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ARETHA FRANKLIN『ARETHA』（1986）

1986年10月にリリースされた、アレサ・フランクリン通算34枚目のスタジオアルバム。アルバムの大半を前作『WHO'S ZOOMIN' WHO?』（1985年）を手がけたナラダ・マイケル・ウォルデンが、2曲のみアレサ自身が、そして1曲だけキース・リチャーズ（THE ROLLING STONES）が担当。前作の全米13位（ミリオン）には届かなかったものの、本作も全米32位まで上昇し、50万枚以上売り上げています。特に本作からは、ジョージ・マイケルとのデュエット曲「I Knew You Were Waiting (For Me)」が全米1位の大ヒットとなったほか、「Jumpin' Jack Flash」（全米21位）、「Jimmy Lee」（全米28位）、「Rock-A-Lott」（全米82位）という数々のヒットシングルが生まれています。

僕自身、初めて手に取ったアレサ・フランクリンのアルバムが本作でした。当時中学生だったものの、ストーンズのキースとロニー・ウッドをゲストに迎えた「Jumpin' Jack Flash」のカバー（当然キースがプロデュース）は、原曲とは異なるスローなテンポで、なおかつソウルテイストが強まったクールなアレンジで、MVともどもヘビロテした記憶があります。この曲でドラムを叩いているのが、のちにキースのバンドに加わるスティーヴ・ジョーダン。キーボードはストーンズのサポートでおなじみのジャック・リーヴェルだし、本当にオールスターバンドによる豪華なカバーなんですよね。

この1曲聴きたさに手にしたアルバムでしたが、オープニングを飾る「Jimmy Lee」（今聴くと時代を感じますね）、WHAM!解散後のジョージ・マイケルが華やかな歌声を聴かせてくれる「I Knew You Were Waiting (For Me)」と、とにかくポップさが際立つアルバムではないかと。いかにもなソウルバラード「Do You Still Remember」も当時は非常に大人っぽさを感じつつ、背伸びしながら聴いていました。懐かしい。

アナログB面は派手なディスコチューン「Rock-A-Lott」を皮切りに始まるも、ゆったりしたリズムのソウルチューン「An Angel Cries」、ストリングス＆ブラスをフィーチャーしたゴスペルナンバー「He’ll Come Along」、ラリー・グラハムとのデュエット「If You Need My Love Tonight」など、全体的に落ち着いた印象。ラストはブロードゥエイミュージカル『フィニアンの虹』から「Look To The Rainbow」のカバーでしっとり幕を下ろします。

1986年当時の僕は、とにかくMTVで気になった曲があったらジャンル問わず、まずはアルバムをレンタルして聴くことが習慣になっていました。このアルバムもその延長だったのですが、ストーンズやジョージ・マイケルといった取っ付きやすさがあったおかげで、すんなり入っていけました。今となってはアレサ・フランクリンの魅力はここじゃないことは承知しておりますが（笑）、それでも記憶の片隅にはいつもこのアルバムが存在していました。そりゃあ、『LADY SOUL』（1968年）とか聴いたほうがわかりやすいですけどね。それでも、気づけばこの週末はこのアルバムばかり聴いていたのですから……まあ、こうしてここで取り上げるのも自分なりのトリビュートになってるのかな。

▼ARETHA FRANKLIN『ARETHA』
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FATE『A MATTER OF ATTITUDE』（1986）

デンマーク出身のハードロックバンドFATEが1986年秋に発表した2ndアルバム。このバンド、メンバーのハンク・シャーマン（G）が元MERCYFUL FATEのリードギタリストということで、バンド名のFATEも元いたバンドから一部拝借したものなんですね。MERCYFUL FATEというとキング・ダイアモンド（Vo）のイメージが強く、特に初期はブラックメタルのイメージもあったかと思います。

そのバンドでギターを弾いていた人間が新たに結成したこのバンド。メジャーのEMI / Capitol Recordsと契約していたという事実もすごいですが、この2枚目のアルバムで聴かせるその音も衝撃的です。

僕は当時、ラジオでオープニングナンバー「Won't Stop」を聴いてこのバンドの存在を知ったのですが、当然上記のような知識は一切ない中高生でしたので、普通に「EUROPEを能天気にしたようなバンドだな」くらいの印象しかありませんでした。いや、それ褒めているんですよ？ ぶっちゃけ、このアルバムは日本盤も発売されていましたが、メタルに弱い田舎のCD屋には並ぶこともなく、FMからエアチェックしたカセットでひたすらこの1曲だけを聴きまくったものです。

で、最近Spotify上をサーフしていたら、このバンドにたどり着き「あ、いたいた！」と懐かしがってこの2作目を聴いてみたのでした。

「Won't Stop」は本作中でもっとも異色のアレンジ／曲調でした。ソロになるとやっとギターが目立つアレンジが、どこかVAN HALENの「Jump」を彷彿とさせますが、要は同曲や当時すでにヒットしていたEUROPEの「The Final Countdown」に影響されてシンセメインのポップな楽曲に挑んでみたんでしょうね。ま、僕みたいな人間がそこに釣られたのですから、あながち失敗でなかったようです。

というわけで、このアルバムの真の魅力は2曲目から。北欧のバンドらしく、マイナーキーを軸にした哀愁味の強いメロディアスハードロックが展開されていきます。バンドの編成にはシンセは含まないものの、レコーディングにはこれでもか！というくらいにシンセを多用。これが厚みのあるコーラスとともに良い味付けになっているんです。3曲目「(I Can't Stand) Losing You」や6曲目「Summerlove」なんて、ぶっちゃけ名曲じゃないですか？

なんて思っていると、後半には軽快なアメリカンロック調の「Farrah」や「Get Up And Go」を筆頭に、メジャーキーの曲がずらりと並ぶ。このバランス感、嫌いじゃないです。しかも、ラストにお遊びっぽい「Do It」まである。ああ、VAN HALENを北欧感覚でやろうとするとこうなるのかな、なんて思ったりして。

作品的にはハンク脱退後に発表された4thアルバム『SCRATCH 'N SNIFF』（1990年）の評価が高いようですが、ポップサイドに振り切ったこの2ndアルバムも素敵だと思います。ビバ！産業ハードロック。

▼FATE『A MATTER OF ATTITUDE』
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AEROSMITH『CLASSICS LIVE』（1986）

AEROSMITHが1986年春に発表した、通算2作目のライブアルバム。バンドは1984年頃にオリジナルメンバーが再び揃い、翌1985年秋に久しぶりのオリジナルアルバム『DONE WITH MIRRORS』を発表。こちらが全米36位というスマッシュヒットとなったことを受け、古巣のColumbia Recordsが急遽企画して発表したのがこのライブアルバムでした。

ということで、本作の制作にはメンバーは関わっておらず、レーベルに残っていた秘蔵ライブ音源の中からピックアップされたものと、この時点まで未発表だったスタジオ音源の計8曲で構成。トータルで36分強という、前のライブ盤『LIVE! BOOTLEG』（1978年）と比べたらボリューム的にも食い足りない内容なのです。

しかも、このライブ音源が曲者で。録音時期は1977年から1983年までと幅があり、どの曲がいつの録音かはクレジットされておりません。つまり、ジョー・ペリー（G）やブラッド・ウィットフォード（G）が復帰したのを受けて発売されているものの、2人が参加していない時期の音源も含まれているわけです。

現在わかっているだけでも、「Sweet Emotion」は1982年12月の録音とのことなので、ギタリストはジミー・クレスポとリック・ダフィーの時期ですね。これ、ファンなら聴けばオリジナルの2人が弾いてないこと、すぐわかると思いますよ。それくらい、フレージングが異なるので。

収録曲の大半は『LIVE! BOOTLEG』にも収録されている、ライブでの定番曲ばかり。ぶっちゃけ、流れとか構成とかまったく考えられていない、とりあえず人気曲を並べましたというもの。レコード会社の便乗してやろうっていう気持ち、見え見えですね。そんな中、「Three Mile Smile / Reefer Head Woman」という『LIVE! BOOTLEG』以降の貴重な音源も含まれているので、ファンはこちら目当てで購入してもいいのかなと。これ1曲のため購入となると、かなりハードル高いですけどね。

で、最後にボーナストラックのように1曲だけ収録されているスタジオ音源「Major Barbra」。これは2ndアルバム『GET YOUR WINGS』（1974年）の制作時にレコーディングされたアウトテイクとのこと。うん、地味ですね。ただでさえ、パッと聴いた印象が地味な『GET YOUR WINGS』にこの曲が入っていたら、さらに地味になっていたのではないかと。

決してサウンドも良くない（基本的にドラムの音がペタペタ過ぎて軽く、好みじゃないのです）このライブ作品、当時のエアロ復活！の流れもあってか、全米84位まで上昇。当時の最新アルバム『DONE WITH MIRRORS』を超えるミリオンセラー作品となってしまったのは、なんとも皮肉な話です。

▼AEROSMITH『CLASSICS LIVE』
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FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD『LIVERPOOL』（1986）

FRANKIE GOES TO HOLLYWOODが1986年11月に発表した、通算2作目にして最後のオリジナルアルバム。イギリスではトリプルプラチナムを記録する大ヒットとなったデビューアルバム『WELCOME TO THE PREASUREDOME』（1984年）に比べると全体的に地味なこともあり、全英5位、全米88位という成績にとどまりました。

トレヴァー・ホーンによるダンサブルな打ち込みサウンド、カバー曲が半数近くを締めるデビューアルバムは2枚組という大ボリューム（けど、トータルでは60数分程度）で、リリース当時はアナログ盤で聴くことが躊躇われましたが、今作は全8曲で43分と非常にコンパクト。しかも全曲オリジナル曲とくれば、バンドの気合いの入れようが伝わってくることでしょう。

実際、カッコいい“ロック”アルバムなんですよ。そう、サウンド的にもダイナミックなバンドサウンドを前面に打ち出していて、本当にロックなの。ここには「Relax」も「Two Tribes」もなければ、そういった楽曲にあった下世話さも皆無。急に本格派志向になっていてびっくりしちゃうという。あれだね、ニセモノだの徒花だの罵られた結果、いっちょ本気出してやろうぜ！とバンドの底力を見せようと思ったんでしょうね。

悪くないんですよ。本当に。オープニングの「Warriors Of The Wasteland」から「Rage Hard」へと続くハードでシリアスな世界観は、1986年という不安定な情勢（フィリピンのエドゥサ革命、アメリカによりリビア爆撃、チェルノブイリの原発事故、米ソ首脳会談など）の中で聴くには非常にぴったりでしたし。

でもね、このシリアスなトーンがずーっと続くわけ。3曲目「Kill The Pain」も同系統だし、打ち込みを取り入れた「Maximum Joy」も一緒。唯一、「Watching The Wildlife」あたりは若干ポップさが感じられるけど、それでもトーンとしては暗め。結局、ラストの7分半におよぶバラード「Is Anybody Out There?」まで、ずーっとシリアスでダークめなトーンで統一されているのです。

でもさ。これ、ファンが求めていた路線じゃないよね？

そもそも、固定ファンがどれだけいたのかも疑問ですが、トレヴァー・ホーンのもとを離れてバンドとして自活していこうとした結果がこのアルバムなのだとしたら、ちょっと焦点がズレてましたね、と言わざるを得ない。けど、完成したアルバムの出来がそこそこ良いもんだから、中途半端にけなせない。そういう迷作・珍作なのかもしれませんね。

あ、僕は当時から大好きです。大体、多勢が良くないものを好む傾向は、この頃から始まっていたのかもしれませんね。

偏見を捨てて、一度は触れてみてほしい1枚です。

▼FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD『LIVERPOOL』
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SIGUE SIGUE SPUTNIK『FLAUNT IT』（1986）

1986年3月にリリースされた、SIGUE SIGUE SPUTNIKのデビューアルバム。元GENERATION X（ビリー・アイドルが在籍したパンクバンド）のトニー・ジェイムス（G）が在籍するということ以上に、80年代半ばにおいてもどこか時代錯誤に感じられた奇抜なファッションと、単調なデジタルビートを基盤にしたチープな音楽性で良くも悪くも話題となったバンドですが、デビューシングル「Love Missile F1-11」は全英3位を記録。続く2ndシングル「21st Century Boy」は全英20位と順位を落とすものの（そりゃそうでしょう、デビュー曲とほぼ同じ曲調ですし）、アルバムは全英10位とまずまずの成功を収めます。

僕も当時、『ミュージックライフ』などの音楽誌で彼らのことを知り、あの馬鹿馬鹿しいまでのルックスに惹かれ、さらにMTVなどで「Love Missile F1-11」のMVを観て（初めて音を聴いて）いろんな意味で衝撃を受けるわけです。「これがフューチャーロック、フューチャーパンクか……」と感銘を受け……るわけないですよね、さすがの中坊でも（苦笑）。

でもね、この曲が癖になるんですよ。単調なデジタルビートにエフェクトかけまくりのボーカル、オールドスタイルのギタープレイ。気づけば、何度もリピートしていた自分がいて……たぶん、実家に7インチシングル、残ってるんじゃないかな？

で、アルバム。さすがに自腹で購入せずレンタルで済ませましたが（笑）、まずはそのジャケットに驚かされるんじゃないでしょうか。妙な日本語が散りばめられていたり、どこかで見たことのあるロボットが描かれていたり……彼らにとっての“近未来”とは日本、いや、東京そのものなんでしょうかね。で、オープニングの「Love Missile F1-11」がバージョン違いで日本語が入ってきたりでさらに驚かされ、2曲目「Atari Baby」で早くもテンポを落とすものの、続く「Sex Bomb Boogie」以降はしばらく同じテンポ感、同じビート感、同じ曲調が延々と続きます……続くのです（苦笑）。

こうやってアルバム通して聴くと、実は「Love Missile F1-11」ってよく作り込まれた楽曲だったんだなと、改めて実感させられます。そして、いろんなところで言われていると思いますが、FRANKIE GOES TO HOLLYWOODにも通ずる“ハリボテ”も強かったりして、そのニセモノ感が受け入れられるかどうかで評価も大きく変わるバンド／アルバムかもしれません。

が、そこまでの高評価が似合わないのも、このバンドらしいというか。名盤というよりは迷盤として語り継がれるのが、彼らにはぴったりかもしれませんね。

とはいえ、音楽史的には非常に意味の大きい1枚なんですよね。だって、このアルバムがなかったら、その後の布袋寅泰の『GUITARYTHM』シリーズもなかったでしょうし、かのロマンポルシェ。も生まれなかったでしょうから（それは言い過ぎ？）。

▼SIGUE SIGUE SPUTNIK『FLAUNT IT』
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SLAYER『REIGN IN BLOOD』（1986）

1986年10月（US。日本盤は1987年1月）に発売された、SLAYERの3rdアルバム。過去2作はインディーズレーベルのMetal Blade Recordsからのリリースでしたが、今作からメジャー流通のDef Jam（のちのAmerican Recordings）からの発表……のはずでした。まあ結果的にはメジャーから発売されたのですが、詳しくは最後に記しますね。

リック・ルービンという“クラシックロック再生工場”とタッグを組むことで、より邪悪でド直球なスラッシュ／ブラックメタルへと進化した本作。1st『SHOW NO MERCY』（1983年）でのIRON MAIDENやVENOMあたりからの影響が強い直線的なスタイル、2nd『HELL AWAITS』（1985年）での若干プログレッシヴな大作志向、これらがすべて凝縮され、ものすごく速いBPMで演奏することで実現した「SLAYERらしいオリジナリティの確立」。もうね、完璧なまでに暴力的な音の塊に仕上げられているんですよ。

僕が初めてSLAYERの音に触れたのが、このアルバム。当時はまだアナログ盤しか発売されてなくて、日本でCD化されたのは90年代に入ってから。友達のお姉ちゃんにダビングしてもらったんだよね。だから自分にとってのスラッシュメタルのイメージはMETALLICAの『MASTER OF PUPPETS』（1986年）と『RIDE THE LIGHTNING』（1984年）、ANTHRAXの『SPREADING THE DISEASE』（1985年）、そしてMEGADETHの『PEACE SELLS... BUT WHO'S BUYING?（1986年）。つまり、スラッシュ四天王のイメージそのままなわけです。

特にSLAYERとMETALLICAは1枚目、2枚目、3枚目でたどる道がことごとく同じ方向。実は続く4枚目も似てるっちゃあ似てるんですよね（音的にではなく、トライしようとしていた方向が）。で、お互い決定打となる5枚目で大きく道が分かれるというね。ホント、面白い2組です。

……と、雑談はさておき。もうね、この『REIGN IN BLOOD』に関しては無心で、かつ大音量で聴いてもらうしかない。冒頭の「Angel Of Death」でのデイヴ・ロンバード（Dr）のドラミングから、ラスト「Raining Blood」の不穏なイントロで始まり、最後に気が触れたようにのたうちまわるギタープレイまで、一寸の隙もない完璧なアルバムですから。全10曲で29分（現行CDはボーナストラック2曲が追加されているのでトータル35分に。できればその2曲を外して楽しんでもらいたいくらい）。10曲通して1曲ぐらいの感覚で楽しめる、ものすごいアルバムです。えげつなさすぎ。

ちなみに、最初に書いたメジャー云々の話題について。要するに「Angel Of Death」をはじめとする一部楽曲の歌詞が倫理的にいろいろアレということで、メジャー配給先のColumbiaが発売を拒否。それで最終的にWarner系からの発売になったといういわく付きの1枚なわけです。ナチスの人体実験を題材にした「Angel Of Death」や、「Piece By Piece」「Necrophobic」の3曲に関しては、確かに国内盤で対訳が掲載されてないもんね。これもそういう理由なんでしょう（ネット上にある私設対訳サイトにはこれらの楽曲の和訳が掲載されているので、詳しくはそちらでお確かめください）。

そういえば、2003年には本作完全再現ライブも実現しましたよね。ライブDVD『STILL REIGNING』（2004年）にてその模様を確認できますが、ぜひ一度はここ日本でも再現ライブをやってほしかったなぁ……さすがにラストツアーで完全再現はないだろうけどさ。

▼SLAYER『REIGN IN BLOOD』
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WHAM!『MUSIC FROM THE EDGE OF HEAVEN』（1986）

ジョージ・マイケルが亡くなってから、本日でまる1年。というころで、今日は予定外にもう1本更新しようと思います。

本作『MUSIC FROM THE EDGE OF HEAVEN』はジョージ・マイケル＆アンドリュー・リッジリーによるポップユニット、WHAM!が1986年初夏にリリースした3枚目にして最後のオリジナルアルバム。リリース時にはすでにグループは解散（ラストライブ終了）済みでしたので、そこまで大々的にプッシュされた1枚というわけではありませんでした。

というのも本作は当初、北米とここ日本でしかリリースされていないイレギュラーなオリジナル作品だったのです。WHAM!は解散に際して新録曲3曲（リードシングルとして発表された「The Edge Of Heaven」と、「Battlestations」「Where Did Your Heart Go?」）と初期シングルの最新リミックス「Wham Rap '86」の4曲を用意し、イギリス本国でのシングル限定盤にはこれらすべてを収録。北米＆日本限定の『MUSIC FROM THE EDGE OF HEAVEN』に先駆けてリリースされたベストアルバム『THE FINAL』（1986年）にはこのうち新録3曲がすべて収録されていたため、わざわざ『MUSIC FROM THE EDGE OF HEAVEN』をリリースする必要はなかったわけです（ちなみに日本では『THE FINAL』も同時期にリリース済み）。まあ、いろんなしがらみがあったんでしょうね（ジャケットの投げやり感からも伝わってきますが）。

そういう不幸な立ち位置の3rdアルバム。全8曲入りということで、上記の4曲以外には1985年のヒットシングル「I'm Your Man」のリミックス（シングルや12インチ盤未収録バージョン）、「Blue」のライブ・イン・チャイナ、冬の定番曲「Last Christmas」、そしてアルバムに先行して発表されたジョージのソロシングル「A Different Corner」という寄せ集め感が否めない選曲。ただ、こうやって聴いてみると当時のジョージが目指していた方向性や、ここから翌年にかけて本格化するソロアーティストとしての指針が見えてきます。

特に“Cool Side”と題されたアナログB面（M-5〜8）のうち、「Last Christmas」を除く3曲（「A Different Corner」「Blue」「Where Did Your Heart Go?」）あたりに次への布石が感じられる気がするのですが（もちろんA面に配置された「Battlestations」にも）。寄せ集めとはいえ、極甘だった前作『MAKE IT BIG』（1984年）をちょっとビターにしたこの感じ、実は嫌いじゃないです。

今ではストリーミングサービスを通じて、世界各国で試聴可能な本作も、つい最近本国イギリスでデジタル販売が開始されたとのこと。ジョージが亡くなったあとというのがなんとも切ないですが、今日は久しぶりにWHAM!三昧で過ごしてみようかと思います。

▼WHAM!『MUSIC FROM THE EDGE OF HEAVEN』
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EURYTHMICS『REVENGE』（1986）

1986年初夏に発表された、EURYTHMICSの5thアルバム。『SWEET DREAMS (ARE MADE OF THIS)』（1983年）でのブレイクを筆頭に、『TOUCH』（1984年）、『BE YOURSELF TONIGHT』（1985年）と作品を重ねるごとにサウンドを進化させてきた彼ら。初期のヒンヤリとしたデジタルテイストからソウル路線へと移行した前作『BE YOURSELF TONIGHT』がアメリカでも好意的に受け入れられましたが、続く本作『REVENGE』ではその成功に甘んじることなく、さらに進化させたスタイルを提示しました。

前作でのソウルテイストを残しつつ、全体的にロックバンド感を強めたのが本作の特徴。ブラックフィーリングをハードロック的なテイストがミックスされたオープニング曲「Missionary Man」（全米14位）を筆頭に、アコースティックギターをフィーチャーしたポップチューン「Thorn In My Side」（全英5位）、ど真ん中を突いた王道ポップロック「When Tomorrow Comes」と、序盤から名曲が並びます。

デジタルとバンドサウンドが融合したアリーナロック「The Last Time」、哀愁漂うバラード「The Miracle Of Love」で前半を締めくくると、打ち込み色が強いポップロック「Let's Go!」から後半に突入。時代を感じさせるポップソング「Take Your Pain Away」「A Little Of You」、若干ダークでヒンヤリしたブラックテイストのロックチューン「In This Town」、落ち着いた雰囲気のスローナンバー「I Remember You」という流れでアルバムは終了します。

序盤に良い曲が固まっているため、後半の印象が若干薄い作品ではありますが、初期の冷徹そうなイメージを覆す、非常に人間味にあふれた1枚と言えるでしょう。アニー・レノックス（Vo）も「Missionary Man」でこそ初期のイメージを踏襲しつつも、「When Tomorrow Comes」あたりでは完全に陽の空気が充満していますしね。

ちなみに、本作を携えたワールドツアーで1987年春に来日した際、僕も代々木体育館に観に行きました。うん、完全にロックバンドのライブでした。カッコ良かった。この頃って、DURAN DURANも『NOTORIOUS』で黒人ロック／ファンクバンドに近づこうとしてたし、意外とそういうタイミングだったのかもしれませんね。

とはいえ、本作は前作、前々作ほどの大きな成功を収めることができず、彼らは次作『SAVAGE』（1987年）で再びデジタルビートを導入した密室路線へと回帰するのでした。

▼EURYTHMICS『REVENGE』
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METALLICA『MASTER OF PUPPETS: DELUXE EDITION』（2017）

1986年春に発表された、言わずと知れたMETALLICAの出世作（3rdアルバム）。前2作はインディーズのMegaforceからのリリースでしたが、本作からメジャーのElektraに移籍しての発表となり、当時全米29位まで上昇するという、MVも作らない、ラジオでもかかりにくい一介のスラッシュメタルバンドとしては異例の大ヒットを記録しました……なんていう、本作が当時いかに画期的だったかは、2003年5月に執筆した本作のレビューをご確認ください。

また、本作との出会いや1986年11月の初来日公演体験記などのエピソードが、11月24日発売の『ヘドバン Vol.16』に掲載されているので、そちらも併せてお読みいただけると幸いです。

さて、今回ここで紹介するのは、先日リリースされた『MASTER OF PUPPETS』の公式リマスター盤（これまで国内盤独自のリマスター盤は何度か発売済み）、未発表音源を豊富に収めた3枚組デラックスエディション、そしてCD10枚組＋DVD2枚組＋アナログ3枚組＋カセットテープからなるデラックス・ボックスセットの3形態のうち、もっとも手軽に手に入って新規の音源も楽しめる3枚組デラックスエディションを紹介したいと思います。

実は僕自身、国内制作のリマスター盤を聴いておらず、手元にあるのは1986年に発表されたCBSソニー盤CDと、数年前にリイシューされたアナログ盤のみ。アナログ盤とCDでの音質や体感の違いについてはここでは省略しますが、あくまでオリジナル盤音源と比べて、最新のリマスタリングがどうかという視点で語っていきたいと思います。

【DISC 1：Remastered】

最初にヘッドフォンで聴いたときは、正直「そこまで音が良くなってるのかな？」と微妙に感じましたが、確かにオリジナル盤にあったモコモコした感触は払拭され、よりクリアになってる印象。スピーカーを通して聴くと、そのへんはよりわかりやすいと思います。

とにかく、ベースの音が非常に聴き取りやすいのが良いです。当時のミックスのせいなのか、『RIDE THE LIGHTNING』（1984年）と本作ってベースがギターのザクザク感に負けていて、ところどころ聴き取りにくかったんですよね。特に楽器をやる者からすると、とても耳コピしにくい。それが、リマスター盤では「ここまで音の粒が認識できるのか！」と驚かされるわけです。

あと、「Battery」冒頭のアコギの音の粒やクリア感にも違いが感じられる。「Welcome Home (Sanitarium)」も違いが顕著かな。ラウドな曲よりも、実は繊細さを伴う楽曲のほうがそのへんの変化に気づきやすいような気がします。

ただ、オリジナル盤にあった「4つの楽器がひとつの塊になって襲ってくる感」は減ったように感じます。音の分離が良くなったせいで、そういう迫力が弱くなったのかもしれませんね。これは、先日のWHITESNAKE『WHITESNAKE』（1987年）の30周年リマスターでも感じたことですが、やっぱり“その時代の音”というのが存在するわけで、それを無理に現代的に仕切りなおそうとすると、当時のマジックが消え去ってしまうのかな。そこだけは残念です。

【DISC 2：Demo, Rough Mix & Interview】

アルバム『MASTER OF PUPPETS』収録曲全8曲と、アウトテイク「The Money Will Roll Right In」、次作『...AND JUSTICE FOR ALL』（1988年）の日本盤や同作からのシングルに収められたカバー「The Price」のデモバージョンが収録されています。音質的には決して良くはないですが、リハーサルスタジオであの名曲たちがどういう過程を経て完成にたどりついたのかが、よくわかると思います。

曲によってはボーカル抜きだったりしますが、例えば「Master Of Puppets」が初期は『KILL'EM ALL』（1983年）っぽいヒステリックな歌メロだったり、初期の「Welcome Home (Sanitarium)」が発表されたスタジオ版以上にプログレッシブな展開だったり、「The Prince」のベースがくっきりと聴き取れたり（笑）と、慣れ親しんだ名曲たちの違う表情に驚かされることは間違いありません。

あと、未発表曲の「The Money Will Roll Right In」は「The Thing That Should Not Be」や「For Whom The Bell Tolls」あたりに通ずるミドルヘヴィナンバー（ハードコアバンドFUNGのカバー）。歌メロが乗ってないバックトラックのみなので、途中で完成させることを諦めた1曲なのかな。正直、『...AND JUSTICE FOR ALL』に入っていたとしても不思議じゃないけど、まぁ“捨て曲”っちゃあ捨て曲ですよね。

あ、最後に『Metal Madness』誌でのクリフ・バートンのインタビューが20分近くにわたり収録されていますが、まぁオマケってことでひとつ。

【DISC 3：Live From“The Damage Inc. Tour”】

当時収録されたらさまざまな場所でのライブ音源がボックスセットには収められていますが、このディスクではそこから抜粋して当時のセットリストに沿って並べた“擬似ライブ”を体験できます。正直、初来日公演時は『MASTER OF PUPPETS』からの楽曲しか知らなかったので、ライブで演奏されたうち半分以上知らない曲だったし、それ以上にライブが衝撃的すぎて記憶が定かでない部分もあるのですが、こうやって聴くと「ああ、こんな感じだったかな……」とうっすら記憶がよみがえってくる部分もあったり。

まあ音質は決して褒められるものではありません。当時FM局放送用に残されたもの、ライブミキサーからライン収録されたもの、あるいはカセットテープで簡易録音されたものなど、そもそもリリースを想定して収録されたものではないですからね。今みたいに全公演ライン録音で収録して、ライブから数日後にネット配信する時代になるなんて、30年前は想像もできなかったわけですから。単にこの貴重な音源の数々を手軽に楽しめるようになった現実を素直に受け入れ、楽しむことにしましょう。

【総評】

まだ『MASTER OF PUPPETS』を聴いたことがない……という奇特な方は本サイト読者には少ないかと思われますが、万が一まだ聴いたことがないという場合に、今回の3枚組エディションはうってつけかもしれません。輸入盤なら、国内盤の新品を買うよりも安いですしね。あるいは、もっと安く済ませたいのなら、アルバム本編のリマスター盤のみの1枚ものを購入するのもあり。

そして、「いや、音が悪くてもオリジナルにこだわる！」という奇特な方は……中古盤でさらにお安く、2017年以前に発売されたバージョンを購入することをオススメします。それもありっちゃあありでしょう。

ということで、今夜はこの名盤を久しぶりに大音量で楽しみたいと思います。

※Spotifyはリマスター盤単品かボックスセットの二択だったので、ボックスセットのほうを貼っておきます。

▼METALLICA『MASTER OF PUPPETS: DELUXE EDITION』
（amazon：国内盤3CD / 海外盤3CD / iTunes）

GTR『GTR』（1986）

ASIAを脱退したスティーヴ・ハウ（G）が、元GENESISのスティーヴ・ハケット（G）と結成した、プログレ界の新たな“スーパーグループ”GTR。彼らが1986年夏に発表した唯一のスタジオアルバムが本作『GTR』です。

ボーカルにはのちにPHENOMENAやマイク・オールドフィールドの作品に参加するマックス・ベーコン、ベースには同じくマイク・オールドフィールド流れのフィル・スポルディング、ドラムには元MARILLIONで幅広いジャンルでも活躍するセッションプレイヤーのジョナサン・ムーバーを迎えていますが、ギタリスト2名以外の知名度はそこまで高いものではありません。だからこそ、どんなサウンドになるのか未知数だったところもあると思うんです。

僕はMTVで先行シングル「When The Heart Rules The Mind」を観て（聴いて）、そのASIA譲りのドラマチックなハードロック調サウンドに心惹かれ、アルバムに手を出しました。シンガーのマックス・ベーコンが高音を張り上げて歌うタイプだったので、HR/HMリスナーにもかなり親しみやすかったんじゃないでしょうか。僕自身、ASIA以上にそっちの感覚で楽しめましたし。

それに、シンセはあくまで味付け程度で若干後ろに引っ込め、ギター2本を軸にした“適度にプログレッシヴ”なアレンジは、産業ロックやプログレポップとは呼び難いもの。いや、そんなことないか。とにかく、ボーカルとギターが豪快で、全体のトーンにも統一感が感じられる。しかも途中に登場するギターインスト（それぞれスティーヴ・ハウ、スティーヴ・ハケットによる2分程度の作品）がアルバム中で良いアクセントとなっているのも、また良いんですよね。

大半の楽曲はハウ＆ハケットのペンによるもので、曲によってマックスや他メンバーが携わっているんですが、2曲目の「The Hunter」のみASIAのジェフ・ダウンズによる作品。かといって、ASIAっぽいかと言われると、全然そんなことないんですけどね。ちなみに、後年ASIAもこの曲をセルフカバーしているので、聴き比べてみてはいかがでしょう。ASIA版はジョン・ペインの歌声のせいもあって、全然印象が異なりますから。

YESらしさも、（ポップになる前の）GENESISらしさも混在しつつ、プログレッシヴなハードロックとして機能するクオリティの高い1枚。残念ながら全米11位と、ASIAほどの成功を収めることなく、バンドはこの1作で解散を迎えてしまいました。あのまま続いていたらどんな作品を作っていたのか想像もつきませんが、30年以上経った今も忘れ去られることなくこうやって本作を楽しめるのは、このバンドにとってはある意味幸せなことなのかもしれませんね。

▼GTR『GTR』
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BOSTON『THIRD STAGE』（1986）

2ndアルバム『DON'T LOOK BACK』（1978年）以降は8年周期（2013年の最新作『LIFE, LOVE & HOPE』は11年ぶりでしたが。笑）でアルバムを発表することでおなじみのBOSTON。彼らが最初に前作から“8年ぶり”に発表した、1986年秋発売の3rdアルバムが本作『THIRD STAGE』。リリースにそれだけかかってしまって理由には、トム・シュルツ（G, etc）の完璧主義ぶりにより制作に時間がかかることと、それによる前レーベルからの契約不履行による訴え、およびそれに伴う裁判に時間を要したことも関係しているのですが（本作以降は完全にマイペースに作っているからなんでしょうね）。

前2作リリース時は小学生だった自分にとって、最初に触れたBOSTONのアルバム（＝新譜）がこの『THIRD STAGE』でした。とにかく彼ら、MVを作らないもんだから当然MTVで曲が流れないし、『ベストヒットUSA』でチャートにランクインしてもワンフレーズ程度しかオンエアされない。よって、ラジオでオンエアされたヒット曲「Amanda」（全米1位）をエアチェック（懐かしい。笑）して聴くくらいしかできなかった。つまり、自分にとって当時のBOSTONはビジュアルもわからない、何人組かもわからない“未知の存在”だったのです。

しばらくして、地元の貸しレコード店に『THIRD STAGE』のアナログ盤が入荷して、中学生の少ない小遣いの中からちょっと高い新譜料金でレンタルして、ようやくアルバムまるまる聴けたわけですが……正直、当時はその良さがさっぱりわからなかった。バラードナンバー「Amanda」の良さはわかるのですが、全体的に古臭いというか“枯れた”空気が漂っている。彼らに派手な HR/HMを求めたのがそもそも間違いだったわけですが、正直「TOTOとかCHICAGOみたいだな」と思ったのをよく覚えています。

で、それから8年後の1994年。ようやく4枚目のアルバム『WALK ON』が発売され、それを機に過去3作をCDで買いそろえたのです。当時20代半ばに差し掛かろうというタイミングで、ここでHR/HM以外にもいろんな音楽を通過してきた耳にようやくBOSTONのサウンドが馴染んだのでした。

その頃にはQUEENが一番好きなバンドとなっていた自分なら、このギターオーケストレーションや組曲的な作風、ようやく理解できた。確かにAOR寄りのアメリカンロックなんだけど、この作り込みには正直狂気を感じました。当時15歳の自分には早すぎですよ、そりゃあ。

ハードロック的な豪快さは前2作のほうが勝りますが、本作ではジャンルの枠を超越した“BOSTONならではの、BOSTONにしかできない音”が成立している。もはや無法地帯ですわ。CDで聴くと曲の切れ目がわからず、あっという間にラストまで到達している、そんな不思議なアルバムです。

▼BOSTON『THIRD STAGE』
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THE ROLLING STONES『DIRTY WORK』（1986）

THE ROLLING STONESが1986年春に発表したスタジオアルバム（本国イギリスでは18枚目、アメリカでは20枚目）。前作『UNDERCOVER』（1983年）から2年半ぶりの新作で、全英・全米ともに4位を獲得。シングルカットされた「Harlem Shuffle」（BOB & EARLのカバー）は全米5位、全英13位、「One Hit (To the Body)」は全米28位、全英80位と、それまでの記録と比較すると本国イギリスでは低調な結果でした。

ミック・ジャガー＆キース・リチャーズの確執などがありながらも、1985年初頭にスタジオ入りしたストーンズでしたが、ミックのソロアルバム『SHE'S THE BOSS』リリースで作業が一時中断。これに業を煮やしたキースは、ミック抜きでセッションを継続し、最終的にキースが中心となって本作は完成したという話です（ど真ん中にキースが居座ったアートワークが象徴的）。

そうそう、「One Hit (To the Body)」でのミックVSキース的バトルが見られるMVも当時はドキリとしたものです。ちなみにこの曲では、ジミー・ペイジがギターで参加しているとのこと。それっぽいギターソロのことかな。キースっぽくないし、ロニー・ウッドのそれでもないですものね。そういえば、ミックのソロアルバムにはジェフ・ベックが参加し、その後こちらにジミー・ペイジが参加したというのもどこか因縁めいたものを感じるというか。

全10曲中2曲がカバーで、ひとつは先に挙げた「Harlem Shuffle」、もうひとつはキースが歌う「Too Rude」（HALF PINTのカバー）。残り8曲がオリジナル曲になるわけですが、ジャガー＆リチャーズによる楽曲は3曲のみ。それ以外はジャガー／リチャーズ／ロニーで4曲、ジャガー／リチャーズ／チャック・リーヴェル（当時のキーボーディスト）で1曲という内訳。ミックの名前は入っているものの、結局キースとロニーで完成させ、それをミックが歌ったということなのでしょうか。このへんにも、当時の力関係が見え隠れします。

そういうこともあってか、メンバーの間では非常に評価の低い作品だったりします。ベストアルバムでも「Harlem Shuffle」がセレクトされることがあるか、あるいは1曲も選ばれないかという有様。いや、個人的にはとても好きなアルバムですよ。『UNDERCOVER』をリリースから1年以上経って後追いで聴いた世代なので、リアルタイムではこの『DIRTY WORK』が初めて経験した“ストーンズの新作”でしたし。

「Jumpin' Jack Flash」や「Street Fighting Man」を彷彿とさせるイントロの「One Hit (To the Body)」や、それに続く「Fight」のカッコよさは今聴いてもさすがだと思います（このへんの楽曲が、のちのキースのソロアルバム『TALK IS CHEAP』につながっていくわけですし）。「Harlem Shuffle」のクールさは言わずもがな、ミックのソロにも通ずるモダンなダンスチューン「Winning Ugly」もこの並びで聴くと悪くない。ただ、「Back To Zero」はやりすぎだと思いますけどね。そこからロックンロールな「Dirty Work」「Had It With You」、キースの歌うバラード「Sleep Tonight」で軌道修正。最後の最後に、アルバム完成間際に亡くなった“6人目のストーンズ”イアン・スチュワートへ捧げるシークレットトラックで終了するという。確かに散漫さゼロではないけど、そこまで酷評される内容ではないんじゃないかと。

結局、ミックは再びソロ活動に戻り2ndアルバム『PRIMITIVE COOL』（1987年）を制作。キースも初ソロアルバム『TALK IS CHEAP』（1988年）を作るし、ストーンズはもうダメかと思ったところで、1989年に奇跡の大復活を遂げるわけです。

▼ROLLING STONES『DIRTY WORK』
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DURAN DURAN『NOTORIOUS』（1986）

1986年末にリリースされた、DURAN DURANにとって通算4枚目のスタジオアルバム。前々作『RIO』（1982年）、前作『SEVEN AND THE RAGGED TIGER』（1983年）が本国イギリスでそれぞれ2位、1位に輝き、アメリカでもともに200万枚を超えるヒット作に。特に『SEVEN AND THE RAGGED TIGER』からはCHICのナイル・ロジャースがリミックスを手がけた「The Reflex」が英米で1位に輝き、DURAN DURANは一躍トップバンドの仲間入りを果たします。

1984年には新曲「The Wild Boys」（全米＆全英2位）を含むライブアルバム『ARENA』も発売。こちらも全米で200万枚以上の売り上げを記録するのですが、この頃からバンドは2組に分かれて新バンドプロジェクトを始動。それがジョン・テイラー（B）＆アンディ・テイラー（G）組によるTHE POWER STATIONと、サイモン・ル・ボン（Vo）、ニック・ローズ（Key）、ロジャー・テイラー（Dr）からなるARCADIAでした。2組はともに1985年にアルバムを発表し、それぞれ大成功を収めます。

1986年に入ると再び5人で集い、ニューアルバムの準備に入るのですが、この制作途中でアンディが脱退を表明。当時進行させていたハードロック色の強いソロプロジェクトに移行してしまいます。さらに、ロジャーもバンドを脱退。DURAN DURANはサイモン、ジョン、ニックの3人となってしまいます。

そんな変則的な編成で制作されたのが、この『NOTORIOUS』というアルバム。プロデューサーには先の「The Reflex」や「The Wild Boys」を手がけたナイル・ロジャースを、ドラマーにAVERAGE WHITE BANDのスティーヴ・フェローン、ギターにMISSING PERSONSのウォーレン・ククロロをサポートで迎えて、文字どおり“シック”で“大人”、“黒っぽい”アルバムを完成させるのです。

初期3作では“黒人音楽に憧れる白人”よろしく、ファンクミュージックとパンク、ニューウェーブをミックスした独自のポップサウンドを確立させたDURAN DURANが“ホンモノ”たちと交わりあうことで、より“ホンモノ”に近づこうとした。それが、この『NOTORIOUS』という地味な作品集なのです。言ってみれば、アーティストの自己満足で作り上げてしまったエゴの塊みたいなもので、初期のファンからすれば「……これじゃない」と落胆する姿が目に浮かぶわけです。が、地味ながらも先行シングル「Notorious」がカッコよかったもんだから、同曲は全米2位まで上昇。アルバムも全米12位、全英16位と前作ほどのヒットにはならなかったものの、そこそこの成功を収めるわけです。

本当に派手な曲が皆無な作品ですが、ファルセットで歌うあたりにプリンスを意識したことが伺える「Skin Trade」、アメリカとヨーロッパの融合的イビツさが逆にカッコいい「American Science」、本作中でもっともロック寄りな「Hold Me」やシングルカットされた際のダンスリミックスも嫌いじゃない「Meet El Presidente」など良曲多し。別プロジェクトでの成果もちゃんと反映されており、THE POWER STATIONのファンキーさとARCADIAの冷たさはしっかり感じ取ることができます。まぁ編成的にARCADIAの色合いがどうしても強くなってしまうわけで、「A Matter Of Feeling」や「Winter Marches On」みたいな“それ、ARCADIAでやれや”的楽曲も含まれており、そのへんにどうしても“ホンモノ”になりきれないDURAN DURANの性（さが）が感じられホッとしてしまったりもします。

結局、このアルバム以降徐々にセールスを落としていったDURAN DURANは、90年代前半に「Ordinary World」で再ブレイク、2000年代にはオリジナルメンバー5人で再集結したりと紆余曲折を経て、現在もサイモン、ニック、ジョン、ロジャーの4人で活動を継続中。2015年の最新作『PAPER GODS』ではこの『NOTORIOUS』で試したことの発展型が展開されているので、やっぱり“ホンモノ”に近づきたかったのね、と妙に納得してしまいました。そういう意味でも、現在の彼らを語る上でこの『NOTORIOUS』は『RIO』などの初期作品同様に重要な1枚なのかもしれませんね。

▼DURAN DURAN『NOTORIOUS』
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OZZY OSBOURNE『THE ULTIMATE SIN』（1986）

1986年初頭にリリースされた、オジー・オズボーン通算4作目のソロアルバム。参加メンバーはオジー、ジェイク・E・リー（G）、フィル・スーザン（B）、ランディ・カスティロ（Dr）。プロデュースは当時SURVIVOR『VITAL SIGNS』（1984年）、HEART『HEART』（1985年）を手がけてヒットさせたロン・ネヴィソンが担当しており、過去3作の仰々しいブリティッシュヘヴィメタルサウンドがここで一気にアメリカナイズ＆産業ロック化されてしまいます。

もちろん、これは当時オジー（やマネージャーであり妻のシャロン）がこれらの作品を気に入ったことで起用したわけですが、当時はファンから酷評された記憶があります。

が、しかし。僕自身初めて聴いたオジーのアルバムが本作。そんな酷評なんて知らなかったもんだから、純粋にMTVから流れてくる「Shot In The Dark」や「The Ultimate Sin」に心奪われ、アルバムに手を出したわけです。

確かに曲によってはやりすぎってくらいにシンセを重ねているし、どこか軽薄さの感じられるメロディも存在する。でも、アルバムを通して聴くと「そこまで気にするほどか？」と思ってしまうのも事実。過去との比較で音楽を聴いているわけではないので、これはこれで純粋に楽しめる作品集なんじゃないでしょうか。

ジェイクのギタープレイも前作『BARK AT THE MOON』以上に個性が確立されていますし、ギターをかじったことがある人なら思わずコピーしたくなるリフやフレーズも多いはずです。特に「Secret Loser」はその代表的な1曲だと思いますよ。このギターソロ、本当に難しいんだよね……。

ザック・ワイドル加入以降のオジーしか生で観たことない自分は、本作からライブで耳にしたことあるのは「Shot In The Dark」。その後もほとんど取り上げられることはないんですよね。それもあってか、本作は2000年代に入ってからのリマスター版カタログから、オリジナルアルバムとしては唯一外されているという。これは噂ですが、フィル・スーザンと揉めて彼に印税が行かないようにするためなんだとか（そういえば、1997年のベストアルバム『THE OZZMAN COMETH』も、ある時期から「Shot In The Dark」が「Miracle Man」に差し替えられましたしね）。

オジーのアルバムで唯一ダブルボーカル（同じ歌声を2つ重ねる手法）じゃないとか、そのほかにもいろいろ気になるトピックはありますが、リリースから30年以上経った今聴いても、良いものは良い。それでいいじゃないですか。個人的にはオジーの作品群でかなり好きな部類です。

▼OZZY OSBOURNE『THE ULTIMATE SIN』
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QUIET RIOT『QR III』（1986）

アメリカのハードロックバンドQUIET RIOTが1986年夏に発表した、メジャー通算3作目のオリジナルアルバム。彼らは70年代にここ日本のみで2枚のアルバムを発表しているので（当時はかのランディ・ローズが在籍していたことでも知られています）、それらを含めるならば通算5作目ということになりますが、まぁここは便宜上3rdアルバムとして扱うことにします。

1983年に発表されたメジャー1作目『METAL HEALTH』が全米No.1を獲得し、600万枚を超えるセールスを記録。また同作からのシングル「Cum On Feel The Noize」（SLADEのカバー）も全米5位まで上昇するなど、まさにその後本格化するL.A.メタルブームの先駆けとなったQUIET RIOT。続く1984年の2ndアルバム『CONDITION CRITICAL』も全米15位、100万枚を超えるセールスとなり、『METAL HEALTH』で得た成功の恩恵を受けることができました。ただ、『CONDITION CRITICAL』でも同じSLADEの「Mama Weer All Crazee Now」（全米51位）をカバーするなど、 “カバー曲で当てた一発屋”的イメージを拭い去れずにいました。

そんなQUIET RIOTが続く3rdアルバムでは、カバー曲に一切頼らないアルバム制作を実施。ハードさとポップさを適度に兼ね備えたバンドの個性を、この『QR III』という作品でより極めようとします。

本作ではルディ・サーゾ（B）が脱退し、新たにチャック・ライトが加入。曲作りも前作でのケヴィン・ダブロウ（Vo）独占体制から、ベースインスト「Bass Case」以外の楽曲すべてにケヴィン、チャック、カルロス・カヴァーゾ（G）、フランキー・バネリ（Dr）が名前を連ねる形にシフトチェンジしています。

オープニングの「Main Attraction」は本作を代表するような1曲で、シンセリフを前面に打ち出した爽やか且つ疾走感の強いナンバー。かと思えば「The Wild And The Young」のようにヘヴィながらもシンガロングできるアンセムもあるし、ヘヴィさにファンキーさを掛け合わせた「Down And Dirty」、哀愁のメロディがグッとくるバラード「Twilight Hotel」「Still Of The Night」、軽やかなHRサウンドに泣きメロを乗せた「Slave To Love」など良曲満載。80年代のカリフォルニアの絵が自然と思い浮かびそうなビッグサウンドとキラキラしたシンセ、カルロス・カヴァーゾの適度に弾きまくるギターソロ、そして大勢での大合唱必須のコーラス。あの時代、僕たちが求めていたアリーナロックそのものがここにあったのです。

しかし、作品ごとにセールスを落としていったQUIET RIOT。本作は全米31位と低調に終わり、ヒットシングルを生み出すこともできませんでした。純粋に作品が評価される以前に、バンドの評価（特にケヴィンのビッグマウスぶり）が悪影響を及ぼし、のちにケヴィンはバンドから追い出されてしまうのでした。

（その後については、続く4thアルバム『QR』のレビューをご覧ください）

▼QUIET RIOT『QR III』
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DAVID LEE ROTH『EAT 'EM AND SMILE』（1986）

VAN HALENを脱退したデヴィッド・リー・ロスが1986年に発表した、ソロとして初のフルアルバム。バンド在籍中に発表された『CRAZY FROM THE HEAT』（1985年）は4曲入りのEPだったこと、そのすべてがカバー曲だったことから当時は“遊び”と解釈することができましたが、バンドを脱退した後の『EAT 'EM AND SMILE』ではいよいよ本領発揮……といわんばかりのフルスロットルぶりが楽しめます。

アルバムおよび当時のツアーに参加したメンツはスティーヴ・ヴァイ（G）、ビリー・シーン（B）、グレッグ・ビソネット（Dr）という錚々たる面々……というのは、当時は一部のメタルファンの間でのみ。今でこそヴァイもビリーもロックファンなら誰もが知っている名プレイヤーですが、実は2人ともデイヴとの共演により知名度をグンと上げたというのが事実なのです。

アルバムはエイドリアン・ブリュー並みに“しゃべる”ギタープレイを披露する「Yankee Rose」からスタート。ヴァイの縦横無尽に暴れまくるギタープレイと、そのギターをボトムで支えているようで実はフレーズが暴れまくっているベース、その上でひたすら“ダイヤモンド・デイヴ”を演じまくるデイヴ。もちろん的確なビートで土台を支えるグレッグのプレイも欠かせません。同曲は全米16位まで上昇するヒットシングルとなっています。

そして2曲目はビリーが過去に在籍したバンド、TALASの楽曲「Shyboy」のカバー（というかリメイク）。高速ビートの上で披露される、ギターとベースによる超絶ユニゾンプレイに誰もが感嘆のため息をついたはずです。このユニゾンプレイが、のちにビリーが結成するMR.BIGにつながっていくわけですから（しかもMR.BIGでも再びカバーされてるし）、その後のHR/HMシーンにとって非常な重要な1曲と言えるかもしれません。

そして、本作には先のソロEP同様に数々のオールディーズカバーが収録されています。「I'm Easy」「That's Life」といったラウンジミュージックの名曲、60年代のガレージロックナンバー「Tabacco Road」の3曲がそれで、「Shyboy」を含めたら計4曲がカバーというわけです。そこを物足りないと感じるか、原曲を知らないしオリジナルとして聴いてもなんら違和感ないしと感じるかは聴き手次第かなと。ちなみにリリース時中学生だった僕は当然カバーの原曲を知らなかったので、完全に後者でした。

テクニカルで派手なプレイを含みつつも、楽曲時代はポップでブルージーでソウルフル。これって結局、デイヴがVAN HALEN時代にやっていたことと一緒なんですよね。全10曲で30分強というランニングタイムも、初期VAN HALENと一緒。ただ、このバンドにはエディ・ヴァン・ヘイレンが2人いる（ヴァイとビリー）のが大きな違いだったと。この編成が復活することは今や不可能に近いけど（一度だけデイヴ抜きでライブをやったこと、ありましたっけ）、一度は生で観たかったなぁ。この編成での来日は結局実現しなかったしね。

策士デイヴはこのアルバムでVAN HALENというバンドのスタイルをソロでも再現させ、続く2ndアルバム『SKYSCRAPER』（1988年）では「俺にだって『Jump』は作れる」と言わんばかりにポップな「Just Like Paradise」を大ヒットさせる。この2作で彼のVAN HALENに対する復讐は（形としては）完結するわけです。

そういえば、上に貼り付けた「Yankee Rose」含め、当時のデイヴはMVも凝った作品が多かったなぁ。どれもコミカルで、人を食ったかのような内容ばかり。あ……それで『EAT 'EM AND SMILE』なのか！（違います）

▼DAVID LEE ROTH『EAT 'EM AND SMILE』
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CINDERELLA『NIGHT SONGS』（1986）

1986年8月にリリースされた、アメリカの4人組HRバンドCINDERELLAのデビューアルバム『NIGHT SONGS』。彼らはジョン・ボン・ジョヴィ（BON JOVI）の後押しがあってメジャー契約にこぎ着けたという話もあり、同じMercury Recordsからのデビュー、BON JOVIも同タイミングに3rdアルバム『SLIPPERY WHEN WET』をリリースしたことから、のちに彼らのサポートアクトとして全米ツアーに帯同したことで人気を高めていきます。

もちろんCINDERELLAが大成功したのは、BON JOVIの力だけではありません。適度にメタリックだけどメロディは非常にキャッチーという、しっかり作り込まれた楽曲の数々がラジオ受けしたことと、毎回趣向を凝らしたミュージックビデオがMTVでヘヴィローテーションされたことも大きな要因と言えるはずです。

今作で制作されたMVは3本。1作目の「Shake Me」、2作目の「Nobody's Fool」、3作目の「Somebody Save Me」は連作となっており、バンド名にちなんだシンデレラ・ストーリーが展開されていきます。MTV全盛の80年代半ば、HR/HMがMV制作にここまでこだわったという点においては、CINDERELLAの功績は非常に大きなものがあったと言えます（と同時に、BON JOVIも「You Give Love A Bad Name」や「Livin' On A Prayer」でひとつの型を作り上げるわけです）。ちなみに、「Somebody Save Me」のMVラストにはジョン・ボン・ジョヴィとリッチー・サンボラもゲスト出演していますので、こちらにも注目です。

さて、改めて楽曲についても。2ndアルバム『LONG COLD WINTER』（1988年）を機にバンドはブルース志向を強めていきますが、このデビュー作にはまだそのカラーは微量。「Hell On Wheels」にはスライドギターが登場しますが、それも大々的といった印象はなく、全体的には当時活動の拠点だったLAのバンドにも通ずるメタリックなサウンド＆アレンジが軸となっています。オープニングの「Night Songs」なんて、まるでAC/DCのアルバム『BACK IN BLACK』における「Hell's Bells」みたいですし。また、シングルヒットを記録した「Nobody's Fool」（全米13位）はその曲調とフロントマンのトム・キーファー（Vo, G）のルックスや歌い方から、AEROSMITH「Dream On」と比較する声もあったほど。

そういえばこの当時、CINDRELLAはPOISONとともに『LIGHTNING STRIKES』（1986年）を全米リリースしたLOUDNESSのUSツアーでオープニングを務めていたとのこと。のちに二井原実さんと山下昌良さんにインタビューした際、「どっちも全米チャートのトップ3に入ってたよね。なのに僕らは100位内から1週間ぐらいで消えてたから」（山下）、「ベスト10に入ってるバンドを従えてツアーを回るんやけど、あれは変な話やったな」（二井原）、「あの頃、CINDERELLAのベース（エリック・ブリッティンガム）はまだ全然お金を持ってなくて、毎晩俺がビールを奢ってたな。で、『お前売れてんねんから、次会ったら奢れよ？』って言ったけど、まだ奢ってもらってないわ（笑）。まあ曲が覚えやすかったもんね、CINDERELLAもPOISONも」（山下）なんて話題が挙がったのをよく覚えています。

山下さんがおっしゃるとおり、『NIGHT SONGS』は全米3位まで上昇。セールスも最終的に300万枚を超える大出世作となりました。「CINDERELLAといえば？」と質問されたときに、いまだに『NIGHT SONGS』派と『LONG COLD WINTER』派に分かれることがありますが、僕はどちらも好き。ぶっちゃけその日の気分で変わるし、なんなら3rアルバム『HEARTBREAK STATION』を選ぶ日すらあるくらい（苦笑）。その程度には大好きです、このバンド。

▼CINDERELLA『NIGHT SONGS』
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POISON『LOOK WHAT THE CAT DRAGGED IN』（1986）

POISONがアルバム『LOOK WHAT THE CAT DRAGGED IN』（邦題：ポイズン・ダメージ）でレコードデビューを果たしたのは1986年夏のこと。リリース当時はそれほど大きな話題にはなりませんでしたが、年が明け1987年春にアルバムからの2ndシングルとしてリカットされた「Talk Dirty To Me」があれよあれよとチャートを上昇していき、最高9位まで到達。折しもBON JOVIが「You Give A Bad Name」「Livin' On A Prayer」で2曲連続全米1位を獲得したタイミングということで、HR/HMバンドがじわじわと注目を集め始めたタイミングでのヒットでした。

LAメタルと呼ばれるロサンゼルス出身バンドの中でもやたらとケバケバしく、正直美意識のかけらも感じられないそのヴィジュアル。演奏もテクニカル路線に走る他のバンドとは一線を画し、決して上手ではない。しかし、曲だけは異常にポップで親しみやすいものばかりというこのアンバランスさ。歌詞だって別に知的なことは一切歌っていないし、なんならセックスをイメージさせる曲がほとんど。それでもウケたというのは、やはり彼らには他のバンドにない魅力が備わっていたということなんでしょう。そうでなければ「Talk Dirty To Me」のみの“一発屋”で終わっていたはずですしね。

バンドはこの後、「I Want Action」（全米50位）、「I Won't Forget You」（全米13位）とヒットシングルを連発。アルバム自体も最高3位まで到達し、アメリカのみで300万枚を超える大ヒット作となりました。また、このヒットに便乗してか、1987年秋には映画『レス・ザン・ゼロ』のサウンドトラックにKISS「Rock And Roll All Nite」のカバーを提供。こちらもなんのひねりもない“まんま”のアレンジで衝撃を与えました。

リリースから30年を過ぎた2017年にこの1stアルバムを聴き返してみると、やはりどの曲もやたらとポップでキャッチーなんですよね。1曲目「Cry Tough」からそのポップさは異常とも言えるほどで、この1曲だけ取り出しても同時期に活動した他のLAメタルバンドとは個性の持ち主だってことが理解できる。MOTLEY CRUEともRATTともQUIET RIOTとも違う道をしっかり歩んでいたからこそ、“他にないもの”として受け入れられ成功することができたんだと思います。

と同時に、この処女作が大成功を収めたことで得た自信が、続く2作目、3作目での大躍進にもつながるわけです。バンドってつくづく面白いですね。

▼POISON『LOOK WHAT THE CAT DRAGGED IN』
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IRON MAIDEN『SOMEWHERE IN TIME』（1986）

昨日触れたJUDAS PRIESTの『TURBO』がリリースされたのが、今から30年間の1986年。面白いことにこの年、ほぼ同じタイミングでもう1組のメタル界の王者、IRON MAIDENもシンセサイズドギターを取り入れた作品を発表しています。それが今回紹介する、通算6枚目のオリジナルアルバム『SOMEWHERE IN TIME』です。

メタル界屈指の名曲「Aces High」を含む前作『POWERSLAVE』が名盤として高く評価されたこと、またアメリカでのメタルの盛り上がりにうまく乗ろうとしたこともあってか、味付けとしてシンセや先のシンセサイズドギターが随所に取り入れられ、楽曲もより洗練された印象があります。それこそ、曲によっては若干落ち着いた雰囲気も感じられ（3曲目「Sea Of Madness」あたりが顕著）、『POWERSLAVE』と比較すると全体的に地味なイメージすらあります。また、JUDAS PRIEST『TURBO』での（装飾的）変化に嫌悪感を示した旧来のメタルファンが、ここでも「シンセサイズドギター」というキーワードに敏感に反応。もしかしたらこれがネックになって、当時ちゃんと聴かなかった人もいるかもしれません。

しかし。先行シングルの「Wasted Years」や1曲目「Caught Somewhere In Time」、ライブでのシンガロングでおなじみの「Heaven Can Wait」、疾走感あふれる“Very British”な「The Loneliness Of The Long Distance Runner」、これぞメイデン！と断言できるデイヴ・マーレイ作「Deja-Vu」など、1曲1曲を取り上げるとレベルの高いものばかり。地味だけど妙にクセになる（しかもアルバムからの2ndシングル）「Stranger In A Strange Land」みたいな曲もあるし、ラストを飾る8分半の大作「Alexander The Great」（もちろんスティーヴ・ハリス作）もメイデンじゃなきゃ作り得ない説得力があるし。全体的に地味さは拭えないけど、良曲揃いの素晴らしいアルバムなのは間違いない事実です。

メイデンは続く1988年の7thアルバム『SEVENTH SON OF A SEVENTH SON』でもシンセサイズドギターを使用するのですが、こちらではアメリカを完全に無視した（？）、英国人でなければ作ることができない傑作に到達することになります。それについてはまた別の機会に。

▼IRON MAIDEN『SOMEWHERE IN TIME』
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JUDAS PRIEST『TURBO』（1986）

JUDAS PRIESTが1986年に発表した、当時は問題作なんてレッテルを貼られたことでも知られる10thアルバム『TURBO』。その前作にあたる『DEFENDERS OF THE FAITH』からプリーストに足を踏み入れた人間にとって、「シンセサイズドギターを導入」「デジタル録音」「よりポップに」といったこの『TURBO』路線は受け入れがたいものだったことを、昨日のことのように覚えています。当時はまだ中学生。硬派こそが正義だと信じていたウブな時代です。

時は流れ、2012年2月。2009年の『LOUD PARK』での来日時にロブ・ハルフォードにインタビューする機会があったことから、続く2012年のジャパンツアーにも足を運ぶことができました。Zepp Tokyoと武道館の2公演を観たのですが、ここで演奏されたのが『TURBO』のオープニングトラック「Turbo Lover」。あれ、こんなにカッコよかったっけ？ それが素直な感想で、「これ、もしかしたら……」と思い久しぶりにCDに手を伸ばしてみたら……。

全体的にポップな（というか、キャッチーなメロディを持つ）楽曲が多いのと、ギターオリエンテッドではなくてシンセの比率が高くなったことで勘違いしてたけど、偏見抜きに聴くと本当に優れた楽曲が並ぶアルバムだと思います。冒頭の「Turbo Lover」「Locked In」「Private Property」の流れは気持ち良いし、ポップな「Parental Guidance」も過去の「Living After Midnight」あたりと同系統のポップさだと思うし。かと思うと疾走感の強い「Rock You All Around The World」があり、叙情的なミドルチューン「Out In The Cold」もある。アメリカナイズされたワイルドな「Wild Nights, Hot & Crazy Days」、シーケンスさえ気にならなければひたすらカッコいい「Hot For Love」、そして“これぞジューダス！”な泣きメロを持つ「Reckless」で幕を降ろす。最高じゃないですか。ネガティヴな感情で接していたため、アルバムの本質を見過ごしてたのかな。若さって強いね。

先に述べたように、過去のジューダスには「Living After Midnight」や「Take On The World」のようなポップな楽曲もあり、それらはイギリスでシングルカットされた事実もあるわけです。もっと言えば、後には『PAINKILLER』のようにスラッシュメタルにすり寄ったアルバムも発表している。要するに、やることが極端すぎるんですよ。それがガチなメタルファンには時に好意的に受け入れられ、時には攻撃の材料となるだけの話。身にまとう装飾は作品ごとに変わるけど、軸にある本質は実は変わってないんだなと。

そうそう。2017年2月には『TURBO』の30周年記念エディションが発売されるとのこと。アルバム本編の最新リマスター版に当時のライブ音源（CD2枚組）を同梱したパッケージになるそうです。この頃のライブといえば、1987年にリリースされたライブアルバム『PRIEST...LIVE!』でも聴けますが、あれよりも長いフルサイズになるそうなので、こちらも楽しみに待ちたいと思います。

▼JUDAS PRIEST『TURBO』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD）

MEGADETH『PEACE CELLS... BUT WHO'S BUYING?』（1986）

1986年に発表された、メジャーデビュー作にしてMEGADETHの出世作。「Peace Sells」や「Wake Up Dead」のMVを通してその存在を本格的に認知した身としては思い出深い1枚だし、今でも彼らのアルバムの中で聴く頻度の高い作品。

前作でその片鱗を見せていたインテレクチュアルスラッシュ路線がようやくしっかり形として成り立ったという意味でも、彼らの歴史上、そして80'sメタルの歴史上で欠かせない1枚だと断言したい。

先に挙げたMV曲以外にも「The Conjuring」「Devils Island」「Good Mourning/Black Friday」「My Last Words」など名曲多し。ま、全曲捨て曲なしと勝手に認識してるわけだが。そんな中で唯一収録されたカバー曲「I Ain't Superstitious」のアレンジセンスもなかなかのもの。当時CMにも使用されてたので、あのイントロを聴いて「おお？」と思う世代も多いかも。

2011年に発売された25周年エディションには当時のライブ音源を追加したボーナスディスクが付くので、これから聴く人はこちらを手にとってみることをオススメ。

▼MEGADETH『PEACE CELLS... BUT WHO'S BUYING?』
（amazon：国内盤CD / 輸入盤CD / 25周年版輸入盤CD）

QUEEN『A KIND OF MAGIC』（1986）

QUEENで一番思い入れのあるアルバム、一番よく聴いたアルバム、一番完成度の高いアルバム……人によってそれぞれ異なるんだろうけど、時期によって音楽性が異なるQUEENのようなバンドの場合、それぞれに意外なアルバムが挙がることが多いんじゃないかな。

例えば、一般的には駄作と呼ばれるような『HOT SPACE』（1982年）だって見方を変えれば非常に魅力的に映るし、世間的には傑作呼ばわりされている『A NIGHT AT THE OPERA』（1975年）だってある人にとっては別にどうってことのない1枚かもしれない。「そんなの個人の価値観や趣味の違いじゃん」と言ってしまえばそれまでだけどね。

この『A KIND OF MAGIC』というアルバムは前作『THE WORKS』（1984年）の流れを汲む、通算12作目のオリジナルアルバム。もともとは映画『ハイランダー』のサントラ的作品として全9曲中6曲が映画に使われていて、さらにアルバム制作前に既出だった「One Vision」も映画『アイアン・イーグル』主題歌としてヒットを飛ばしている、非常に“映画づいた”作品集だったりします。そういうこともあって、人によってはオリジナルアルバムと見なさない人もいるし、この要素が災いして「完成度が低い」「内容が散漫、統一性がない」なんていう人もいます。が、もともとQUEENって1枚のアルバムにいろんなジャンルの音楽、いろんなタイプの楽曲を詰め込むバンドだったんじゃないの？ 特に世間一般で名盤と認識されている『A NIGHT AT THE OPERA』なんて、その代表例じゃない。

楽曲のタイプは、『HOT SPACE』〜『THE WORKS』の流れにあるものが多く、シングルヒット予備軍的コンパクトでポップなナンバーが数多く収められています。特にこのアルバムではソングライターとしてジョン・ディーコンが大活躍していて、名バラード「One Year Of Love」や「Friends Will Be Friends」といった楽曲のみならず、ファンキーでポップな「Pain Is So Close To Pleasure」にもフレディ・マーキュリーと共に名を連ねています。

また、ロジャー・テイラーもタイトルナンバー「A Kind Of Magic」 という、その後の彼らの代表曲のひとつを生み出しているし、ブライアン・メイは壮大なバラード「Who Wants To Live Forever」と、ヘヴィなギターが冴える「Gimme The Prize」を手掛け、フレディは先の「Pain Is〜」と「Friends〜」をジョンと共作。単独では初期の疾走感＆ヘヴィさを持つハードロックチューン「Princes Of The Universe」を手掛けています。創作面では非常に良いバランスで4者4様な楽曲を書き、それを1枚のアルバムにまとめた、ある意味でもっともQUEENらしい手法で制作され、その結果“80年代のQUEENの指針”となる作品を完成させたのですから、さすがとしか言いようがありません。

と、何でここまでこのアルバムをベタ褒めするかというと僕、このアルバムが大好きなんですよ。恐らくQUEENのアルバムでもっとも聴き込んだ、回数聴いたアルバムじゃないかな、『GREATEST HITS』を除くと。リアルタイムだと丁度中3くらいだったのかな。その頃はそこまで夢中ってわけでもなく、“QUEENのニューアルバム”というよりは単純に“当時ヒットしたアルバム”という認識で耳にしていてたのね。だって、その頃の僕にはすでに“QUEEN＝「Bohemian Rhapsody」”みたいな固定観念があったし、“ああいうクラシカルなサウンドこそQUEEN”って雑誌の受け売りが刷り込まれていたから、「これは同じバンド名だけど違うバンドのアルバム」くらいの気持ちで接していたんだよね、ガキのくせに生意気にさ。「クソだ、終った」とか言いながらも、曲の良さ／ポップさには敵わず、気づくと口ずさんでる、そんなアルバムが『A KIND OF MAGIC』だったんです。

その後、僕が素直に“リアルタイムのQUEEN”と対峙できるようになるのは、さらに5年くらい経った、それこそフレディの余命が数ヶ月というような時期なんだけどね……。

変な固定観念がなくなった今、まぁ今は逆にQUEENを愛し過ぎていてどのアルバムにも愛着が湧いちゃって、冷静な判断ができないような立場なんだけど。それでも僕の中ではこのアルバム、5本指に入るほどに好きなアルバムなんだよね。「Who Wants To Live Forever」で泣いて、「Princes Of The Universe」で拳を天に掲げる、みたいな。『HOT SPACE』以降に試していたことが、ここで一旦完結しちゃうわけです。それをライヴという形で表現することができた、間に合っただけでも、このアルバムはまだ救われてると思います。

斜に構えてわかった振りをしてたガキの頃を思い出させる、そんな1枚。甘酸っぱい、懐かしくて恥ずかしい思い出の詰まった作品、それが僕にとっての『A KIND OF MAGIC』です。

▼QUEEN『A KIND OF MAGIC』
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LOUDNESS『8186 LIVE』（1986）

1986年11月発売の2枚組ライブアルバムで、デビュー5周年を記念して1986年4月に代々木オリンピックプール（現在の国立代々木競技場第一体育館）で開催されたライブを収録したもの。

ライブアルバムとしては2作目となりますが、『THUNDER IN THE EAST』でアメリカ進出し、続く『LIGHTNING STRIKES』（日本における『SHADOWS OF WAR』）もヒットした彼らの、いわば日本凱旋公演アルバム（あれ、『LIGHTNING STRIKES』はまだ発売前だったっけ？）。とにかくセットリストが当時のベスト選曲なので、本作も当時よく聴いた記憶が残っています。

とにかく音が良い、演奏がうまいい、歌がうまい、曲が良い。4拍子揃った素晴らし出来。バンドとしても脂の乗った時期だけに、これからLOUDNESSを知ろうという人にも入門編としてうってつけ。

▼LOUDNESS『8186 LIVE』
（amazon：国内盤2CD / 海外盤2CD / MP3）

LOUDNESS『LIGHTNING STRIKES』（1986）

日本では『SHADOWS OF WAR』というタイトルで、曲順とミックスが異なる形で発売されたUSリリース第2弾。プロデューサーは前作同様マックス・ノーマンが担当しているのですが、テクニックをひけらかすようなプレイを極力抑えた前作とは相反し、本作では高崎晃（G）のギタープレイが冴えわたりまくり。「そういう、こういうLOUDNESSが聴きたいんだよ！」と当時妙に興奮したことを覚えています。

楽曲自体は全米進出前のヨーロピアン＆ドメスティックな、ベタなHR/HMではなく、あくまで『THUNDER IN THE EAST』の延長線上にある作風。しかも、「Let It Go」みたいにラジオでのエアプレイを意識したポップ＆キャッチーな要素が追加。最初こそ違和感を拭いきれなかったものの、慣れると素直に良い曲だと思える1曲ではないでしょうか。

「Face To Face」みたいな速い曲にもギター＆ベースのテクニカルなユニゾンプレイが入っていたり、「Complication」における複雑なアレンジだったり、「Ashes In The Sky」（『SHADOWS OF WAR』では「Shadows Of War」のタイトル）のオープニングで聴けるタッピングプレイだったりと、難易度の高い演奏が楽しめるのも本作の魅力。本作が再びBillboard TOP100入りしたというのも頷ける、日本人によるオーソドックスなアメリカンヘヴィメタルアルバム。

▼LOUDNESS『LIGHTNING STRIKES』
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とみぃ洋楽100番勝負（53）

●第53回：「Peace Sells」 MEGADETH ('86)

　METALLICAとかSLAYERは意外とリアルタイムで通過してたんですが、実はMEGADETHって後追いもいいところなんですよね‥‥最初に聴いたのが3作目の「SO FAR, SO GOOD...SO WHAT!」からで。先行シングルの "Anarchy In The U.K."（当然ながらSEX PISTOLSのカバー）のPVを観て一発で気に入って。一緒にバンドやってたKくんに「SO FAR〜」のアルバムを借りて。「ギターリフ、スゲーっしょ？」って聞かれてさ。そりゃもう「うんうん！」って頷くわけですよ。

　で。「けどさ。この1枚前のアルバムの方がもっとスゲエんだよ！」といって後で貸してくれたのが、セカンド「PEACE SELLS...BUT WHO'S BUYING?」。中3の頃にはリリースされてた1枚なんだけど、地元のレンタル店になくて、全然聴く機会もなくてね。PVとして "Wake Up Dead" とこの "Peace Sells" の2曲が制作されてたはずなんだけど‥‥これも何故か観る機会がなくて。メディア的にMEGADETHが盛り上がる'88年以降になってようやく何度か観る機会を得た、って感じで。

　MEGADETHの魅力って、ただ単に速いだけじゃなくて（勿論他のスラッシュバンドも速いだけじゃないけど）いろんな展開が入ってたり、リフワークが他のバンドとちょっと違ってたり‥‥あと、ジャズの要素なんかも入ってたりしてね。その辺りから「インテレクチャル・スラッシュ（知的なスラッシュ）」なんていう呼び名が生まれた程で。ほら、スラッシュっていうと野蛮ってイメージが強いでしょ、ひたすら性急にリフやビートを刻んで突っ走る、みたいな。けどMEGADETHには独特な冷たさや知的さがあって、そこが逆に暴力的に感じられたりして。そういう魅力がまたたまらなかったわけですよ、当時は。

　"Peace Sells" もイントロのベースがめちゃめちゃカッコいいし、ボーカルのちょっと語りっぽいというか唸ってるだけというか‥‥そんな歌唱法のデイヴ・ムステインがまた良かったし、後半の速くなるパート以降‥‥暴れまくるギターソロがね。前半部でのクールなソロと対照的で。やっぱりこの頃のMEGADETHは神がかってたな、と。4作目以降の「純然たるHMバンド」的スタイルもまた捨て難いんですが、やはり最初のインパクトは越えられませんでしたね、個人的には。

▼MEGADETH「PEACE SELLS...BUT WHO'S BUYING?」 （amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（39）

●第39回：「Angel Of Death」　SLAYER ('86)

　高校に入学して最も嬉しかったのは、他所の中学から沢山の、いろんな趣味を持った人間が集まってくること‥‥つまり、その中には自分と同じような「好みの音」の人や、まだ自分が未開拓な世界を知っている人がいるってことですよ。

　THE SMITHSとほぼ同時期に、このSLAYERも高校で知り合った友達に聴かせてもらったんですよ。というかレコード借りたんだ。しかも相手は女の子で。その子からはQUEENSRHYCHEとか初期ANTHRAXとか守護神伝パート1の頃のHELLOWEENとか、いろいろ教わったなぁ‥‥一緒にHELLOWEENの初来日公演にも行ったもんな。

　という昔話はこっちに置いといて‥‥

　「とにかく速いよ、METALLICAより速いから！」というリコメンドをいただいてから借りたSLAYERの3rdアルバム「REIGN IN BLOOD」‥‥速い。確かに速いよ。けどさ‥‥メチャクチャ残虐だよね、音が。今まで聴いてきたスラッシュメタルってのは一体何だったの！？と思わせる程に、速くて暴力的で殺傷力抜群。だって歌い出しがいきなり「アウシュビッツ！」だもん‥‥そりゃ衝撃以外の何ものでもないでしょ？

　アルバム通しても30分に満たないんだよね、このアルバム。しかもラストの「RAINING BLOOD」が終わると、エンドレスで雨の音が。CDだと途中で切れちゃうんだけど、俺何も知らなくてさ‥‥ダビングしてる最中に寝ちゃって（寝るなよ）‥‥そしたら46分テープ、残り10分近く、ずっと雨と雷の音が入ってて、知らずにテープ聴いてチビりそうになったことあったっけ。

　全曲オススメだけど、やはり『スラッシュメタルの何たるか』を具体的に表現したという意味で、この "Angel Of Death" を最初に聴いて欲しいな。ほぼ同時期にデビューしたMETALLICAが、このアルバムと同じ時期に「MASTER OF PUPPETS」という大作主義／プログレッシヴな様式美を追求して、もうひとつの『スラッシュメタルの在り方』を表明したのが、非常に興味深いよね。

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とみぃ洋楽100番勝負（34）

●第34回：「The Queen Is Dead」　THE SMITHS ('86)

　高校に入って最初に出来た友達は、違うクラスの奴だった。小学校時代から知ってた奴だけど、小学校〜中学校とそれぞれ別の学校で、たまたま同じ学習塾に通ってたってだけ。大した会話もなかったわけ。

　けどさ。高校に入って、共通の友人がいることが判って。そいつがパイプ役になって‥‥互いがロック大好きだと判ったわけ。その後はもう早かったよ。急速に仲良くなってったし。

　で、その彼から最初に借りたテープが、THE SMITHSの「THE QUEEN IS DEAD」と「THE WORLD WON'T LISTEN」だったのね。既に大学生だという年上の兄貴がいて、東京に住んでて、輸入盤とか何時でも買えるっていう‥‥そんな兄貴がいる奴が羨ましくて。THE SMITHSだって、兄貴が買った輸入盤からダビングしてもらったものだったし。

　名前しか知らなかったTHE SMITHS。ピンナップでしか見た事なかったモリッシーの歌声。いや、それ以上に衝撃だったのが、この曲で鳴らされるジョニー・マーのギターだったわけで。とにかく、いろんな意味で衝撃だった。

　アルバムは更にいろんなタイプの曲があって。この曲みたいに攻撃的なのもあれば、"Frankly, Mr.Shankly" みたいなポップソングもあるし、"The Boy With The Thorn In His Side" や "There Is A Light That Never Goes Out" みたいな名曲もある。そりゃ一発でハマるわけですよ。もう1枚の「THE WORLD WON'T LISTEN」は編集盤という名目だけど、ある種ベスト盤だからね。正直この2枚さえあれば、その頃の俺は無敵だったような‥‥そんな「凄いもの見つけちゃった！」感が強かったんだよね。

　でも、その年の秋に「STRANGEWAYS, HERE WE COME」というアルバムを出した後、唐突に解散‥‥オイオイ‥‥

▼THE SMITHS「THE QUEEN IS DEAD」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（32）

●第32回：「When Tomorrow Comes」　EURYTHMICS ('86)

　正確にはこれ、俺が中3の頃にリリースされた楽曲で、実際その頃にかなり集中して聴き込んだアルバムのひとつがこのEURYTHMICSの「REVENGE」ってアルバムなのね。

　じゃあ中学編で取り上げろって話ですが‥‥いやいや。あのね‥‥中学卒業した後の春休み。高校生でもなく、ましてや中学生でもないあの時期に、代々木体育館（オリンピックプール）に初めて行ったんですよ。そう、このEURYTHMICSのライヴを観に。

　ルックスがどうだとか、ギターがどうだとか、そういうユニットでは決してないし、アニー・レノックスに惚れるということもない。もうこれは単純に、楽曲の勝利。この曲が入った「REVENGE」ってアルバムはホント名盤ですよ。勿論、その前の「BE YOURSELF TONIGHT」（有名な "There Must Be An Angel" を収録）も名盤だし、それ以前の "Here Comes The Rain Again" も、後にMARILYN MANSONのカバーで更に知名度を上げる "Sweet Dreams" も、全部素晴らしい。だから最初に聴くならベスト盤がいいのかもしれないね。シングル曲を完全網羅してるはずだし。

　とにかくね‥‥この曲のポップさ、そして高揚感。エンディングに向けて盛り上げていく歌と演奏‥‥全てが素晴らしいのよ。如何にも'80年代的なのかもしれないけど、だからこそ俺は胸張って「俺より上の世代は『'80年代はSTONE ROSESが現れるまで死んでた』とか言うけど、そんなの嘘。間違いなく'80年代は俺にとって輝いてたし、魅力的だったのよ」って言いたいね。

　残念ながら彼等は'90年代に入って活動休止、それぞれがソロで活躍した後に'99年に復活作「PEACE」をリリースするんだけど‥‥また分裂。いや、決して仲が悪いわけではないんだけどさ（元々夫婦だったんだっけ。離婚してもずっとコンピ続けてたわけだしね）‥‥やっぱりもう一度、ライヴを観たかったなぁ‥‥

▼EURYTHMICS「REVENGE」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（30）

●第30回：「Walk This Way」　RUN D.M.C. ('86)

　2度目のエアロ‥‥ってことになるのかしら。ま、この場合は単純に「エアロだったから」以上の要素が多いと思うんですが。

　ファルコの時に「初ラップ体験」を書きましたが、となるとここでは「初ヒップホップ体験」ってことになるんでしょうね。アルバム「RAISING HELL」もレンタルで借りてきて、そのカッコ良さが完全には理解できなかったものの、「要するに『ノリ』でしょ？」と判ったようなことを言ってた中3の夏。まだ「B-BOY」なんて言葉が日本で一般的になる前のお話ですよ。

　そうそう、RUN D.M.C.と出会ったからアディダスのスニーカーとかジャージを無理して買ったりしたなぁ（このアルバムにも "My Adidas" なる曲までありますからね）‥‥そう、俺のヒップホップ初体験は完全に「形から」だったんですよね（それは翌年のBEASTIE BOYSとの出会いにまで続く）。

　あ、エアロにも触れておかなきゃ。この前の年にエアロは「DONE WITH MIRRORS」というアルバムで復活するわけですが（当然買いました）、ガキの俺からしてもそんなに良いとは思えなかったのね。半分好きだけど、半分イマイチ、みたいな。けど、このRUN D.M.C.との共演は違ったわけ。当たり前だよ、小学生の頃から散々聴いてきた "Walk This Way" を更にカッコ良くやってるわけだから。アレンジ云々よりも、ジョー・ペリーのギターが相変わらずカッコ良かったのと、スティーヴン・タイラーの声が「DONE WITH MIRRORS」の時以上にロックしてること。これが衝撃だったんだよね。ここで完全に俺内エアロ熱が再発したもの。ま、エアロ完全復活までには、もう1年かかるんだけどね‥‥

　この年の12月には渋公だったかNHKホールだったか忘れたけど、初来日公演にも行きましたよ。エアロの方じゃなくて、RUN D.M.C.のね。だってさ、てっきりゲストでスティーヴンとジョーが来ると思ってたから。そんなわけないのにね。だからさ、アンコールだったか本編最後だったかでやった "Walk This Way" に思いっきり肩すかしを食らったんだよね‥‥まだガキだったからさ。そこが『本質』じゃなかったのにね。その後、彼等を観る機会はなかったんだけど（彼等が出演した時のフジロックにも行ってないしな。その後の悲劇を思えば、やはり無理してでも行くべきだったなぁ）、やっぱりいろいろ判ってきた今だからこそ、改めて観たかったよなぁ‥‥

▼RUN D.M.C.「RAISING HELL」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（29）

●第29回：「Yankee Rose」　DAVID LEE ROTH ('86)

サミー・ヘイガーを迎えた新生VAN HALENに感激＆感動した俺は、正直「デイヴ・リー・ロスはもう（ハードロックの世界では）ダメだろうなぁ‥‥」とずっと思ってたんですね。だってVAN HALEN辞める前に彼がやったソロ活動がBEACH BOYSやスタンダードナンバーのカバーですからね。で、それが大ヒットしちゃったもんだから‥‥どう考えても "Jump" や "Panama" みたいな曲は彼に求めるのも酷だろうな‥‥と。きっと俺以外の多くの人達がそう思ってたでしょうね。

　けど、実際には違った。彼はスティーヴ・ヴァイ（Gt）、ビリー・シーン（Ba）、グレッグ・ビソネット（Dr）という「その筋」では知らない者はいないという名手を揃えて、まるでVAN HALENの1stを'86年に蘇らせたかのような名盤「EAT'EM AND SMILE」を引っ提げてシーンに戻ってくるわけですよ。

　アルバム1曲目の "Yankee Rose" のイントロでやられちゃうわけですよ。だって、ギターが喋るんですよ！　ボーカルとギターで掛け合いしちゃうんですよ、喋りで！　もうね、笑うのを通り越して感動したもの、中3の俺は！

　ブリブリして暴れまくり、ギターとの高速ユニゾンをいとも簡単にひけらかすビリー・シーンのベースにも失禁寸前だったし、手堅いながらも聴いてて気持ちいいグレッグのドラムも文句無し。VAN HALENにあった「軽さ」が一切ないんですよね。

　アルバムだと続く "Shyboy" が最も好きなんですが、これ、正確にはデイヴのオリジナルじゃなくてビリーが以前やってたバンド、TALASの曲なんで、やっぱり一番最初に聴いて衝撃を受けた "Yankee Rose" かなぁ。

　その後のデイヴの落ちぶれっぷりには目を覆いたくなりますが‥‥やはりこの時の勢いはね。是非この目で実際に目撃したかったですね。残念ながらこの時のメンツ、このアルバムでのツアーでは来日してないんですね‥‥ここで完全にVAN HALENと差がついちゃったな、と‥‥

▼DAVID LEE ROTH「EAT'EM AND SMILE」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（28）

●第28回：「Dreams」　VAN HALEN ('86)

　2度目の登場となるVAN HALEN。しかし、前回紹介した頃（デイヴ・リー・ロス在籍時）とは明らかに違う‥‥シンガーのチェンジ。サミー・ヘイガーという既に『Voice of America』なる称号を手にしていた有名シンガーを向かい入れ、更にサウンド的にもよりポピュラリティーある方向へとシフトチェンジした1枚である、「5150」というアルバムの中で、名曲中の名曲と呼べるであろう "Dreams" という曲。ホント完璧ですよね、全てにおいて。

　イントロのシンセ＆エレピはちょっと'80年代的ですが、やっぱりこのイントロを聴くとね‥‥気持ちが高揚するというか。で、リズムインしてボーカルが入って‥‥とにかくメロディの流れがね、俺的に完璧なわけですよ。サビまでの流れといい、サビでの盛り上がりといい。そしてギターソロね。1回目のもいいけど、ラストの如何にもエディらしいタッピングプレイがね、鳥肌モノでして。ただ凄いプレイってわけじゃなくて、しっかりメロウで曲の流れにピッタリという。やっぱり鼻血ものですな。

　これ聴いちゃうとデイヴと別れて正解だったよな、と。勿論デイヴはデイヴでまた凄いことをやらかしちゃうわけですが‥‥それにしてもVAN HALENという名前でここまでの変化をしちゃうわけですからね。きっと俺等よりも若い世代はサミー時代のVAN HALENしか知らないわけですよね、リアルタイムでは。それが当たり前として存在してたわけですから。そういう意味では‥‥最初に聴いた時の違和感も確かにあったわけですよ。ボーカルが違うとか、曲が異常にポップだとか。でもさ‥‥曲の良さには敵わないよ。ホントに凄いもん、今聴いても。

　今年に入ってやっと活動再開したVAN HALEN。このアルバム時のメンツでの復活ってことで、当然ながらこの "Dreams" もライヴでやってるわけでして‥‥いつになったらここ日本で、再びあの "Dreams" が聴けるんでしょうかねぇ‥‥

▼VAN HALEN「5150」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（26）

●第26回：「Rock Me Amadeus」　FALCO ('86)

　オーストリア出身アーティスト初の全米No.1（しかも4週連続）という記録もアレですけど、それ以上に‥‥恐らく生涯で初めて聴いた「ラップ」がこれだったんじゃなかろうか‥‥と。いや、冗談抜きで。だってRUM D.M.C.がAEROSMITHをフィーチャリングした "Walk This Way" のカバーは、この年（'86年）の夏頃でしたからね（そしてRUN D.M.C.の来日公演が12月頃にあって。行ったんですよ、俺）。ファルコのヒットは多分春頃だったと記憶してますよ。

　そんなラップ（notヒップホップ）初体験が、このドイツ語混じりの変な英語‥‥今改めて聴いてみて‥‥これ、ホントにラップか！？って思っちゃうんですが‥‥まぁラップだよね、ある意味。

　ある意味子供騙しなんだけどさ‥‥この胡散臭さこそが'80年代だったんだよね。例えばお隣のドイツから登場したNENA然り。決してサウンド的に新しかったわけじゃなくて、どこかニセモノっぽくて、それでいてポップ、みたいな。まぁあの時代MTVで流れてたものの大半がそんなモノばかりでしたが。今でいえばt.A.T.u.みたいなもんでしょうか？（多分違う。それに全然「今」じゃないし）

　きっと同世代の人達じゃないと理解してもらえないだろうファルコ。今から4〜5年前に交通事故で既に他界してますし、日本盤も全て廃盤扱いのファルコなんですが‥‥

　良いものは良い。

　ニューウェーブもどきだろうがいいじゃない。英語じゃなくてもいいじゃない。ラップなのかラップじゃないのか判らなくてもいいじゃない。楽しくてバカバカしいのが伝われば（けど歌ってる本人はいたって真面目という。スーツ着て髪型決めてビシッとしてるしね）。

　そういう意味じゃ、t.A.T.u.の真価が問われるには、やはりあと20年くらい必要みたいですね！（そんなことはない）

▼FALCO「FALCO 3」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（22）

●第22回：「Fall On Me」　R.E.M.（'86）

　当然ながら "Losing My Religion" よりも前。いやいや、最初のトップ10ヒットとなった "The One I Love" の1年前にリリースされたアルバム「LIFES RICH PAGEANT」から、PVにもなったこの曲を。このPVを切っ掛けに彼等と出会ったわけですからね。

　それまでも一部雑誌とかで名前は目にしたことあったわけよ。「米カレッジチャート」云々って記事で。そもそもカレッジチャートって何よ？って思ってたような中学生だったわけだから、当然このバンドも名前（「アール・イー・エム」と読むのか「レム」と読むのかさえ知らなかったんだから。というか情報がなかったのよそれだけ）と、メンバー4人のもっさいルックスしか知らなかったわけでして。

　で、"Fall On Me"。文字（歌詞）しか出てこないPVは、それより遥か前にボブ・ディランが既にやってたわけだけど、やっぱりインパクトあったわけですよ（その後プリンスやINXSもやってたけど）。素朴で判りやすいメロディ。シンプルでスカスカ、けどサビに向けてドンドンと温度が高くなっていく演奏。そしてマイケル・スタイプの「とてもアメリカっぽい」声‥‥ま、これは偏見かもしれないけど。

　何だろう‥‥一発でハマったのね。んで偶然にも地元の貸しレコード屋に、当時CBSソニーからリリースされてた「LIFES RICH PAGEANT」のLPが入荷してて‥‥一番乗りで借りたわけですよ。

　今やアメリカンロックの良心とも王道とも呼ばれるR.E.M.ですが、この頃（「IRS」というインディーレーベル所属）の彼らの特徴といえば、当のアメリカ人でさえも完全に聞き取れない、独特な訛りのあるマイケルのボーカルでしょうね。正直、"Fall On Me" なんてPVを観てても「えーっ、本当にそう歌ってる？」って思える箇所、多々あるし。そういう意味ではやはり「DOCUMENT」で大ブレイクしたのも理解できますよね（この辺りからかなり聴きやすくなった感あり）。

　そんな俺の自慢は、'89年1月のR.E.M.2度目の来日公演＠MZA有明に行っていることです。羨ましーだろーっ！！

▼R.E.M.「LIFES RICH PAGEANT」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（21）

　五分の一消化。こんな調子で年内までに100本、間に合うのでしょうか？（そして新サイト立ち上げはいつ！？）

●第21回：「Battery」　METALLICA（'86）

　はい、お待たせ。みんなが待ってたメタル路線。この1曲でその後の俺の人生、台無しにされたようなもんですよ。

　基本的にパンクだから聴かない、メタルだから嫌い、というような聴き方はしてこなかった中学時代の俺。殆どがMTV（そしてTVKや千葉テレビでやってた「SONY MUSIC TV」）や「ベストヒットUSA」、そして土曜の深夜ラジオ（「全米トップ40」〜「ROCK TODAY」の、ラジオ日本の流れ）で耳にして気に入った曲をかたっぱしからNHK FMやAMラジオでエアチェックしたり、レンタル店で借りてきたりしてた俺。だからハードロックとかニューロマンティックとか、そんな括りはどうでもよかったんですよ。

　ところがね‥‥こいつらのお陰で、俺は暫く「田舎のメタル少年」になってしまうわけですよ。

　創刊当時から一応は買っていた「BURRN！」というHM/HR専門雑誌。そこのアルバムレビューで95点を獲得したのが、METALLICAの3rd「MASTER OF PUPPETS」というアルバム。当時スラッシュメタルの何たるかも理解してなかった、メタルといえばIRON MAIDENかJUDAS PRIESTかDIOが最高に決まってるじゃん！とほざいていた中坊の俺。そんな俺が何故か小遣い貯めてアナログLPを買ってしまったのが、このアルバム。

　‥‥プレイヤーに針を落とした瞬間‥‥1曲目の "Battery" に全てを奪われちゃうわけですよ。ああ‥‥こういうのがスラッシュメタルなんだ‥‥すげぇ‥‥こんなカッコいい音楽が世の中にはまだあったんだ‥‥って。

　田舎のレンタル店なんで、METALLICAの旧譜なんて置いてなくて、結局高校に入学するまで、彼等のファーストやセカンドに触れる機会はありませんでした‥‥そのはずだったんだけど‥‥

　1986年秋。生まれた初めて体験した外タレのコンサート。それがMETALLICAの初来日公演でした。

　ここで俺の二度目のロック童貞が奪われました。

▼METALLICA「MASTER OF PUPPETS」（amazon）

とみぃ洋楽100番勝負（10）

　やっと十分の一。毎日更新したとして、あと3ヶ月近くかぁ‥‥ ま、ユルく進めていくんで、ひとつヨロシク。

●第10回「A Question Of Lust」　DEPECHE MODE（'86）

　ヨーロッパ特有の暗さ＋インダストリアルやエレポップといった要素を取り入れた中での成功例。こいつらがいなけりゃソフトバレエもNINE INCH NAILSも生まれなかったんじゃないか、ってくらいにね。

　多分一番最初に聴いたのは、この曲より前のアルバムに入ってる "People Are People" だったと思うけど、個人的にグサリときたのが表題曲を含む5枚目のアルバム「BLACK CELEBRATION」だった、と。どれも好きな曲ばかりで、ホントは "Black Celebration" か "A Question Of Time" か "Stripped" かこれかで悩んだんだけど、結局好きになる切っ掛けだった "A Question Of Lust" に。

　暗さだけでいったら他の曲やその後のアルバムの方がもっと暗くて重い曲が多いんだけど、何か知らないけどつい口ずさんじゃうんだよね、この曲は。テンポ的にもスローだし、曲調自体はメジャーキーだし、決して暗いとは言い難いんだけど、やっぱり独特な空気感があってね。それだけで合格！みたいな。ホント、有無を言わさぬ説得力を持ってる曲なのね。

　正直、DEPECHE MODEは「BLACK CELEBRATION」以降のアルバム‥‥「MUSIC FOR THE MASSES」も「VIOLATOR」も「SONGS OF FAITH AND DEVOTION」も、どれも捨て難いのね。全部好き。その後の「ULTRA」はイマイチだったし、「EXITER」はあと一歩だったけど、ホント初期も含めて大好きなバンドのひとつ。「VIOLATOR」リリース後の来日公演（'91年だっけ？）も行ったなぁ‥‥思えばあれが最後の来日だったよなぁ‥‥海外ではU2並みにスタジアムを沸かせた時期（'90年代）に来日しなかったから、海外と日本での評価がここまで違ってしまったんだよね‥‥ホント勿体ない存在。

▼DEPECHE MODE「BLACK CELEBRATION」（amazon）

VAN HALEN『5150』（1986）

2004年夏、いよいよVAN HALENが動き出すようです。

3代目ボーカルとしてゲイリー・シェローン（元EXTREME）を迎え1998年2月にリリースされた「VAN HALEN III」はセールス的にも、そしてツアーの動員的にも失敗といっていい結果しか残せず、結局このアルバム1枚でゲイリーは脱退、三度シンガーのいない状況に陥ります。そしてエディ・ヴァン・ヘイレンの舌癌発覚‥‥これにより、彼らは長きに渡る沈黙を強いられることになります。その間に初代シンガーのデイヴ・リー・ロスと2代目シンガーのサミー・ヘイガーがジョイントツアーを行い、そのサミーのバンドメンバーとしてVAN HALENのベーシスト、マイケル・アンソニーが参加する等、いろいろとキナ臭い動きがあったりしましたが、結局6年に渡る現時点においても新しい音源は発表されておらず、それどころか未だに新しいシンガーは決まっていなかったりします。

が、ここにきてのツアー発表。しかしシンガーは発表されぬまま。これはどういうことなのか‥‥

VAN HALENが新しいマネージメントに移籍し、しかもそこはサミーが所属する会社だ、という事実。これが全てなんじゃないでしょうか？　ま、答えは間もなく出ることでしょう‥‥

この「5150」というアルバムは、デイヴが脱退した約1年後、1986年春にリリースされた、VAN HALEN 通算7枚目のオリジナルアルバムであり、サミー・ヘイガー加入後の最初の1枚でもあります。デイヴ自体に愛着のあった俺は、暫くこのアルバムに馴染めなかった記憶があります。同'86年夏にはデイヴのソロアルバム「EAT'EM AND SMILE」がリリースされ、個人的には「ああ、やっぱりこっちだよ！」と思ったのも事実。実際、あのアルバムによって俺はスティーヴ・ヴァイというギタリストに惹かれていくのですから‥‥ギターの世界へと導いてくれたエディに対する、ちょっとした浮気ですよね、これじゃ。

しかし、偏見の塊だった10代前半には苦手意識があったサミー・ヘイガーの声、そして「サミーの声が載るVAN HALEN」の曲も、次第に馴染んでいき、気づけば大好きな1枚になっていたのは言うまでもありません。もう単純に、爽快でカッコいいアメリカン・ハードロック。デイヴ時代とはまた違う、潤いのあるメロディが載った楽曲達。「1984」で着手したシンセ導入が完全に開花した "Why Can't This Be Love" や "Dreams"、"Love Walks In" といった歴史的名曲の数々。前作での "Hot For Teacher" を更に高速化したかのような疾走チューン "Get Up"。カーステレオで爆音で流しながらハイウェイを飛ばしたくなるような豪快ハードロックチューン "Good Enough" や "5150"、カリフォルニアの夏の海をイメージさせるような "Summer Nights" や "Best Of Both Worlds"、ラストを飾るヘヴィな異色作 "Inside"。とにかく全9曲が捨て曲なし。それまでのVAN HALENのアルバムには必ず「これは絶対にライヴじゃやらないだろなぁ‥‥」と思えるような曲が幾つかあったのに、このサミー・ヘイガー参加作にはそういったタイプの楽曲は皆無。勿論、当時のツアーで演奏されなかった曲もあるだろうけど（"Inside"をやった、というのを目にした記憶がないんだよね）‥‥とにかく最初から最後まで、息をつかせぬまま突っ走る1枚。特に頭3曲での攻め、4曲目 "Dreams" での天まで駆け上がりそうなメロディ。掴みは完璧過ぎ。本当に凄いアルバムだわ、改めて今聴いても。

個人的にはデイヴ時代に思い入れがあるものの、作品重視で考えると好きなアルバムって殆どがサミー・ヘイガー在籍時のものなんだよね。特にサミー在籍時はこの後も「OU812」（'88年）、「FOR UNLAWFUL CARNAL KNOWLEDGE」（'91年）、「BALANCE」（'95年）と、更にレベル／完成度の高いアルバムを連発していったんですよね。勿論、唯一のライヴアルバム「LIVE : RIGHT HERE, RIGHT NOW.」（'93年）も含めてね。俺が初めて彼らのライヴに足を運んだのも、サミー在籍時だし。残念ながらデイヴ在籍時は'70年代末に来たっきりで、俺がまだ洋楽を聴くようになる前の話だからね‥‥しかも初めてVAN HALENのライヴに行ったのって、「BALANCE」でのツアーだから‥‥'95年、俺がVAN HALENを聴くようになってから10数年、この「5150」が発表されてからも9年経ってるんですよ‥‥ま、それ以前に彼ら、殆ど日本に来なかったですからね。何せ'80年代に来日したのは、'89年初頭の東京ドーム公演だけですからね（！）。

デイヴ時代の作品が全部リマスターされているにも関わらず、どういうわけかサミー時代の作品はまだ公式にリマスター化されてないんですよ。特に'80年代の2枚（「5150」と「OU812」）は絶対にリマスターすべきだと思うんですが‥‥もっと迫力あるサウンドで聴きたいですからね（正直、今出てるCDの音は、当時のアナログ盤のそれと比べても全然迫力が足りないんですよ。元々音圧が薄いバンドなだけに、余計なんですよね）。

果たして、今度のVAN HALENは本当にサミー・ヘイガーが出戻るのか、そして新曲は「5150」等の名作に匹敵するだけのものなのか‥‥過度に期待して待ちたいと思います！

▼VAN HALEN『5150』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD）

BOØWY『BEAT EMOTION』（1986）

今行っているアンケートで「あなたの初めて買ったCDは？」というのを募集してるんですが、日記にも書いた通り、俺が最初に自分の小遣いで買ったCD、それがこのBOØWYの5枚目のアルバム『BEAT EMOTION』でした。恐らく現在手元にあるCDの中で最も長い期間所有してるのがこれです。なので、スキャンしたジャケットも結構年季が入ってますし（至る所に汚れが目立つという。白地だから余計目立つんだよね）‥‥ま、そこに愛着を感じちゃうんですけどね。

このアルバムがリリースされた86年、BOØWYは3枚のアルバムをリリースしました。この年の3月に4作目『JUST A HERO』を発表し、それがオリコン・アルバムチャートで初登場4位を記録。更に「夜のヒットスタジオ」（当時フジテレビ系列で放送されていた音楽番組）に「わがままジュリエット」で初出演する等、一般層への知名度もだんだんと高くなりつつある中、いよいよ初の武道館公演が実現。ここであの名言「ライヴハウス武道館へようこそ！」が飛び出すわけですね。で、その模様を収めたライヴアルバム『GIGS』が夏に限定発売され、即完売。数年後にリイシューされるまで、長きに渡って高値で取引された一品でした（ちなみに俺、アナログで持ってるんですが、CDとなると更に高値だったみたいですね。まだそんなに流通してなかった時期だしね）。そして秋、この『BEAT EMOTION』からの先行シングル「B・BLUE」が発表され、初のトップ10入りを果たしてしまうのです。この時も確か「夜のヒットスタジオ」には出演したと記憶してますが、「ザ・ベストテン」等のチャート番組への出演は拒否。その年暮れに放送された「MERRY X'MAS SHOW」という特番には吉川晃司と共演（THE DAMNEDバージョンの「Help」をカバー）しましたが、結局翌年末の解散に至るまで、その後一切テレビへの出演はなくなります。

そんなシングルヒットの中、発表されたこのアルバムがいよいよチャートで1位を取ってしまうわけです‥‥所謂「BOØWY現象」にここで完全に火が点いてしまうわけですね。それまで一部のロック好きしか知らなかった彼等の名前を、普段ヒットチャートものしか聴かない人達までもが「BOØWYってカッコイイよね！」と言い出すようになるんですから‥‥ロックがまだお茶の間に馴染んでなかった時期の話ですよ。今の10代の子達には到底想像できないでしょうけど、そういう時代があったってことですよ。

さてさて、作品としてのこのアルバムなんですが‥‥実は俺、これが一番好きってわけでもないんですよね（苦笑）。ま、思い入れというか思い出は一番詰まってるアルバムなんですが、熱中度の点でいえば多分点下から数えた方が早いくらいでして。一番好きなアルバムとなると、実はこの1枚前の『JUST A HERO』なんですが（鼻先程の次点がセカンド『INSTANT LOVE』で、次がファースト『MORAL』かな？）‥‥まぁBOØWYのアルバムで一番最初に取り上げるなら、こういう企画もあることだしやっぱりこれかなぁ‥‥なんて思いまして。

東芝EMI移籍後‥‥再デビュー作である3作目『BOØWY』以降、2作連続で佐久間正英（四人囃子やプラスティックスのベーシストとして70～80年代前半まで活躍後、プロデューサーとして活躍。現在ではGLAYを手掛けてることでお馴染みですよね）が携わってきたわけですが、この『BEAT EMOTION』でいよいよ完全なる布袋寅泰体制がスタートするわけです（サウンドプロデュースと全楽曲のアレンジャーとして彼の名前が記載されています）。非常に機械的なエフェクトがかかったドラムサウンド（全然生っぽくないんですよね）、いろんなエフェクターを通したギターサウンド（ソロ以外は思った程歪んでないんですよね）、多用されるシンセやシーケンサー‥‥その後の布袋ソロサウンドの一端をかいま見せてくれています。

しかし、完全なる「布袋アルバム」にならなかったのは、やはり氷室京介のクセの強いボーカルによるものが大きいからですよね。俺ね、ヒムロックってBOØWY時代は全然嫌味なく聴けるんだけど、ソロになってからのこの人ってどうしても‥‥ボーカルのアクが強すぎて、曲の弱さが目に付いちゃうというか‥‥どれも同じに聞こえちゃうわけ。そういう意味では布袋の書く個性的でポップなメロディにヒムロックの声が乗って更にその魅力が増す‥‥そのマジックみたいなものが確実にあったわけですね。それはこのナンバー1アルバムでも十分に味わうことが出来ます。

久し振りにクレジットとかに目を通してみたら新たな発見が。ホッピー神山が参加してるのは知ってたんだけど（後に山下久美子のバックを共に務めたし、布袋ソロ1枚目でもヘルプしてたしね）、まさか松武秀樹の名前を発見するとは‥‥YMO絡みの人ですよね。これ、当時全然気づかなかったなぁ。何で気づかなかったんだろう？

バンド後期、ライヴで常に演奏され続けた曲が多いのもこのアルバム。シングルヒット「B・BLUE」や「ONLY YOU」は勿論、「WORKING MAN」や「BEAT SWEET」、『LAST GIGS』にも収められた「DRAMATIC? DRASTIC!」等、ホントいい曲が多いんですよね。ラストアルバムとなった『PSYCHOPATH』への伏線となったともいえるミディアムメロウな「DON'T ASK ME」「RAIN IN MY HEART」とか、シャッフルビートが気持ちいい「DOWN TOWN SHUFFLE」、初期の攻撃的な色を感じさせるアッパーな「NOISE LIMITTER」、バラード「B・E・L・I・E・V・E」等々‥‥ホントにポップで耳に残る曲ばかり。改めて聴いてみて‥‥そんなに悪くないじゃんこれ。いや、昔より好きになったかも（いや、元々嫌いだったわけじゃないよ。当時の趣味から外れつつあったってだけで）。つうかさ、ソロになった布袋はどんどんマニアックなんだけど下世話な方向へ進んでるみたいだけど、こういう正攻法はもうやってくれないのかなぁ‥‥COMPLEXや「ギタリズム」路線で打ち止めなのか？　いや、今が悪いってわけじゃないんだけど‥‥それに決して「ボウイを再結成しろ」っていう意味でもないのね。だって正直観たくないもん、BOØWY再結成されてもさ。ま、ステージ上にヒムロックと布袋が並ぶ姿は観てみたいんだけど。BOØWYとさえ名乗らなければね。

結局さ、良くも悪くもその後の「バンドブーム」の教科書的な存在となってしまったこのアルバム。氷室本人も「『JUST A HERO』で終わっていたら、バンドとして綺麗だったよね」と言ってるように、もしかしたらそれ以降の作品‥‥『BEAT EMOTION』や『PSYCHOPATH』‥‥は蛇足だったのかもしれない。けど、その2枚があったからこそ、BOØWYはあれから15年以上も経った今でも語られることが多いのも事実。その辺の評価は人によって変わってくるだろうけど、俺はこれをリリースして正解だったと思います。そして、このアルバムに対する反動ともとれる『PSYCHOPATH』もね（ま、好き嫌いはまた別の問題だしね）。

一方、布袋の方は‥‥何だかんだいって彼はこのアルバムを好んでいるんじゃないでしょうか？　後にリリースされた彼のソロシングルにもこのアルバムと同タイトルのシングル曲があるしね。また、布袋のコーラスがやたらと耳に付くようになったのもこのアルバムからだし。そういう意味から、結局はその後の両者のソロ活動への布石となった1枚かもしれませんね。

▼BOØWY『BEAT EMOTION』
（amazon：国内盤CD）

METALLICA『MASTER OF PUPPETS』（1986）

既にHM/HRの枠を超え、「ロックの名盤」として挙げられることも多い、METALLICAが1986年に発表したサードアルバム。プロデュースにはバンド自身と共に、前作『RIDE THE LIGHTNING』でエンジニアを務めたフレミング・ラスムッセンが選ばれ、ミックスには後に「ヘヴィメタル界のプロデュース／ミックスにこの人あり」と呼ばれるようになるマイケル・ワグナー（DOKKENやSKID ROW等で有名）を迎えている、正しく「1986年という時代を象徴する」アルバムとなっています。

このアルバムの何が凄いって、まず最初に一介のスラッシュメタルバンドだったMETALLICAが、米・ビルボードのアルバムチャートのトップ30入り（29位）を果たしてしまったこと。これはいくら当時ハードロックやメタルがもてはやされていたからといっても、まさかスラッシュメタルがチャート上位に食い込むなんて誰も考えていなかったもんだから、さぁ大変。勿論、それまでの地道な活動が認められた結果というのもあるし、このアルバムがメジャー配給になってから初めて制作された作品ということで、プロモートする側も気合いを入れたというのもあるんでしょう。が、実際のところ彼等の凄みは口コミレベルで広まっていったというのが真相のようです。事実、ここ日本でも「何かMETALLICAが凄いらしい」ということで聴き始めたって人が多かったと記憶してます。

そのプロモーションに関しても、シングルカットやPV制作といった宣伝行為は一切なし。完全にツアーオンリー。1986年というMTV全盛期に逆行するかのようなバンドスタイル。これが逆にファンから支持された要因なのかもしれませんね。例えばLAメタル以降、ハードロック系のバンドがシングルをチャート上位に進出させ、またMTVを観ればメタル系のPVがバンバン流れるようになっていた頃、METALLICAはロックバンドの基本であるツアー生活を選択したわけです。

更にこのアルバムの凄みは、全8曲で54分というトータルランニングにも隠されています。1曲約7分前後。8曲中6分を超える曲が5曲（残り3曲は全て5分台）、更に8分台の曲が3曲も収録されています。それもただ長いだけではなく、緩急に富んだ、非常に計算された曲作り・アレンジが成されているのです。初期の彼等に対して「こんなのメタルじゃねぇよ！」と嫌悪感を露わにした純粋なメタルファンは、勢いだけでむしろパンクに近かった『KILL'EM ALL』を敬遠したわけですが、もはやこのアルバムを前にしたら何も言えなくなるんじゃないでしょうか？　これを「様式美」と呼ばず何と呼べばいいの！？

如何にもMETALLICAらしい1曲目「Battery」にしろその曲構成は完全に様式美性を重視したものですし、続く9分近いタイトルトラック「Master Of Puppets」なんて起承転結のハッキリした、まんま様式美メタルですよね。そして前作収録の「For Whom The Bell Tolls」の延長線上にあり、昨今の彼等に比較的近いミドルヘヴィな「The Thing That Should Not To Be」でドンヨリさせ、再び起承転結が素晴らしい様式美ナンバー「Welcome Home (Sanitarium)」では涙さえ溢れそうなギターソロを味わうことができます。ここまでがアナログではA面。

続くB面は再び8分台の疾走スラッシュチューン「Disposable Heroes」からスタートし、鋼鉄リフの嵐が気持ちいい「Leper Messiah」、8分以上に及ぶ様式美性の高いインストチューン「Orion」と続き、最後は勢いで押しまくる高速スラッシュナンバー「Damage, Inc.」で終了。音楽性の高さを重視しながらも初期から続くスラッシュ路線はそのまま維持している辺りはさすがだし、何よりも各メンバーの演奏力・表現力が格段に向上してるのが手に取るように判ると思います。

間違いなくここで彼等はスラッシュメタルバンドとしての「ひとつの未来」を表現したのです。結果、後続達は更に模倣に走ったり、あるいは違った角度から攻めたりして「未来のその先」を見つけ出そうと試行錯誤を繰り返していくのです。しかしこのアルバムの登場が結局スラッシュメタルというジャンルの寿命を早めたのは間違いなく、その後は更に拡散方向へと進んでいくことは誰に目にも明らかでした。

そんな中、スラッシュ四天王と呼ばれた他の3バンド、SLAYERは更にエクストリームな方向へ突き進み、名盤中の名盤『REIGN IN BLOOD』を生みだし、MEGADETHは古巣（デイヴ・ムステインはデビュー前のMETALLICAメンバーだった）を横目にジャズやフュージョン等の要素を取り入れた「インテレクチュアル・スラッシュ」なる更に複雑な方向へと足を踏み入れ、ANTHRAXは地元ニューヨークのストリートに根ざしたスケーターズ・ロック的な身軽さで、ヒップホップの要素をいち早く取り入れたり等して、それぞれ独自の道を進んでいくのです。しかし、そのどのバンドにもいえるのは、ヘヴィメタル以外の何ものでもないという事実。これを前提に彼等はそれぞれの道を進んでいくのでした。

そんな中、この名盤を引っ提げて、いよいよMETALLICAは1986年秋に初来日を果たすのですが……この直前に、その後の運命を大きく変える悲劇がバンドを襲います。デビュー前からのベーシストでありソングライティングの一端を担う、ベーシストのクリフ・バートンの事故死。来日する直前の出来事でした。しかし彼等はその悲劇をも乗り越え、即座に新しいベーシストを捜し、その後15年近くに渡りMETALLICAを支えることになるジェイソン・ニューステッドが加入することになるのです。そしてジェイソンを迎えた布陣での来日公演。中野サンプラザで観た彼等は衝撃以外の何ものでもありませんでした。1曲目の「Battery」、たった1曲でこの俺の人生を台無しに、いや、大きく変えてしまったのですから。

▼METALLICA『MASTER OF PUPPETS』
（amazon：国内盤）

BON JOVI『SLIPPERY WHEN WET』（1986）

このアルバムを切っ掛けに彼等を好きになったという20代後半以上の人は多いのではないだろうか？　当時洋楽を聴いていた人のみならず、普通の邦楽しか聴かないような人をも巻き込んで大ヒットした、名作中の名作。86年８月リリース。再びここ日本からツアーがスタートしたために、またしても他国より１ヶ月先行で発売された。プロデューサーには当時LOVERBOYやBLACK'N'BLUEを手掛けていたブルース・フェアバーン、ミックスにはその門下生のボブ・ロックという、このアルバムを切っ掛けに超一流になったスタッフを起用。またソングライターチームもバンドメンバーだけにとどまらず、デズモンド・チャイルドという職業ソングライター（KISS「I Was Made For Loving You」等で既に有名だった）との共作を開始し、「純粋にいい曲」という1stアルバムの課題と「ロック比重」という2ndアルバムの課題を見事にクリアした、完全無欠のアルバムが完成した。シングルとして「You Give Love A Bad Name」（米１位）、「Livin' On A Prayer」（米４週１位）、「Wanted Dead Or Alive」（米３週７位）、「Never Say Goodbye」（米以外でシングルカット。英21位）をリカット、アルバムも発売３ヶ月で１位を記録し、その後８週間１位に居座った。当時だけでも800万枚という、ロックとしては（勿論HM/HRとしても）異例のモンスターヒットを記録した。

ちにみにこのアルバム、日本と欧米とではジャケットが違う事でも有名だ。現在の日本盤ジャケットは本来正式なジャケットとして採用されるはずだったが、「エロティックすぎないか？」という事でアメリカやイギリス等では別のジャケットに差し替えられた。ちなみに本来のジャケットが採用されたのは、日本とフランス、その他数カ国のみと聞いている。差し替えジャケットは、ジョンが濡れた車のボンネットにアルバムタイトルを指でなぞっただけという代物。けどこっちのが格好よくねぇか？

純粋にいい曲が10曲詰まったいいアルバム‥‥これ以上何を言えばいい？　BON JOVIがこのアルバムで歴史を、全ての流れを変えてしまったのは紛れもない事実だ。折からのLAメタルブームが一段落しようとした時に、彼等はこのアルバムで勝負に出た。当時アルバムを聴いたレコード会社スタッフが「これは凄い！　トッププライオリティ（レコード会社が世界的に売り出すためにイチ押しする事）に押そう！」と考えたのも納得がいく。しかしそれまでの流れを考えると、誰もBON JOVIごときがトップを取るなんて考えてもみなかっただろう。そういう意味では躊躇した、とも聞いている。

しかし、たった１曲のビデオクリップが全てを変えたのだ‥‥「You Give Love A Bad Name」である。このビデオとDAVID LEE ROTH「Yankee Rose」のPVがその後のPVの作りを根本から変えてしまったのだ。派手なステージセットを使った疑似ライヴを収めた内容。これを観た多くのキッズがライヴ会場に足を運びたくなるような、レコードを欲しがるような内容。まだBON JOVIは前座で回る事が多かったので、自分達のセットなど持っていない。そう、全てはビデオのためだけのものなのだ。これはある意味賭けだったとも言える。しかし彼等はその勝負に勝ったのだった。

興味深い話をひとつ。このアルバムに収録された「Wanted Dead Or Alive」は、その後のHM/HRシーンのみならず、音楽の流行さえをも決定づけてしまった１曲だ。この曲の大成功により、「HM/HRでのアコースティック・ギターの導入」「カウボーイ的イメージ」というひとつの成功への鍵みたいなものを生みだした。その結果、多くのバンドがこの点を踏まえた上で成功を収めた。POISON、CINDERELLA、WARRANT等々。HM/HRバンドがバラードでヒットするということは一種貧弱なイメージを与えかねない。しかし、成功を目標とするバンドとしては背に腹は代えられない。

そうこうしてるうちに、これに目を付けた業界人もいる。BON JOVIの成功によってアコースティック・ギターが再び脚光を浴びた結果、アコギが再び売れるようになった。そしてMTVは89年に「アンプラグド」という番組を始めた。一流人気アーティストにアコースティック・ライヴをやってもらうのだ。この番組からエリック・クラプトンの大ヒットアルバムも生まれた。事実、この番組のプロデューサーは番組のアイディアとして「Wanted Dead Or Alive」の成功を挙げ、番組第１回目のゲストとしてBON JOVIに出演をオファーしている。しかし彼等が実際に出演するまでには、その後３年を要する事となった。

内容に関しては多くを言うまい。未だにライヴで半数近くの曲が演奏されている事からも判るだろう。あくまでギターを中心に置き、それを見事にフォローアップするキーボード。とにかくギターが前２作とは比べものにならないくらい、いい。音質もクリアだし、適度にヘヴィ。軽すぎず、重すぎず。当時大ヒットしていたブルース・スプリングスティーンの『BORN IN THE USA』やブライアン・アダムス『RECKLESS』をもっとハードにしたような内容で、HRに疎い人にも取っ付きやすい作りとなっている。

▼BON JOVI『SLIPPERY WHEN WET』
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