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1986年5月13日にリリースされた、映画『トップガン』のオリジナル・サウンドトラックアルバム。

本作はアメリカで1986年5月16日、日本では同年12月6日に公開された同名映画の主題歌や劇中挿入歌を集めた作品集。映画『フットルース』での大ヒットに引き続き起用されたケニー・ロギンス、再ブレイク前のCHEAP TRICK、久しくアメリカでのヒットを失っていたBERLIN、グロリア・エステファン率いるMIAMI SOUND MACHINE、『フットルース』でのマイク・レノ（Vo）に続いてバンドでの参加となったLOVERBOY、ビリー・アイドルとのコラボレーションで知名度を上げていたスティーヴ・スティーヴンスなどバラエティに富んだ面々が参加しています。

本作からはケニー・ロギンス「Danger Zone」（全米2位）および「Playing With The Boys」（同60位）、BERLIN「Take My Breath Away」（同1位）、LOVERBOY「Heaven In Your Eyes」（同12位）といったヒットシングルも多数誕生（CHEAP TRICK「Mighty Wings」もシングルカットされたものの、チャートインせず）。これらのシングルヒットや映画のバカ売れを受け、アルバム自体も全米1位／全英4位を記録。今日までにアメリカのみで900万枚を売り上げるメガヒット作となっています。

大半の楽曲を職業ライター（ジョルジオ・モロダーやハロルド・フォルターメイヤーなど）が手がけたことで、楽曲自体からは各アーティストの“色”はほぼ伝わりません。そこはもう、映画のさまざまな場面を盛り上げるために用意された楽曲ですから、最終的にそれを誰が歌うかってだけですよね（これが原因で、参加を断ったアーティストも多いとのこと）。ヒット曲コンピの側面もある程度ありながらも、あくまで映画ありきの1枚。時代的にもMTVを意識した、映像ありきのコンピレーションアルバムと言えるのではないでしょうか。

実際、本作からシングルカットされた楽曲のMVにはすべて映画の名シーンが効果的に使われており、もはや映画がアルバムを売るための壮大なロングMVなんじゃないかと錯覚するほど。時代ですね。

映画産業的にも音楽産業的にもイケイケだった80年代半ば、本作の大成功は良くも悪くも、その後に続く“メガヒット／豪華アーティスト参加サントラ”の雛形になったことは間違いありません（もちろん、それ以前の『フットルース』サントラのヒットがあってこそですが）。

今聴くと、いろんな意味で時代を感じさせる内容ですが、名実ともにここから唯一ブレイクしたスティーヴ・スティーヴンスにとっては、いろいろ忘れられない1枚なのではないでしょうか。これがなかったら、翌年のマイケル・ジャクソン『BAD』（1987年）参加もなかったでしょうから。

なお、本作は1999年、2006年にそれぞれスペシャルエディション、デラックスエディションとして再発。映画で使用されながらもサントラ未収録だったオーティス・レディング「(Sittin' On) The Dock Of The Bay」、THE RIGHTEOUS BROTHERS「You've Lost That Lovin' Feelin'」といった印象的な楽曲が追加された“完全版”となっており、サブスクではこちらのバージョンを聴くことができるようです。なお、2006年版にはさらにREO SPEEDWAGON「Can't Fight This Feeling」、MR. MISTER「Broken Wings」、EUROPE「The Final Countdown」、STARSHIP「Nothing's Gonna Stop Us Now」、ジェニファー・ラッシュ「The Power Of Love」と映画には一切関係ないものの、同時期にヒットした楽曲5曲が追加されています。

いよいよ映画『トップガン マーヴェリック』が公開間近。今度のサントラは本作のような形ではなく、レディー・ガガやハンス・ジマー、ハロルド・フォルターメイヤーによる楽曲が中心のようですが、懐かしのケニー・ロギンス「Danger Zone」なども再収録されるようなので、若干は「あの頃」を追体験できるかもしれませんね。

▼V.A.『TOP GUN: ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

1986年11月10日にリリースされたブルース・スプリングスティーンのライブアルバム。日本盤は同年11月9日発売。

本作はメガヒット作『BORN IN THE U.S.A.』（1984年）に続いて制作されたアナログ5枚組／CD 3枚組という破格のボリュームのボックスセット形式のライブ・コンピレーション作品。そんな高額商品にも関わらず全米1位を獲得し、アメリカのみで現在までに400万セットを売り上げるという記録を樹立しています。また、本作からは「War」（全米8位、全英18位）、「Fire」（全米46位、全英54位）、「Born To Run」（全英16位）という、ライブ音源ながらヒットシングルも複数生まれました。

そのタイトルからも想像できるように、本作には1975年から1985年までに実施された、スプリングスティーンと彼のバンド・THE E STREET BANDとのライブ／ツアーから厳選された40曲をコンパイル。その中でも中心となっているのが1978年7月のRoxy Theater公演（8曲）と、『BORN IN THE U.S.A.』を携えた1984〜85年のアリーナ／スタジアムツアー（9曲）でしょうか。逆に、タイトルに銘打った1975年の音源はオープニングの「Thunder Road」1曲にとどまっています。

リリース当時のスプリングスティーンのライブは3時間超えは当たり前という時期。これは単に曲数を多く披露するのではなく、ライブならではのアレンジで1曲が10分前後にも及ぶことが多いという、ライブバンドならではの醍醐味を体現した結果でした。なので、本作からもそういった要素の片鱗は随所から感じ取ることができます。

基本的には年代順に音源が並んでいるのですが、最初はクラブ／ホールクラスから始まるので歓声もその程度のもの。しかし、アナログ盤のディスク2 B面（CDだとディスク1の12曲目）「Hungry Heart」からその感性の大きさが急変する。クレジットを見ると、ちょうどアルバム『THE RIVER』（1980年）で初の全米1位を獲得し、ツアーもアリーナクラスに移行したタイミングと重なります。そういったスプリングスティーンの成功の過程を、ライブパフォーマンスの充実度だけではなく、その周辺の環境からも感じ取れるのが本作の興味深いポイントではないでしょうか。

スプリングスティーン入門編としてはちょっと敷居が高い作品かもしれませんが、ベストアルバムや代表作をひととおり聴いたあとに彼のライブの凄みに触れてみたい方にはうってつけの作品集です。極上のロックンロールはもちろん、メッセージ性の強いシリアスなナンバー、意外なカバー曲などバラエティに富んだ選曲を、全盛期のライブを追体験する感覚でお楽しみください。

さて、ここからは余談。

DVD／Blu-rayがCDとほぼ変わらぬ価格帯で入手できること、またYouTubeなど動画サイトの普及や、スマホでライブ映像を手軽に撮影した映像をSNSなどで公開することが増えた結果、今ではライブ作品＝映像作品が当たり前。しかし、1986年当時はVHSなどのビデオソフトは軽く1万円を超える高額商品で、まだまだライブアルバムの需要は高かった。しかし、アナログ盤からCDへと移行するタイミングということもあり、ライブアルバム自体も40〜50分程度のシングルディスクものか100分前後の2枚組がメイン。ライブの全貌を音源で公開するというよりは、ひとつのライブ／ツアーから厳選された10曲前後でひとつの作品を制作したのがライブアルバム、という認識だったと思います。

そんな中、ライブアルバムの概念をぶち壊してくれたのがこのアナログ5枚組作品。ボックスセットという概念すらなかった時代ですから、「アナログ5枚組なんてアリなんだ！」と中学生の自分は非常に驚きました。もちろん、中学生の小遣いでは手が出ない作品だったので、せいぜいレンタル店で借りるのが関の山。しかし、レンタル代も通常のアナログ盤／CDの数倍かかり、かつそれをダビングするカセットテープ代も5倍ですからね（苦笑）。

なもんですから、本作に初めて触れたのはもっと大人になってから。20代後半にCD 3枚組を中古で購入したのが最初だったかな。でもね、アナログ5枚分を無理矢理CD 3枚に詰め込んだもんだから、意図しないところで曲が切れたりしているんですよね。そういった意味では、アナログ5枚組（のちに日本のみで、CD 5枚組も限定発売されましたが）で楽しむべき内容かもしれません。

もうひとつ余談。

今日このタイミングに本作を取り上げたのは、ご時世柄「War」というカバーを聴きたくなったから。さまざまなアーティストによって取り上げられてきたこの曲、日本では「黒い戦争」の邦題で知られ、特にエドウィン・スターのバージョン（1970年）が有名ではないでしょうか（ほかにもFRANKIE GOES TO HOLLYWOODもカバーしていたので、スプリンスティーンの前に彼らのカバーで知っていたという方も、当時は少なくなかったのでは）。

スプリングスティーンがこの曲をシングルカットした際、ライブ映像をもとにしたMVも制作されているのですが、ここではCD音源同様に曲に入るまえのMCも含めた形となっており、実はこのMCが非常に重要だったりします。もし英語に堪能な方でしたら、ここまで含めじっくり理解していただきたいですし、MVも冒頭とエンディングに重い意味が込められているので、そちらにも注目してみてください。

▼BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND『LIVE/1975-85』
（amazon：国内盤3CD / 国内盤5CD / 海外盤3CD / 海外盤アナログ / MP3）

1986年6月11日にリリースされたGLASS TIGERの1stアルバム。日本では『傷だらけの勲章』の邦題で、同年11月21日発売。

GLASS TIGERは1983年にカナダ・オンタリオ州ニューマーケットで結成された5人組ロックバンド。Captol Recordsと契約後、ブライアン・アダムスのソングライティングパートナーとして知られるジム・ヴァランスをプロデューサーに迎え、このデビューアルバムを完成させます。アルバムにはブライアン・アダムス（と彼のバンドメンバーでもあるキース・スコット）もゲスト参加していることもあって、シングル「Don't Forget Me (When I'm Gone)」は本国チャート1位、USチャートでも最高2位というデビューヒットを果たします。以降も「Thin Red Line」（カナダ19位）、「Someday」（カナダ14位、米7位）、「You're What I Look For」（カナダ14位）、「I Will Be There」（カナダ11位、米34位）スマッシュヒットを連発。アルバム自体もカナダ3位、米27位と好記録を残し、アメリカでは50万枚を超えるヒットさくとなりました。

サウンド的にはニューウェイヴを通過したポップロック／産業ロックといった印象ですが、「Thin Red Line」や「Don't Forget Me (When I'm Gone)」といった楽曲からはハードロック的なテイストも伝わります。特に後者や「Someday」といったヒット曲にはジム・ヴァランスもソングライターとして参加していることもあり、楽曲としての完成度の高さも印象的です。

ブライアン・アダムスがフックアップしたことがヒットにつながったことは大きな要因のひとつですが、ブライアンのような開放感の強いストレートなロックンロールをイメージすると、ちょっと肩透かしを喰らうかも。そのブライアンが印象的なコーラスで参加した「Don't Forget Me (When I'm Gone)」や「I Will Be There」あたりはブライアンの楽曲との共通点も見つけることができますし、「Ancient Evenings」のようにハードロック的アプローチを備えた楽曲も存在するにはしますが、このバンドはギターを前面に打ち出すよりも「Close To You」や「Vinishing Tribe」のようにシンセを軸にしたニューウェイヴタッチのナンバーが大半を占めるので、そのへんは覚悟してから触れたほうがよいかと思います。

そういったシンセメインのアレンジやドラムの音色などに時代を感じずにはいられませんが、個人的にはこの「ハードロックの色を含むニューウェイヴ」感は意外と心地よいものがあり、単なる一発屋ポップロックバンドと切り捨てるには勿体ない存在／アルバムだと思っています。ちょっと視点を変えたら、DURAN DURAN以降の英国ニューロマンティック勢に対するカナダからの答え、と受け取ることもできるのかなと。そこにソングライティング面でブライアン・アダムス一門がフォローアップすることで、何かに似ているようで実はオリジナリティに満ち溢れた不思議な1枚が完成した。それがこの奇跡のバランスで成立する隠れた名盤なのかもしれません。

ちなみに僕、本作は日本盤リリース直後にCDを購入しています。確か、BOØWYの『BEAT EMOTION』（1986年）の次に買ったのがこのアルバムだったんじゃないかな。つまり、人生で2番目に購入したCDがこれだった、と。そりゃ思い入れもありますよ。中学3年生の自分、意外と見る目あったのかな（苦笑）。

なお、本作はユニバーサルミュージックが企画する『初CD化＆入手困難盤復活!! HR/HM VOL.5：世界15カ国編』の一環で、3月23日に廉価盤として再発予定。本作をHR/HMの範疇に含んでしまって本当に大丈夫？　「カナダから登場した正統派ハード・ロック・バンドのデビュー・アルバム」と言い切っても本当に平気？とこちらが勝手に不安を覚えていますが、これを機に当時スルーしていたHR/HMリスナーの琴線にも触れることがあったら、いちファンとしてはこの上なく幸せでございます。

▼GLASS TIGER『THE THIN RED LINE』
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1986年12月1日にリリースされたQUEEN通算2作目のライブアルバム。日本盤は同年12月20日にアナログにて発売され、1988年2月3日に初CD化されています。

※YouTube上に『LIVE MAGIC』関連の公式映像はゼロのようなので、同時期の公式映像から。

フレディ・マーキュリー（Vo）存命中、QUEENのライブアルバムは『LIVE KILLERS』（1979年）とこの『LIVE MAGIC』の2枚のみ。しかも、この『LIVE MAGIC』はQUEENにとって最後のツアーとなった『The Magic Tour』から1986年7月11、12日のイギリス・Wembley Studium公演、7月27日のハンガリー・ブダペスト公演、そしてツアーファイナルにしてQUEEN最後のライブとなった8月9日のイギリス・Knebworth Park公演から抜粋されたライブベスト的内容。その“抜粋”の仕方も非常にクセの強いもので、本格的なライブアルバムを期待すると肩透かしを喰らう可能性が高い珍品です。

というのも、全15曲中「One Vision」「A Kind Of Magic」「Under Pressure」「Another One Bites The Dust」「Hammer To Fall」「Radio Ga Ga」のみほぼフル演奏ですが、それ以外の楽曲は当時演奏されたテイクをエディットしてメドレーっぽくつなげた形で、「Bohemian Rhapsody」に至っては、中盤のオペラパートをまるまるカットするという暴挙ぶり（怒）。なので、15曲（うち1曲はエンディングSE「God Save The Queen」なので実質14曲）で49分とアナログ1枚に収まる短さなのです（この49分はCDでの長さで、実際のアナログ盤は47分とさらに2分ほど短いのですが）。

当時の最新アルバム『A KIND OF MAGIC』（1986年）でQUEENに夢中になった筆者にとって、このライブアルバムがいかに期待外れだったか……来日が実現せず、今みたいにYouTubeで手軽にライブ映像を漁ることもできず、仮にライブ映像作品を購入しようとしても当時のVHSビデオテープ作品はどれも軽く1万円超えという時代。悶々としながらこのライブアルバムと向き合ったことは、言うまでもありません。

フレディ逝去後、先のWembley Studium公演をまるまる収めた2枚組作品『LIVE AT WEMBLEY '86』（1992年）がリリースされ、中学生時代の悔しさをここで解消したこと、今でもよく覚えています。さらに2000年代以降は各時代の秘蔵ライブアルバムが制作され、それらを貪るように聴き漁り……自分がQUEENのライブ作品に対して敏感なのは、きっとこの『LIVE MAGIC』での落胆が大きかったのかもしれませんね。

Wembley Studium公演は先の『LIVE AT WEMBLEY '86』、ブダペスト公演はのちにリリースされた『HUNGARIAN RHAPSODY: QUEEN LIVE IN BUADPEST』（2012年）で完全版が公開されているので、ここで希少価値が高いのはラスト公演となった Knebworth Park公演の音源のみ。QUEEN関連のライブ作品では本来重要視されるべき作品にもかかわらず、先のようなエディットのため評価が低いという、なんともアレな1枚なので、コアファン以外は無理して手にするべきではないと思います。まあ、そもそも日本ではデジタル配信およびストリーミングサービスでも未配信ですけどね。

このアルバム、当時は日本やヨーロッパでのみ発売され、セールス的に不遇期だったアメリカでは未発売。血胸、フレディ死後の1996年8月になってようやくUSリリースされたのです。しかし、現在はQUEENのカタログ・リイシュー時に今作が含まれることはなく、廃盤状態の国も少なくないようです。そんな中、ここ日本では2019年に本作がSHM-CD仕様でフィジカルリリースされておりますので、気になった方は（無理にとは言いませんが）購入してみてはいかがでしょう。

▼QUEEN『LIVE MAGIC』
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1986年5月27日にリリースされたRUN D.M.C.の3rdアルバム。

80年代半ば、いわゆるMTV世代のポップスリスナーにとって初めて接したヒップホップがRUN D.M.C.かBEASTIE BOYSだった、という現在40代後〜50代前半の方は少なくないと思います。RUN D.M.C.の「Walk This Way」とBEASTIE BOYS「(You Gotta) Fight For Your Right (To Party!)」はともにBillboard Hot 100にてトップ10入りするほどのヒットになり、かつ2曲ともロック／ハードロックをベースにしたトラックなのでライト層の入り口としても効果的でした。当の僕もRUN D.M.C.の「Walk This Way」が初めて本格的に接するヒップホップとなり、続くBEASTIE BOYSの1stアルバム『LICENSED TO ILL』（1986年）とこの『RAISING HELL』がヒップホップの入り口になったのですから。

当時すでにAEROSMITHが大好きだった僕は、「Walk This Way」のカバーに本家（スティーヴン・タイラーとジョー・ペリー）が参加したMVをVHSテープに録画して、何度もリピートし。気づいたらレンタルレコード店でこのアルバムを借りていました。しかし、まだまだヒップホップ／ラップというものが斬新すぎた自分は、「Walk This Way」や「It's Tricky」「Raising Hell」といったギターが入ったトラックばかりを再生して、アルバム自体はそこまで深く聴き込んでいなかった記憶があります。サンプリング文化なんてものはまだまだ自分には未知の世界だったので、「It's Tricky」がTHE KNACK「My Sharona」のギターリフをサンプリングしているなんて気づいていませんでしたし、アルバム冒頭を飾る「Peter Piper」の元ネタがボブ・ジェームズ「Take Me To Mardi Gras」だと知るのも、そこから10数年以上経ってからでした。

1986年12月だったかな。RUN D.M.C.の初来日公演があって（確かNHKホールだった記憶が）、なぜかチケットを購入して行った記憶も。METALLICAに続いて人生二度目の外タレがRUN D.M.C.。なぜ行ったか？ そりゃAEROSMITH目当てでしょうが（来るはずないのに）。このアルバムを聴くと、そんな淡い中学生時代の思い出がよみがえります。

本作の本当の魅力に気づいたのは、たぶん20代になってから。ラップやヒップホップがヒットチャートを賑わし、洋楽リスナーの中では当たり前のように定着して以降だったかな。幼い頃はギターの入った曲にしか興味を示さなかった自分が、ビート（音色や鳴りの違い）やスクラッチの気持ち良さに気づき、その流れでラップの気持ちよさにたどり着く。そうなると、冒頭の「Peter Piper」からすでに気持ちよく、シームレスに続く曲構成や低音の鳴りの心地よさ、音数が少ないからこそのカッコよさにどんどんハマっていくわけです。

今もそこまで真剣にヒップホップを聴き漁っているわけではないですし、自分にフィットするものに手を出して聴く程度のリスナーですが、そんな僕でも本作は初期ヒップホップの入り口、教科書として非常によくできた名作だと理解しています。深夜にヘッドフォンで、大音量で聴く気持ち良さといったら。ねえ？

にしても、先の「Walk This Way」はもちろんですが、「It's Tricky」や「You Be Illin'」といった曲が全米トップ100に入っていた80年代半ばって、本当に面白い時代だったなと。そんな時代を多感な10代半ばに過ごせたのは、今も音楽と触れる上で大きな財産だと思っています。

……と、今回は急に思い出話に花咲かせてみました。たまにはこういうのもね。

▼RUN D.M.C.『RAISING HELL』
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1986年11月4日にリリースされたイングヴェイ・マルムスティーンの3rdアルバム。日本盤は同年10月4日に先行発売。

RISING FORCE（YNGWIE J. MALMSTEEN'S RISING FORCE）名義で発表された前2枚とは異なり、本作は“YNGWEI J. MALMSTEEN”と個人名を打ち出してのアルバム。とはいえ、RISING FORCEであろうが何であろうが、どれもイングヴェイのワンマン体制のもと制作されたものなので、異なるのはジャケットに刻まれた名前だけ。あとはメンバーをすげ替えつつもやってることは一緒です。

前2作でボーカルを務めたジェフ・スコット・ソートが早くも離れ、新たにマーク・ボールズという隠れた才能の持ち主が参加。前作『MARCHING OUT』（1985年）ではマルセル・ヤコブ（B／TALISMAN、ex. EUROPEなど）が全面的に参加しましたが、今作では1stアルバム『RISING FORCE』（1984年）同様にイングヴェイがベースも兼務しています。なお、イエンス（Key）＆アンダース（Dr）のヨハンソン兄弟は本作でも健在です。

全9曲中インストは2曲（「Crying」「Trilogy Suite Op:5」）のみ。それ以外はマークの圧倒的な歌唱力を活かしたメロディアスハードロックで占められており、どの曲も完成度が非常に高い。オープニングを飾る「You Don't Remember, I'll Never Forget」を筆頭に、「Liar」や「Queen In Love」など、70年代後半以降のクラシカルなハードロックをベースにしたネオクラシカル路線の楽曲群は耳馴染みの良いものばかりで、マークの歌唱スタイルなど含めてどこかロニー・ジェイムズ・ディオ時代のRAINBOWを彷彿とさせるものばかりなんですよね。ただ、ギターソロになるといきなり世界が一変し、モダンさに満ち溢れる。このバランス感こそ初期イングヴェイの真骨頂ではないでしょうか。

自身のギタープレイを前面に打ち出しまくったデビュー作、歌モノを強く意識し始めた2作目を経て、ついに初期のスタイルがここで完結（完成）した。イングヴェイ・マルムスティーンというアーティスト／ソングライターにとって最初に到達点が本作であり、それをよりわかりやすく噛み砕いたのが、当のRAINBOWメンバーだったジョー・リン・ターナー（Vo）を迎えた次作『ODYSSEY』（1988年）だったのかなと。改めて振り返ってみても、この中の流れは神がかっていますよね。

今のイングヴェイと比較してしまうのは少々酷ではありますが、あの時代だからこそ成し得ることができた奇跡の名盤。これが35年前の作品だと気づき愕然としていますが（苦笑）、時代を超越した傑作はいつ聴いても悪いわけがありません。

▼YNGWIE J. MALMSTEEN『TRILOGY』
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1986年6月にリリースされたTHE SMITHSの3rdアルバム。THE SMITHSというバンドが存続していた期間に、最初に触れたのがこのアルバム（と、1987年発売のコンピレーションアルバム『THE WORLD WON'T LISTEN』）でした。

デビューアルバム『THE SMITHS』（1984年）の時点で全英2位、続く2作目『MEAT IS MURDER』（1985年）ではついに全英1位に輝くなど、そのスタンスとは裏腹に国民的人気を獲得しつつあった彼ら。この3rdアルバムも全英2位を記録しており、「The Boy With The Thorn In His Side」（全英23位）、「Bigmouth Strikes Again」（同26位）というヒットシングルも収録されています。また、1992年にはベストアルバム発売に伴い「There Is A Light That Never Goes Out」もシングル化、全英25位のヒットとなりました。

チャート的にも成功を収めた『MEAT IS MURDER』と同じく、モリッシー（Vo）＆ジョニー・マー（G）のプロデュース、スティーヴン・ストリート（モリッシー、BLUR、KAISER CHIEFSなど）のエンジニアリングで制作された本作は、ロック度／ポップ度ともに最良のバランスで構築されており、その完成度の高さから「THE SMITHSの最高傑作」との呼び声も高い1枚。攻めの姿勢のロックチューン「The Queen Is Dead」「Bigmouth Strikes Again」があるかと思えば、牧歌的なポップチューン「Frankly, Mr. Shankly」や「The Boy With The Thorn In His Side」（「心に茨を持つ少年」という邦題の素晴らしさたるや！）、名曲と呼ぶにふさわしい1曲「There Is A Light That Never Goes Out」、穏やかなミディアム／スローナンバー「I Know It's Over」「Never Had No One Ever」「Cemetry Gates」、ノリの良さでは随一の「Vicar In A Tutu」、オープニングでの音量エフェクトに最初こそドキッとさせられるも、ジョニー・マーのキラキラしたギターフレーズと耳馴染みの良いメロディの相性抜群の「Some Girls Are Bigger Than Others」と、すべてにおいて捨て曲なし。自分の音楽人生において“全曲歌えるアルバム”ってそうは多くないと思うのですが、この『THE QUEEN IS DEAD』はその数少ない作品のひとつだと断言できます（『THE WORLD WON'T LISTEN』もね）。

自分はTHE SMITHSというバンドにおいて、モリッシーというシンガー／表現者よりもジョニー・マーという稀代の名ギタリストによるプレイ／フレージングの数々に心を奪われた側の人間なのですが、そういう視点においても本作は特筆すべき点が多い1枚だと思います。アルバム冒頭「The Queen Is Dead」での切れ味鋭いカッティングがあるかと思えば、ラストでの「Some Girls Are Bigger Than Others」では美しいフレージングをたくさん味わうことができるのですから。あと、本作はリズム隊のアンサンブルも絶妙で、そういった意味でもバンドの最盛期に残した“記録”としては最高の部類に入るのではないでしょうか。

中学生後半〜高校時代はHR/HMを中心に聴いていた自分ですが、洋楽のルーツのひとつにはUKロックやニューウェイヴ／ニューロマンティックのバンドが含まれていることから、こういったバンドにも自然と手が伸びましたし、それを普通に勧めてくる友人も周りにいたので、なんとかリアルタイムで彼らに触れることができていました。だからこそ、突然の解散にはただただびっくりしましたが……。

もし「人生の10枚：洋楽編」みたいな企画をすることがあったら、間違いなくピックアップするであろう自分史的にも重要な1枚です。

▼THE SMITHS『THE QUEEN IS DEAD』
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1986年1月にリリースされたTHE BANGLES（当時はBANGLES表記）の2ndアルバム。

前作『ALL OVER THE PLACE』（1984年）は大きなヒットにつながることはありませんでしたが、本作はプリンスが提供したリードシングル「Manic Monday」が全米2位の大ヒットに。その後もジュールズ・シアーのカバー「If She Knew What She Wants」（同29位）がスマッシュヒットし、本作からの3rdシングル「Walk Like An Egyptian」はついに全米1位を獲得。同曲は1987年のBillboard年間チャートでも1位に輝く大ヒットとなりました。ほかにも本作からは「Walking Down Your Street」（同11位）と、計4曲のシングルヒットが誕生。アルバム自体も全米2位まで上昇し、アメリカのみで300万枚以上を売り上げるキャリア最大のヒット作となりました。

本作は全12曲中2曲がカバー（先の「If She Knew What She Wants」と、BIG STARの名曲「September Gurls」）、2曲が作家提供曲（「Manic Monday」「Walk Like An Egyptian」）とバンド以外のカラーも強いアルバムですが、それにより楽曲のバラエティ豊かさや曲調の幅広さを表現できています。また、単なるガールズ・ガレージポップバンド／パワーポップバンドで終わることなく、「Manic Monday」のように大衆性の強い名曲や「Walk Like An Egyptian」のようなポップシーンにも浸透するキャッチーな1曲を生み出せたことは、このバンドにとって大きな強みになったのでいでしょうか。

ですが、そういった“イロモノ”的側面がこのバンドを正しく評価する上での妨げにもなっており、事実本作と出会った中学生当時は今よりも本作を正しく評価できていなかったように思います。よくリピートする曲といえば上記のようなヒットシングルばかり。むしろ、ほかのアルバム曲のほうが蛇足と勘違いしてしまったほどです。

ところが、今となってみるとタイトルトラック「In A Different Light」や「Let It Go」「Angels Don't Fall In Love」「Following」「Not Like You」、そして名カバー「September Gurls」のような楽曲にこそこのバンドの本質が表れているような気がしてなりません。そこに普遍性の高い「Manic Monday」や「If She Knew What She Wants」「Walking Down Your Street」などが加わることで、パワーポップバンドとしてのこのバンドの個性をより際立たせることにつながるわけですから……そう考えると、むしろ「Walk Like An Egyptian」こそ“異端”なんですよね。ちょっと浮いてるといいますか。

でも、そこも含めてTHE BANGLESらしいのかもしれません。同タイプの楽曲は以降のアルバムには収録されていませんが、あの起爆剤があったからこそ続く「Hazy Shade Of Winter」のカバーや3rdアルバム『EVERYTHING』（1988年）が生まれるわけですから。

▼THE BANGLES『DIFFERENT LIGHT』
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1986年5月下旬にリリースされたAC/DC初のコンピレーションアルバム。

本作はスティーヴン・キングが自らの短編作品を初めて自ら監督・映像化した映画『Maximum Overdrive（地獄のデビル・トラック）』のサウンドトラックとして制作されたもの。キング自身がAC/DCのファンであることから実現した企画で、アルバムには全9曲され、うち3曲が本作のために制作された新曲です。

タイトルトラック「Who Made Who」は本作のために用意された新曲のひとつで、AC/DCのポップサイドが強く表出した良曲。当時、よくMTVでこの曲のMVが流れていたので、そこで初めてAC/DCというバンドを認識した記憶があります。実際、初めてちゃんと聴いたアルバムも本作でしたしね（レンタルにて。初めて盤で購入したのは次作『BLOW UP YOUR VIDEO』です）。

そのほかの新曲2曲「D.T.」「Chase The Ace」はAC/DCには珍しいインストゥルメンタルナンバー。おそらく映画のサウンドトラックとして制作されたものかと思いますが、実際に使用されたのでしょうか（実は映画、未見なんですよね。キングのファンですが、自身が失敗作と認めるものをわざわざ探してまで観るのもねえ……）。どちらも、まあ“らしい”っちゃあらしい仕上がりですが、マストで聴くべき楽曲とも言い難い。本作に関してはタイトルトラックの印象が強いので、ほかの新曲はおまけ程度という認識かな。

で、これら3曲以外の6曲はボン・スコット（Vo）時代の「Ride On」含む既発ナンバーで構成。「You Shook Me All Night Long」「Hells Bells」（『BACK IN BLACK』収録）、「For Those About To Rock (We Salute You)」（同タイトルアルバム収録）、「Sink The Pink」「Shake Your Foundations」（『FLY ON THE WALL』収録）と直近の3作からのシングル曲が中心で、なぜか1983年の『FLICK OF THE SWITCH』からは1曲も選ばれず。まあそういう内容ということもあって、本アルバムは80年代前半のAC/DCを手軽に楽しめる“セミ・ベストアルバム”的作品として、長きにわたり重宝されてきた1枚でもあります。

結果、当時はチャート上では全米33位と低調でしたが、セールス的には現在までに500万枚を超えるセールスを記録。のちに全キャリアを総括するようなライブアルバム『LIVE』（1992年）や映画『Iron Man 2（アイアンマン2）』のサウンドトラックも発売されていますが、しばらくは本作が（アメリカでは）AC/DC入門編的な1枚だったようです。

「Who Made Who」って今聴くと、ポップなわりに硬質なミックスなんですよね。ヘッドフォンで聴くとズシズシと体に響くドラムの音が気持ちよいし、かつアンガス・ヤング（G）のギタープレイも派手だし。この曲のスタジオ音源が聴けるのは本作だけなので（ボックスセット『BACKTRACKS』配信バージョンには12インチ・ロングバージョン収録）、そういった意味でもファンは一度は手を出しておくべき1枚だと思います。

▼AC/DC『WHO MADE WHO』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

1986年6月にインディーズレーベルから発表された、DEAD ENDの1stアルバム。当初はアナログ盤のみのリリースで、1988年に別レーベルから初CD化されましたが、すぐに廃盤となったこともあり、20年ほど高額で取引されていました。しかし、2009年のDEAD END再結成にあわせて再リリースされました。

当時のレコーディングメンバーはMORRIE（Vo）、TAKAHIRO（G）、YOU（G）、COOL JOE（B）、TANO（Dr）。TAKAHIROはレコーディング途中で脱退したため、YOUは途中参加。大半のギターソロをYOUが担当することになります。

アルバム本編はM-1「SPIDER IN THE BRAIN」からM-8「BEYOND THE REINCARNATION」までの8曲。M-9「REPLICA」とM-10「WORST SONG」はCD化の際に追加収録されました。いわゆるHR/HMの範疇に含まれる楽曲で占められており、そこにMORRIEならではの魑魅魍魎な歌詞が乗るという独特な世界観が、この時点ですでに完成しつつあります。

ギターリフはオーソドックスなものが多いのに、ソロに入った瞬間にギターが水を得た魚のように跳ね回る。YOUというギタリストの非凡さを知る意味では十分すぎるプレイだと思います。ソングライティング面やリフメイカーとしての才能は、次作以降で開花することになるのですが、それはまた別の機会に。

個人的には「BEYOND THE REINCARNATION」で次作以降に見せるニューウェイヴからの影響が垣間見られるのが、非常に大きな収穫かな。純粋に良いHR/HMアルバムだと思うけど、その後の変化を考えれば、彼らにしては「普通の良質メタルアルバム」かなと。そういう意味でもここから先の進化は計り知れないものがあると思います。

2009年版CDが今も流通しているのかは不明ですが、せめて配信はしてもらいたいなと。

▼DEAD END『DEAD LINE』
（amazon：国内盤CD / 国内盤CD＋DVD）