを作った好作品だと思います。
ですが、ここ日本での状況はなかなか完全が難しいのかな……しばらくは国内盤のリリースも難しそうだし、なんなら来日に関しても厳しいのかな。そもそもこのEPも最新ツアーにあわせてリリースされたようなものですし。相変わらずのトラブルメイカーぶりを発揮しまくりのジンジャー、この先どうなっていくのやら……。
▼THE WiLDHEARTS『DIAGNOSIS』
（amazon：海外盤CD / MP3）
2019年10月初頭にリリースされた、アメリカ・アリゾナ州出身の5人組バンドGATECREEPERの2ndアルバム。
2013年に結成され、単独EPや数々のスプリット作品をA389やClosed Casketといったアンダーグラウンドの名門から発表したのちに、大手Relapse Recordsと契約。2016年に1stアルバム『SONORAN DEPRAVATION』をリリースして以降は、精力的なツアー＆フェス出演でファンベースを拡大し続けてきました。
彼らの魅力は、80年代のUSデスメタル・オリジネーター（OBITUARYなど）や90年代の北欧デスメタル勢、そしてBOLT THROWERに代表される初期UKデスメタルバンドのエッセンスを取り入れつつも、XIBALBAなどデスメタルやスラッジの要素を取り入れ始めたハードコアバンドとも並列で語れるようなスタイルを維持し続けているところでしょう。
チェイス・H・メイソン（Vo）のグロウルやスクリームはデスメタルそのものですが、バックで鳴らされているサウンドはデスメタルをベースにしつつも、ハードコアの疾走感や先鋭さも散りばめられている。そこには、単なる懐古主義とも異なる“ナウ”な感覚が息づいているように思います。
そう思わせてくれる強い要因のひとつに、本作のサウンドメイキングが挙げられると思います。実は彼らのアルバム2作品でミックスを手がけているのが、CONVERGEのカール・バルー（G）その人。とてつもなくヘヴィなのに音の分離が良く、塊としての殺傷力はもちろんのこと、楽器1つひとつがえげつないくらいの存在感を放っているのですから。そりゃ病みつきになりますわな。
まだまだメタルやエクストリームミュージックの範疇で語られることの多いかれらですが、実はこの2作目で本格的なブレイクスルーを果たすのではないか。この隙が一切感じられない傑作を前にしたら、誰もがそう思うはずです。
なお、レーベルからのプレスリリースには下記のような文言が添えられています。
「メタルを基調としながらジャンルを超えていくインパクトを放つという意味で、DEAFHEAVENやPOWER TRIPに通じるものを持ち、実際その2バンドのブレイク・スルーと非常に近い注目の浴び方をしている。」
上記2バンドの浸透の仕方に興味を覚えた方、悪いことは言いません。今すぐチェックしてみることをオススメします。
▼GATECREEPER『DESERTED』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
マイケル・モンローが2003年1月に発表した、通算5枚目のオリジナルアルバム。JERUSALEM SLIM、DEMOLITION 23.名義のアルバムを含めると、通算7作目のソロ作品ということになります。
前作『LIFE GETS YOU DIRTY』（1999年）発表前後から、再び運気が上昇し始めたマイケル。その勢いはそのままソロに注ぎ込まれるのかと思いきや、なんと2001年にHANOI ROCKS再生（＝事実上の再結成）。オリジナルメンバーはマイケルとアンディ・マッコイ（G）のみでしたが、現代的にアップデートされたオリジナルアルバム『TWELVE SHOTS ON THE ROCKS』（2002年）をリリースするなど、精力的な活動が展開されました。
今回紹介するソロアルバムは、マイケルがハノイ再生期間に唯一発表したソロアルバム。タイトルの『WHATCHA WANT』は、その再生ハノイの第1弾アルバム『TWELVE SHOTS ON THE ROCKS』の同名収録曲から取られたもの。そもそも、この「Whatcha Want」という曲、ソロ用に作られたものだったみたいですね。
そういう事情もあるのかどうか不明ですが、アルバムは全13曲中オリジナルナンバーが5曲と非常に少ないんです。それ以外はEDDIE & THE HOT RODS、UK SUBS、THE DEAD BOYS、X-RAY SPEX、デイヴ・リンドルム、THE BOYS、レオナード・コーエンとバラエティに富んだアーティストのカバー曲を収録。アルバムとしての勢いは十分に伝わってくるものの……なんとなくですが、雰囲気的には3作目『PEACE OF MIND』（1996年）にも近いものを感じます。ただ、あのときほどネガティヴさは感じられず、むしろ再生ハノイで感じた“違和感”を放出するような“アク抜き”役割の1枚なのかなと。
まあとにかく。カバー曲は文句なしに良いです。当たり前か、原曲が良いんだから。EDDIE & THE HOT RODS「Do Anything You Wanna Do」のパワーポップ感は初期ハノイにも通ずるものがあるし、おなじみTHE DEAD BOYS「What Love Is」は「まだこれやってなかったんだ！」と驚かされるし。アルバムラストを飾るアコースティックナンバー「Hey, That's No Way To Say Goodbye」も、レオナード・コーエンのくどさがまったく感じられない（笑）、非常にさらっとした仕上がりで、このアルバムにぴったりの１曲だと思いました。
また、オリジナルナンバーも同時期のハノイ作品に収録されていたとしても、何ら違和感のない楽曲ばかり。「Right Here, Right Now」の疾走感、どこか後期THE CLASHを思わせる「Stranded」のエモさ、湿り気の強い「Rumour Sets The Woods Alight」や「Life's A Bitch And Then You Live」のセンチメンタルな泣きメロなど、どれもなかなかの出来。それもそのはず、レコーディングにはティンパ（B）＆ラク（Dr）といった当時の再生ハノイのメンバーが参加しているんですから（笑）。
前作同様、この時期のソロ作品は日本でもあまり良い扱いを受けていない印象があり、現在もCDは廃盤状態。デジタル配信も行われておりません。せっかくバンド形態のMICHAEL MONROEがここまでちゃんと続いているんだから、（もはやライブでこれらの楽曲を披露しないにしても）ぜひ形として残し続けてほしいものです。
▼MICHAEL MONROE『WHATCHA WANT』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD）
1995年5月にリリースされた、イギリスのトリオ（当時の正式メンバーは3人、のちに4人組に）ロックバンドSUPERGRASSのデビューアルバム。日本では同年4月末に、2週間ほど早く先行発売されています。
1994年にシングル「Caught By The Fuzz」でデビューを果たした彼ら。同曲は当時全英43位という、新人のわりには好成績を残していますが、続く「Mansize Rooster」は20位、翌1995年発表の「Lenny」でついに初のTOP10入りを果たし、その後の代名詞的1曲となる「Alright」で全英2位という記録を樹立することになります。
これを受けて、アルバム自体も全英1位を獲得。世界中でのトータルセールスは100万枚を超え、まさに時代の寵児と呼ぶにふさわしい存在へと成長していきます。
オープニングを飾る「I'd Like To Know」を筆頭に、彼らは若さはち切れんばかりの勢いとキラキラしたポップさ、そして随所に散りばめられた“Very British”なひねくれ感が魅力。デビューしたタイミングもあり、ブリットポップ・シーンにおける代表格のひとつとカウントされていますが、もしデビューしたタイミングが異なれば純粋に「非常にイギリスらしいポップバンド」と評されたのかもしれません。ただ、その際にはここまでのヒットを飛ばしたのかどうかはわかりませんが。
大半の楽曲が2〜3分程度とコンパクトで、1曲1曲に複数のフックが用意されている。それは流麗なメロディラインであったり、耳障りの良いコーラス＆ハーモニーであったり、あるいは疾走感あふれるバンドサウンドであったり、よくよく聴けば非常に寝られていることが伺えるアレンジであったり……シンプルなくせに、とにかく情報量が多いんですよ（笑）。
だからなのか、リリース当時このアルバムを初めて聴いたとき、妙に疲れたことをよく覚えています。聴きやすくてカッコいいのに、トータル13曲で40分程度なのに、それでもぐったりするこの感覚。それもあって、当時はアルバム全体を通して聴き込むよりも、好きな曲だけをピックアップして聴いていた記憶もあります。
今聴くとこの“ラフに聴こえるようで、実は緻密”なサウンドがたまらなくクセになるのですが、あの頃はあの頃でそういう思いがあったと……それもいい思い出です（笑）。
そんな彼らが2010年の解散から約10年を経て、再結成を果たします。すでにTHE POLICEのカバー「Next To You」をデジタルリリースしていますが（同曲は来年リリース予定のベストアルバムにも収録予定）、大人になっても抑えることを知らず突っ走ることを忘れない彼ら、大好きです。
▼SUPERGRASS『I SHOULD COCO』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / 海外盤3CD / MP3）
1996年9月にリリースされた、SUEDE通算3作目のオリジナルアルバム。
前作『DOG MAN STAR』（1994年）完成直前にバーナード・バトラー（G）が脱退し、同作のツアーには当時若干18歳のリチャード・オークスを起用。そのまま正式加入すると、バンドは新たにニール・コドリング（Key）を加えた5人編成でレコーディングに突入。過去2作を手がけたエド・ビューラーを迎えて完成されたのが、このキャリア最大ヒット作となった3rdアルバムです。
本作からは先行シングル「Trash」がまず全英3位と過去最高位を記録。これを受けて、アルバムもデビュー作『SUEDE』（1993年）に続く2作目の全英1位を獲得しました。その後も「Beautiful Ones」（同8位）、「Saturday Night」（同6位）、「Lazy」（同9位）、「Filmstar」（同9位）と計5曲ものTOP10ヒットを生み出し、アルバム自体もキャリア初となるプラチナムに認定されました。
過去2作にあったダークさや、淫らで危うい影の部分が払拭された本作は、突き抜け感がハンパなく、まばゆいほどの光を放っているポジティブな1枚。〈We're the trash you and me〉と歌われるリード曲「Trash」は、このフレーズを筆頭に歌われている内容は過去2作を踏襲したものと言えますが、今作ではそのネガティブさを肯定し、受け入れ、それでも前に進もうとするポジティブさが伝わってきます。
つまり、精神性は何ら変わっていないのに、それらを表現する手段がマニアックなものからポピュラリティの高いものへとシフトしたことで、それまで見向きもしなかった人までもを巻き込むことに成功した。これが彼らの大ブレイクの理由だったのかなと。確かにリリース当時、初期のいなたさを愛好するバーナード派からはそっぽを向かれました。しかし、そういったネガティブ要素を払拭するほどの勢いが当時に彼らに備わっていたのもまた事実です。
とにかく、どの曲もよく作り込まれていてキャッチー。そりゃあアルバム収録曲の半分がシングルカットされても不思議じゃないわ。しかも、時代はブリットポップ最盛期。彼らもその流行にうまく乗ることができたわけです。
初期2作の完成度も捨てがたいですが、本作の無敵感もまた何物にも変えがたいものがある。どれが一番好きかと問われると本当に悩みますし、日によって変わってくるとは思いますが、やっぱりアンセミックなロックチューン「Trash」から始まり、再びアンセミックなバラード「Saturday Night」で幕を下ろす本作はタイミングや心情を選ばず、いつ聴いてもベストだと思います。
そういった意味では、もっとも初心者にオススメしやすい1枚かもしれません。
▼SUEDE『COMING UP』
（amazon：日本盤CD / 日本盤2CD＋DVD / 海外盤CD / 海外盤2CD＋DVD / MP3）
2019年9月リリースの、イギー・ポップ通算18作目のスタジオアルバム。
前作『POST POP DEPRESSION』（2016年）ではプロデュースにQUEENS OF THE STONE AGEのジョシュ・オムを迎え、そのジョシュとQOTSAやTHE DEAD WEATHERで活動をともにするディーン・フェルティータ、そしてARCTIC MONKEYSのマット・ヘルダース（Dr）とでバンドを組む形でレコーディング。ポストロック通過後のガレージロックという質感の、70年代後期のイギーを彷彿とさせる内容でした。
続く本作では前作の路線を踏襲することなく、また新たなスタイルに取り組んでいます。プロデューサーにはジャズトランペッターのレロン・ローマス、さらに「Post Pop Depression Tour」のオープニングに起用されたNYベースに活動する女性ギタリスト、サラ・リプステイトのプロジェクトNOVELLERを起用。彼らとレコーディングに取り組んだ結果、非常に大人びた、だけどどこか淫靡さが漂う世界観が構築された作品に仕上がりました。
ポストロックとも異なるそのスタイルは、むしろジャズ側に寄っていると言ってもいいかもしれません。そこにイギーがこれまでに取り組んできたアダルト路線のロックが融合することで、これまであったようでなかったタイプの楽曲／サウンドが奏でられている。新境地ともいえる「James Bond」や「Dirty Sanchez」「Glow In The Dark」ではイギーは楽曲制作に携わっておらず、レロンの楽曲をイギーが歌う……イギー自身の言葉を借りれば「他のアーティストが俺に変わって表現したものなんだ……俺は、ただ声を貸しただけなんだ」ということのようです。
が、その“貸した”声の存在感が非常に大きすぎるんですね。これはもう表現者として、新たなステージに到達したと言ってもいいかもしれません。そういえばイギー、本作の前にはUNDERWORLDとのコラボEPも制作していましたね。思えばあれも、声を使った新たな表現方法の模索だったのかもしれません。
イギー自身、前作を経てそれまでのさまざまな呪縛やしがらみから解放されたと、インタビューなどで発言していました。そのあとに制作されたアルバムのタイトルが『FREE』というのも、なんとも頷けるものがあるといいますか。
そう考えると、本作ってイギーが、デヴィッド・ボウイやルー・リードなどの盟友たちを先に失い（そういえば本作にはルー・リードが残した詞を使った「We Are The People」というポエトリーリーディング・ナンバーも収録されています）、人生の最終コーナーに入った彼が「最後にやれる“まだやっていないこと”」を探し求めた結果、たどり着いた場所なのかもしれませんね。アートワーク含め、この悟りきった感にはどこか寂しさも伴います。
もう散々暴れたんだもん。今しかできな表現として、これもアリだよね。僕はこのアルバム、全面支持したいです。大好き。
▼IGGY POP『FREE』
（amazon：日本盤CD / 海外盤CD / MP3）
2006年7月下旬に発表された、NEW YORK DOLLSの3rdアルバム。日本盤もほぼ同タイミングでリリースされています。
彼らがスタジオアルバムをリリースするのは『TOO MUCH TOO SOON』（1974年）以来、実に32年ぶりのこと。とはいえ、黄金期メンバーのジョニー・サンザース（G）もジェリー・ノーラン（Dr）も90年代前半に亡くなっているし、アーサー・ケイン（B）も2004年夏に白血病で亡くなっており、前作から残っているのはデヴィッド・ヨハンセン（Vo）とシルヴェイン・シルヴェイン（G）のみ。
そんな彼らをサポートしたのが、元HANOI ROCKSのサミ・ヤッファ（B）、日本では菅野よう子とのコラボレーションでも（一部で）知られるスティーヴ・コンテ（G）、そしてブライアン・デラニー（Dr）にブライアン・クーニン（Key）という編成。この6人で新生NEW YORK DOLLSとして本格的活動再開を果たしたわけです。
このアルバムのプロデュースを手がけたのは、AEROSMITHやCHEAP TRICKなどでおなじみのジャック・ダグラス。さらにゲストアーティストとしてイギー・ポップやマイケル・スタイプ（当時R.E.M.）、トム・ゲイブル（AGAINST ME!／のちのトランスジェンダーを告白し、現在はローラ・ジェーン・グレイスと改名して女性として生活）といったシンガーや、ボ・ディドリー（G）などがプレイヤーとして参加。NEW YORK DOLLSの復活に華を添えています。
さて、気になる内容ですが……うん、ちゃんとNEW YORK DOLLSです。デヴィッド・ヨハンセンの声が年相応の老け方をしており、往年のグラマラスさはもはや見る影もありませんが、この年齢じゃないと醸し出せない渋みがこの音楽スタイルと見事に合致し、より説得力の強い音楽を生み出すことに成功しています。
楽曲的には初期の彼らにすでに備わっていたソウルやR&B……要するにモータウンの要素が強いロック／ポップスが中心で、オープニングを飾るハードドライヴィングな「We're All In Love」こそゴリゴリ感が若干強いですが、それでも彼らならではのしなやかさもにじみ出ており、最初から好感触。その後も時代を超越したスタンダードナンバー／ロックンロールが続いていきます。
無駄にスキャンダラスな要素がなくなったぶん、楽曲と演奏で勝負するしかないわけですが、本来このバンドはそっち側で戦うべき存在だったのではないでしょうか……そう思わずにはいられないほどに、32年の空白を感じさせない“つながり”が見出せる素晴らしい内容です。
恐らくですが、本作においてはオリジナルメンバーからしたらガキンチョでしかないサミやスティーヴの演奏面＆ソングライティングでの活躍が非常に大きかったと思うのです。そしてそれは、続く4thアルバム『CAUSE I SEZ SO』でさらに強くなります（だからこそ、2人の脱退がバンドの寿命を縮めてしまったとも言えるわけですが）。
▼NEW YORK DOLLS『ONE DAY IT WILL PLEASE US TO REMEMBER EVEN THIS』
（amazon：国内盤CD / 国内盤CD＋DVD / 海外盤CD / MP3）
