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このエントリーは今年1月から6月にかけて筆者のインスタアカウントで不定期連載してきた、ハッシュタグ「#プリンス三昧」付きのプリンス全スタジオアルバム（一部関連作品やコンピ盤、リミックス盤なども含む）55回分の投稿を、時系列（リリース年月）順に再構成してまとめたものです。第1回はこちら、第2回はこちらからご覧ください。

第3回はレーベルとの関係がこじれた最初の過渡期である1991年〜1995年に発表した10作品についてです。

PRINCE & THE NEW POWER GENERATION『DIAMONDS AND PEARLS』（1991）

1991年10月1日リリースの13thアルバム。前作の一部でお披露目されていたTHE NEW POWER GENERATIONを携えての1作目。

過去2作での過渡期を経て新時代に突入した感の強い、ポップで開放的な楽曲多数。それもあってか本作からは生前最後のシングル1位を獲得した「Cream」を筆頭に「Diamonds And Perls」（3位）、「Gett Off」（21位）、「Money Don't Matter 2 Night」（23位）、「Insatiable」（77位）と久しぶりにヒット曲を量産。アルバム自体も最高3位、200万枚以上を売り上げる、新たなディケイドの幕開けに相応しい1枚となりました。

刺激は少ないかもしれないけど気づくと手を伸ばしている良盤。『PURPLE RAIN』同様の入門編的作品かな。

▼PRINCE & THE NEW POWER GENERATION『DIAMONDS AND PEARLS』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

PRINCE & THE NEW POWER GENERATION『LOVE SYMBOL』（1992）

1992年10月13日リリースの14thアルバム。正式タイトルはジャケットにデカデカと掲載されている記号なので表記できず。一般的には「LOVE SYMBOL」などと呼ばれており、日本盤も『ラヴ・シンボル』と銘打って発売されました。

THE NEW POWER GENERATIONを携えての2作目となりますが、前作と比べたら大衆性は薄いのですが、だがそこがいい。だってオープニングからある種のジャイアニズム炸裂の「My Name Is Prince」（36位）、2曲目が「Sex MF」（66位。MFはもちろんMother Fxxkerのこと）ですからね（笑）。嫌いになる要素がまったくない。大衆性が薄いものの、しっかりと「7」（7位）というポピュラリティの高いヒット曲もしっかり用意されている。全体的にノリで気持ちよく楽しめる1枚ではないでしょうか。

しかし、これ以降再び模索の時期に入るんですよね。1年に新作1枚ペースはひとまずここまで。

▼PRINCE & THE NEW POWER GENERATION『LOVE SYMBOL』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

THE NEW POWER GENERATION『GOLD NIGGA』（1993）

1993年8月31日リリースの、THE NEW POWER GENERATION名義の1stアルバム。当時、ライブ会場などで限定販売されたレアな作品。

この年、プリンスはデビューから所属してきたワーナーとの関係を終え、6月には「シンボルマーク（The Artist Formerly Known as Prince）」を新たな名前として掲げます。『LOVE SYMBOL』と前後して制作されたものの、リリースは1年後。ということは、タイミング的にプリンスという名前を一時的に捨てていた頃。PRINCE & THE NEW POWER GENERATION名義ではないので、本作では殿下の名前はクレジットされていませんが、楽曲はほぼ殿下が手がけたものでギターやコーラスなどのレコーディングにも参加しています。

空気感的には先の『LOVE SYMBOL』やその前作『DIAMONDS AND PEARLS』の延長線上にあるジャズファンク／ヒップホップサウンドなので、殿下ファンはもちろんこの頃の彼の作品が好きな方なら安心して楽しめる内容。ただ、殿下のあの声あってこそと感じる方には物足りなさもあるかも。THE TIMEなどファミリー作品として触れるのが一番かな。

ちなみに本作はサブスク配信なし。CD自体も廃盤状態で、殿下の関連作品ではもっとも入手困難な1枚と言われています。

▼THE NEW POWER GENERATION『GOLD NIGGA』
（amazon：海外盤CD）

PRINCE『THE HITS / THE B-SIDES』（1993）

1993年9月14日にリリースされた、プリンス初のベストアルバム。

その一方で、ワーナー側は契約消化の意味も兼ねて1978年から1992年までのプリンスのキャリアを総括する、『THE HITS 1』『THE HITS 2』と題した2枚のベスト盤を制作。それぞれにヒット曲を振り分けつつ、各アルバムに未発表曲/テイクを2曲ずつ収録。また、その2枚をまとめた『THE HITS / THE B-SIDES』はシングルでしか聴けなかったアルバム未収録曲をまとめ、さらに未発表を2曲を追加したボーナスディスク付きCD3枚組仕様。要は3枚組を買えってことですねわかります（笑）。プリンス本人が望んでないベストであることは当時から理解できていたけど、やはりB面集欲しさに買っちゃいますよね。

本作の目玉はようやく世に出た本人歌唱の「Nothing Compares 2 U」（ライブバージョンだけど）。これだけで十分です。シングル曲は「Kiss」のシングルバージョン（フェードアウトするやつ）が初収録なのが嬉しいくらいで、あとは無駄に短縮されたエディットにイライラするので無理して聴かなくてもいいかな。部屋で流しっぱなしにする分にはちょうどいいアルバムですが。

▼PRINCE『THE HITS / THE B-SIDES』
（amazon：国内盤3CD / 海外盤3CD / MP3）

PRINCE『THE BEAUTIFUL EXPERIENCE』（1994）

1994年5月17日にリリースされたEP。番外編的な1枚。サブスク未配信。

ワーナーと揉めまくってるタイミングの1994年は、真の意味での過渡期。プリンス名義ではなくあの変な記号（笑）名義で自身のレーベルから発表されたこのEPは、当時のヒット曲「The Most Beautiful Girl In The World」（3位）をネタにいろんなバージョンを作って1枚にまとめたもの。サビの名フレーズだけは共通しているものの、どれもらしいアレンジが施された似て非なるものに仕上がっていて、かつシームレスな構成なのでちょっとしたコンセプトアルバムのようにも聞こえる。なので最後にオリジナルバージョン（シングルと同テイク）がくると、なぜかホッとするという。全7トラックで33分というトータルランニングもちょうどいい。

日本盤は当時（確か）エイベックスから出ていて、さらに2曲追加されて44分くらいの尺なので、もはやフルアルバム並み。ただ、追加されたテイクは蛇足気味の内容かな。

そもそもこの曲、盗作疑惑でしばらくデジタル配信されてなかったんですよね（現在は解決済み）。それもあって本作は現在も復刻企画やサブスク配信をスルーされてるのかな。まあそこまで重要な1枚ではないという判断もあったんだろうけどね。

▼PRINCE『THE BEAUTIFUL EXPERIENCE』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ）

V.A.『1-800-NEW-FUNK』（1994）

1994年8月12日にリリースされたコンピレーションアルバム。サブスク未配信。

殿下がシンボルマークへ改名した際に立ち上げたNPG Recordsのカタログ的コンピ。当時は日本盤もリリースされました（海外盤にリミックス数曲追加した仕様）。プリンス名義の楽曲は当然ながら未収録で、ジョージ・クリントンやマイテ、メイヴィス・ステイプルズのほか、殿下が携わるTHE NEW POWER GENERATIONやMADHOUSEの楽曲、さらにはMINNEAPOLISという謎のユニットの新曲も収録。実はこのMINNEAPOLIS、殿下や彼と関わりの深いメンバーたちによる覆面ユニットだったりします。

あと、「Love Sign」はノーナ・ゲイと殿下のデュエットソングですし、それ以外にも多くの楽曲を殿下が執筆しているので、90年代半ばの殿下（とその仲間たち）の空気に触れるという意味では副読本として役立つかも。必聴盤とは言い難いものの、全オリジナルアルバムを網羅し、なおも殿下を掘り起こしたいという方にはオススメしてもいいのかな。なお、例によって本作も国内サブスク未配信。海外でもTidalでしか確認できないですが、CD自体は中古盤屋をこまめに回れば意外と簡単に（かつ安価で）見つけられるはずです。

▼V.A.『1-800-NEW-FUNK』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD）

PRINCE『COME』（1994）

1994年8月16日にリリースされた15thアルバム。

オリジナルアルバムとしては『LOVE SYMBOL』から2年振りですが、プリンス名義で発表された本作はジャケットにある「1958 / 1993」の表記が示すように、ある種の遺作（契約消化のための1枚）。実際、内容はかなりダーク＆エロティシズム全開で、当時は「あれっ？」と思った記憶が。ただ、今聴くと11分超のオープニングトラック「Come」からしてシビれる展開。殿下がリアルタイムでやりたい・表現したいものとは乖離していたのかもしれないけど、時間が経過して何周もしたことで不思議とジャストで響いているような気が。今回の全作振り返りで一番の収穫でした。

▼PRINCE『COME』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

PRINCE『THE BLACK ALBUM』（1987 / 1994）

1994年11月22日にリリースされた16thアルバム。サブスク未配信。

1987年末発売予定だった幻の1枚が、『COME』の3ヶ月後にようやくリリースに。とはいえ、これも先のワーナーとの契約消化によって正式リリースが実現したのかなと。実際、当初の発売スケジュールから7年も経っていたため、1994年当時すでに若干の古臭さもあったし、散々騒がれたもののそこまで名盤か？という疑問もあったなあ。そういう意味では、あえて限定リリースにしたのは納得かも。

とはいえ、昨今の再発ムーブの中に本作が含まれていないのは如何なものかと。早くサブスクでも聴けるようにして、西新宿を回って海賊盤を探した90年代初頭の記憶を決していただきたい（笑）。

▼PRINCE『THE BLACK ALBUM』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ）

THE NEW POWER GENERATION『EXODUS』（1995）

1995年3月27日にリリースされた、THE NEW POWER GENERATION名義での2ndアルバム。サブスク未配信。

全21トラックと一見ボリューミーながらも、歌モノは10曲（残りはインタールード）。発売は半年近く早いものの、制作は『THE GOLD EXPERIENCE』と並行して実施されており、それもあってか音的にはオーソドックスなファンクやソウルが中心。殿下の名前は再びクレジットされていないものの、全曲のソングライティングとベース（さらに一部楽曲の加工ボーカル）で参加しています。当たり前だけど、どれも殿下が歌っても成立する曲ばかりで、前作ほどの弾けっぷりは感じられないこともあり、聴きやすさは前作以上。ということもあり、前作が気に入った方には少々物足りないかも。

前作同様、今作も一般流通しなかったので現在は入手も非常に困難。そろそろここへんのワークスも配信解禁してほしいんだけどねえ。

▼THE NEW POWER GENERATION『EXODUS』
（amazon：海外盤CD）

PRINCE『THE GOLD EXPERIENCE』（1995）

1995年9月26日にリリースされた17thアルバム。

本人が望んだ純粋なオリジナルアルバムとしては『LOVE SYMBOL』l以来3年振りか。ということもあって、かなりバランスに優れた内容でキャッチーな良曲満載。ダーク期をようやく抜けた印象もあるんだけど、まだ前レーベルからの流通とあってか全力全開にまでは至ってないかな。

前年のヒット曲「The Most Beautiful Girl In The World」（3位）が正式にアルバム収録されたほか、「Eye Hate U」（12位）や「Gold」（88位）といったヒットシングルも含まれており、比較的聴きやすい内容にも関わらず大きなヒットに繋がらなかったのは、一連の揉め事も影響したか。ただ、日本では「Endorphinmachine」が某格闘技中継で使用されたこともあって。それなりに売れた記憶が。

▼PRINCE『THE GOLD EXPERIENCE』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

当サイトではかつて『1991 in HR/HM & Alternative Rock』というエントリーを公開しています。これは過去数年メインストリームだったHR/HMがグランジと入れ替わる絶妙なタイミングとなった1991年の音楽を、当時の世相とともに振り返りながらサブスクで聴いていくという内容でした。で、これと同じようなエントリーを1994年版で作ろうかと思っていたのですが、まとめながら歴史的観点（音楽以外を含む）ではそこまで大きくないような気がしまして……。

で、同じタイミングにこちらのイベントのためにプレイリストを共同制作していたのですが、その流れで「これを年代別に作ってみたいな」と思うようになり。だったら先の1994年までを年間プレイリストで辿っていくのはどうかな、という考えに至ったわけです。

ちゃんと始めるなら何年からがいいのかな……と熟考したところ、やはりNWOBHMが勃発したと言われる1980年から1年区切りで辿っていくのがいいんじゃないか、ということで、ここ数ヶ月ちまちまと作業しておりました。で、先ほど最後の1年となる1994年のプレイリストを完成させたので、こうしてエントリーとしてまとめるに至りました。

ぶっちゃけ、考察もなにもないです。これらを年代順に聴いていくことでそれぞれ見えてくるもの、気づくことは間違いなくあるでしょう。僕から「これがこうだから、こうなった」なんて細かいことはあえて言いませんが、もし何か付け加えるとしたら……意外とサブスク上に存在しない重要作品や楽曲が欠けているという事実と、HR/HMというジャンルが80年代後半からどんどん拡大していき、リリースアイテムも格段と増えたこと。例えば100曲でまとめる際、1980年と1994年とではその数に差がかなり出てしまったこと（1980年はHR/HMの絶対数が少なく、本来なら取り上げたいNWOBHMの名曲もサブスク上に存在せず、結果として無理やりパンクからの派生や1アーティストから2曲選んだりしている。一方で1994年のアイテムは国内外含め200曲近く集まり、そこから削っていくのにひと苦労した）。かつ、ジャンルとしてもどんどん洗練されていき、主流となるサウンドの方向性もどんどん変化していることにも気づくはず（結局言ってるし）。あと、90年代以降の音楽は今聴いても古さを感じないけど、80年代前半はまだ70年代の延長にあるんだなと再認識させられました。いろいろ面白かった。

ということで、ここから1年単位で作ったプレイリスト（各100曲）。それぞれ7〜8時間とかなり長尺ですが、暇なときにでもダダ流ししながらお楽しみいただけると幸いです。

■1980年

■1981年

■1982年

■1983年

■1984年

■1985年

■1986年

■1987年

■1988年

■1989年

■1990年

■1991年

■1992年

■1993年

■1994年

1994年8月23日にリリースされたTESLAの4thアルバム。日本盤は同年9月21日発売。

全米13位まで上昇し、100万枚以上を売り上げた前作『PSYCHOTIC SUPPER』（1991年）から約3年ぶりの新作。BAD COMPANYやGIANT、3 COLOURS REDなどを手がけたテリー・トーマスを初めてプロデューサーに迎えて制作された、メジャーレーベルGeffen Recordsからの最終作となります。

前々作『THE GREAT RADIO CONTROVERSY』（1989年）からのバラードシングル「Love Song」、およびアコースティックライブアルバム『FIVE MAN ACOUSTICAL JAM』（1990年）の大ヒットの反動からか、前作『PSYCHOTIC SUPPER』は全体を通じてハードな仕上がりでしたが、続く今作も基本的な作風はその延長線上にあると言っていいでしょう。ただ、前作は「Edison's Medicine」といったファストチューンがリードシングルであったりアルバム序盤に配置されていましたが、今回はひたすらヘヴィなミドルテンポで攻めるという潔さ。時代的に80年代後半に登場したヘアメタルバンドが駆逐され、代わりにグランジ勢やPANTERAをはじめとするモダンヘヴィネスが台頭したことも、そうした作風に影響を与えたのかもしれません。

ドラマチックな組曲「The Gate / Invited」、転調からのツインリードソロという王道ヘヴィメタル的アレンジの「Shine Away」など、序盤からかなり熱のこもった楽曲がずらりと並び、「これは軽く前作超えでは？」と掴みもバッチリ。個人的には1stアルバム『MECHANICAL RESONANCE』（1986年）や2ndアルバム『THE GREAT READIO CONTROVERSY』をよりモダンに進化させた、という印象を当時持った記憶があります。

LED ZEPPELIN的なヘヴィグルーヴの「She Wants She Wants」や「Mama's Fool」、彼ららしいクセの強いコード使いが印象的な「Action Talks」や「Earthmover」、正統派ハードロックバンドらしいアップチューン「Cry」、エピカルな側面を強めた「Rubberband」、そして単なるパワーバラードで終わらない「Try So Hard」や「Need Your Lovin'」「Alot To Lose」など、1曲1曲のクオリティは非常に高い。過去3作での経験をより高い純度で昇華させた、充実度の高い楽曲群を前にしたら、本作こそTESLAの最高傑作と言いたくなってしまはずです。

もし、本作に対して難癖を付けるとしたら、全14曲／約70分の大作であること（日本盤はさらにLED ZEPPELIN「The Ocean」カバーを追加）。全14曲中7曲が5〜6分台と長尺で、かつ1曲の密度も高い。前作『PSYCHOTIC SUPPER』も全13曲で約68分と長尺な作品でしたが、今作も同様にすべてを咀嚼するまでに相当の時間を要しました。特に、よりシンプルな方向へとシフトしていた90年代半ばにおいては、時代に反した1枚だったこともあり、セールス的には過去3作には及ばず。全米20位／50万枚と彼らにしては低調で終わり（それでも、この手のバンドにしては当時大健闘だったのですが）、先に述べたようにデビューから在籍したGeffen Recordsとの契約はここで終了してしまい、トミー・スキーオ（G）もバンドを脱退。1996年にはバンド解散を余儀なくされます。

前作のときにも「これ、10曲に絞ったらもっとキュッと絞まったいいアルバムになったのに」と感じましたが、それは今作も同様でした。ただ、今回は前作以上に捨て曲皆無の仕上がりだっただけに、本当にそこだけが残念なんですよね。

▼TESLA『BUST A NUT』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤カセット / MP3）

1994年1月18日にリリースされたZZ TOPの11thアルバム。日本盤は同年2月23日発売。

『GREATEST HITS』（1992年）を挟みつつ、オリジナルアルバムとしては“三部作”最終章の『RECYCLER』（1990年）から3年3ヶ月ぶりの新作。70年代末から在籍してきたWarner Bros.を離れ、新たに契約したRCA Recordsからの1作目となります。

前々作『AFTERBURNER』（1985年）以降の“デジタル”路線を引き継ぎつつも、本作ではそれが主になることなくあくまで味付け程度。楽曲自体はここ数作の延長線上にあるものの、不思議とハードロック色が強いように感じられ、冒頭の「Pincushion」や「World Of Swirl」などは適度なデジタル色が加わることでダイナミックに響く。スローブルース「Breakaway」もこのテイストで聴くと、クールさが際立つ印象があります。あれ、いいじゃんかこのアルバム。

80年代の彼らのアルバムはその方向性ゆえにか、音像的に軽さが気になってしまい、大音量で聴いたときの気持ちよさがイマイチだったのですが、本作はその点が解消されているのが大きなポイント。ドラムの鳴り含め低音が強調されており、やっている音楽自体はオーソドックスで古臭いはずなのに、リリース当時のほかのロック／ハードロックと比べても引けを取らないほど良質な音像で、『AFTERBURNER』や『RECYCLER』以上にモダンな作品だなと当時感じていました。

その印象はリリースから30年経った今も変わることなく、彼らの諸作品の中でも非常に高品質な1枚として挙げられます。楽曲のメジャー感は『AFTERBURNER』やそのひとつ前のメガヒット作『ELIMINATOR』（1983年）には及ばないものの、適度なポップさを備えた“大人の泥臭いハードロック”という点においては完成の域に達している。80年代の三部作を経て、それまでのイメージに縛られることなく次の一歩を踏み出したという点においても、本作は非常に画期的な1枚だったのではないでしょうか。

セールス的には全米14位と過去作ほどではなかったものの、ZZ TOPがアメリカでミリオンヒットを飛ばしたのは本作が最後。また、次作『RHYTHMEEN』（1996年）以降は泥臭さや渋みをより強めていくことになるという意味でも、本作はMTV世代が親しみを持って接することができる“最後の”良作なのかもしれません。もちろん、『RHYTHMEEN』以降もカッコいいのでオススメですけどね。

▼ZZ TOP『ANTENNA』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / MP3）

1994年10月4日にリリースされたACCEPTの10thアルバム。日本盤は同年11月2日発売。

ウド・ダークシュナイダー（Vo）、ウルフ・ホフマン（G）、ピーター・バルテス（B）、ステファン・カウフマン（Dr）という黄金期の4人が再び集結し制作した前作『OBJECTION OVERRULED』（1993年）に続く1枚。常にツインギター編成で活動してきた彼らでしたが、再結成後はライブにおいてもシングルギター編成だったこともあり、本作でもそのスタイルは継続。前作以上にシングルギターで聴かせるアレンジが施されています。

しかし、それ以上に本作が独特な作りなのは、その楽曲／サウンドのテイストの違いでしょう。1994年という時代もあってか、本作で聴くことのできる方向性はそれまでのオールドスクールなHR/HMとは一線を画する、グランジ以降のシンプルなアレンジ、およびMETALLICAやPANTERAを通過したグルーヴメタルを踏襲した路線。オープニングを飾るタイトルトラック「Death Row」の作風に、多くのリスナーが当時腰を抜かしたものです（笑）。

あれから30年経った今聴くと、これはこれで面白いなと思えるのですが、当時は時代に迎合したと思われても仕方ないくらいに“今（90年代前半）風”に寝返っており、かつ彼らがこういうスタイルをやっても曲自体が面白くならないという事実が重くのしかかるだけでした。続くアップチューン「Sodom & Gomorra」もそういった傾向を踏襲しつつも、無理に80年代的疾走感を取り入れようとして、メロディにいまいち高揚感が足りない。お家芸といえるクラシックからの引用ギターソロ（ここではハチャトゥリアン「剣の舞」をフィーチャー）はあるものの、全体的にモノトーンで盛り上がりに欠けるアレンジが足を引っ張っている感は否めません。

では、本作が完全なる失敗作かと言われると、まったくそうも言えないんですよ。3曲目「The Beast Inside」では前作までの黄金サウンドが復調している。メロディラインや野郎臭いシンガロングなど含め、彼らに必要な要素がすべて揃っているんです。かと思えば、モダン色を強めつつも従来の彼ららしさが感じられるミドルヘヴィ「Dead On!」、軽快なファストチューン「Guns 'R' Us」、80年代にやっていたことをモダン化させたような「Like A Loaded Gun」と佳曲が続く……「意外」と言っては失礼かもしれませんが……「意外と聴き進めることができる」んです、このアルバム。

アルバム後半もグルーヴメタル的リフを用いながらも従来のACCEPTらしさも混在する「What Else」や「Stone Evil」、のちにカウフマンの健康上の理由からツアーに参加することになるステファン・シュヴァルツマン（Dr）が叩いた「Bad Habits Die Hard」や「Prejudice」、個人的には本作で「The Beast Inside」に次いでお気に入りのアップチューン「Bad Religion」、ジム・ステイシー（Vo）期の楽曲をリメイクした「Generation Clash II」、憂に満ちた泣きのバラード「Writing On The Wall」と、バラエティに富んだ楽曲が揃っている。ただ、ここで終わらせておけばよかったものの、ダメ押しで泣きの「Drifting Apart」とエドワード・エルガー「威風堂々」のカバーというインスト2連発をぶち込み、トータル71分強という我慢大会が展開されるわけです（苦笑）。

本作を駄作にしてしまっている最大の原因は、「歌メロやリフの弱さ」以上に「曲数が多い」ことではないでしょうか。正直、この15曲中5曲は削って、曲順を変えれば平均的な仕上がりにはなったはず（メロやリフの弱さはどうしようもないからね）。オープニングのタイトルトラックで聴き手をふるいにかけるのはいいんですが、そこからダラダラと山場のない楽曲群を聴かされ続けたら、そりゃ誰だって駄作って呼びたくなります。

曲単位では5点中4点を与えられるものがいくつか存在し、残りは2〜3点という残念な1枚ではありますが、先に述べたように嫌いにはなれないし、意外と面白いなという気づきも見つけられる、時間が経ったことで評価が変わりつつある“不運な時代の、不運なアルバム”ではないでしょうか（かといって傑作、良作とも言い難いんだけどな）。

▼ACCEPT『DEATH ROW』
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1994年2月1日にリリースされたGREEN DAYの3rdアルバム。日本盤は同年6月25日発売。

それまでインディーズのLookout! Recordsから作品を発表してきたGREEN DAYが、メジャーのReprise Reocrdsへ移籍して最初に発表した作品。本作からの「Longview」がBillboard Alternative Airplayで1位を獲得したのを筆頭に、「Basket Case」（同チャート1位）、「Welcome To Paradise」（同7位）、「When I Come Around」（同1位）とヒット曲を連発し、アルバムも最高2位まで上昇。セールス的には現在までに1000万枚を超える、キャリア最大のヒット作となりました。

当時のシーンを振り返ると、彼らのメジャーデビューはカート・コバーン（NIRVANA）が亡くなる2ヶ月前のこと。つまり、アメリカで社会的現象を巻き起こしたグランジムーブメントが沈静化する直前のタイミングだったんです。サウンド的にはグランジ同様、シンプルで無駄のないバンドアンサンブルを軸にしているものの、そこに古き良き時代のパンクロックらしいメッセージ性、モノトーンな作風が中心だったグランジから一転して幾分カラフルでポップなメロディが、それまでの反動としてなのか、好意的に受け入れられた。特に、「Basket Case」などのMVで見せるシニカルさはグランジから地続きなところもあったので、すんなりと受け止められたのかなと思っています。

そして、彼らの人気を決定づけた要因のひとつに、1994年8月に開催された野外フェス『Woodstock '94』も挙げられるでしょう。1969年に行われた伝説のフェス『Woodstock Music And Art Fair』の25周年企画として実施されたこのフェスには、METALLICAやAEROSMITH、RED HOT CHILI PEPPERS、NINE INCH NAILSなど当時のアメリカを代表するバンドも多数参加。GREEN DAYは公演3日目（8月14日）のサブステージ（South Stage）の5番手（ちょうど真ん中あたり）に登場し、客席から泥を投げ込まれたり観客がステージに乱入したりとかなりカオスな状況が今でも伝説として語られています。

当時、僕はこのアルバムを買った記憶がまったくないんですが、気づいたらなぜかCDが家にあったんです。当時の友人か彼女が上に忘れていったものかと思ったのですが、思い当たる人たちに聞いて回っても「自分のものじゃない。けど、お前の家でよく聴いてたよな」という返事ばかり。そういう不思議な縁で出会った1枚なんです。もちろん、ラジオで「Basket Case」や「Longview」は耳にしていたし、「Basket Case」のMVも面白いと思っていた。だけど、自分から進んで手にするかと言われたら、当時の自分は購入していなかったんじゃないかな。そういった意味でも、妙な縁でつながった1枚なんです。

また、その頃の自分はパンクといえばUKパンクのイメージが強く、USパンクはそこまで詳しくなかった。せいぜいRAMONESくらいだったかな（さらにそのルーツとなるようなアーティストも聴いていたけど）。だから、アメリカから生まれた新たなパンクと言われても「え、グランジがあるのに？」と消極的になってしまっていた。そう考えると、誰が置いていったのか、このアルバムを我が家に与えてくれたことは価値観をぶち壊す上でもかなり重要なトピックだったと思います。

RAMONES直系のポップでキャッチーなパンクチューンの数々は、そのRAMONES同様に50'sや60'sのUSポップやR&Bとの共通点が見受けられる。だけど、バンドアンサンブルは非常に尖っていて、歌詞に目をやるとグランジにも通ずるネガティブさも見受けられる（もっとも、家にあったのは輸入盤だったので、歌詞を理解したのはもっとあとのことですが）。決して彼らの台頭で時代が激変したのではなく、90年代初頭から続くダークなムードをそのまま引き摺りつつ、怒りの矛先が少しずつ変わっていった。そのターニングポイントを作ったのがGREEN DAYや、同時期にヒットを飛ばしたTHE OFFSPRINGのようなバンドたちだったんでしょうね。

ちなみに、彼らは次作『INSOMNIAC』（1995年）を発表したあと、1996年1月に初来日ツアーが実現。僕は当時晴海にあった会場でのスタンディングライブ（オープニングアクトにHi-STANDARDが出演）で、彼らのステージを初めて目撃しています。当時のエピソードについてはこちらのインタビューにも詳しく載っているので、併せてお読みくださいませ。

▼GREEN DAY『DOOKIE』
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先日ブライアン・アダムスで試してみた、いちアーティストの公式ベストアルバム／コンピレーションアルバムをひとつのエントリーの中で総括する記事のAEROSMITH版です。

AEROSMITHは1973年のデビュー以降、Columbia Records（1973〜1984）→Geffen Records（1985〜1997）→Columbia（1997〜2021）→Universal（2021〜）と移籍を繰り返してきましたが、現在は全カタログの権利をUniversalが取得したことで、今後Columbia／Sony時代の音源もUniversalからフィジカル再発／デジタル配信されることになりそうです。

そういった意味では、ここに記す代表的なコンピレーションアルバムのいくつかは今後、姿を消すことになるかもしれません。それでもこの機会に改めて、ひとつの記録として記事を残しておくのはアリかなと思い、今回の執筆に至りました。

選出したベストアルバムは、レーベル主導によるシリーズ企画（Universalの『THE MILLENNIUM COLLECION』など）を除く、新曲やレア曲などを含む9 10作品。中には廃盤になっていたりサブスクで聴けないものも含まれていますが、ご了承ください。また、すでに単独エントリーで公開済みの作品もありますが、その場合は該当記事のリンクを貼っておきますのでご参考ください。（※2024年8月5日、新たに2023年発売の『GREATEST HITS』を追加した改訂版となります）

『AEROSMITH'S GREATEST HITS』（1980）

1980年11月にリリースされた、バンド初のベストアルバム。

そのタイトルどおり、収録内容はシングル曲を中心にしたもので、アナログ時代ということで全10曲／約38分というコンパクトな内容でまとめられています。また、構成的にもリリース順に並べられているので、いきなり「Dream On」から始まるという曲順はロックバンド的にどうなのかな？という疑問も残ります。

収録曲のうち、「Same Old Song And Dance」「Sweet Emotion」「Kings And Queens」はイントロを短くした“シングル・エディット”バージョンで収録。「Walk This Way」もアルバムバージョンより10秒近く短い形にエディットされています。オリジナルバージョンに勝るものはありませんが、本作リリース当時は70年代の代表的シングル曲をひとまとめに楽しめるアルバムとして、非常に重宝されましたし、80年代後半の本格的復帰以降も『PERMANENT VACATION』（1987年）や『PUMP』（1989年）とともにこのアルバムを愛聴したファンは少なくなかったはずです（注：Apple Musicなど一部ストリーミング配信版は各シングルエディットがアルバムバージョンに差し替えられているのでご注意を）。

また、映画サントラに提供したビートルズのカバー「Come Together」が収録されている点も注目ポイントかな。『LIVE! BOOTLEG』（1978年）ではライブバージョンを先に聴くことができましたが、スタジオテイクがエアロのアルバムに収録されるのはこれが初めて。そこも本作が長く愛された要因のひとつかなと。

なお、本作がリリースされた頃にはすでにバンドの人気も低迷期に突入しており、チャート的には大きな成功を収めることはありませんでしたが、そこから数年後の再ブレイクも手伝い、セールス的には現在までに1000万枚を超えるメガヒット作となっています。

▼AEROSMITH『AEROSMITH'S GREATEST HITS』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / MP3）

『GEMS』（1988）

1988年11月にリリースされたAEROSMITHのコンピレーションアルバム。

『PERMANENT VACATION』（1987年）の大ヒットを受けて、前レーベルのColumbia Recordsが企画したコンピ版で、シングル曲中心でまとめられた前作『AEROSMITH'S GREATEST HITS』と比べるとその内容はかなり地味なもの。ただ、ライブで演奏される機会の多い「Mama Kin」や「Lord Of The Thighs」「Train Kept A-Rollin'」なども含まれていることから、“裏ベスト”的側面の強い1枚かなと。

本作最大の注目ポイントは、『LIVE! BOOTLEG』（1978年）のみで聴くことができた「Chip Away The Stone」の未発表スタジオテイクが収録されていること。この1曲のために当時本作を購入したというファンも少なくなかったはずです。実際、この曲は本作からシングルカットもされ（既存ライブ映像を使用したMVも制作）、ラジオヒットも記録しています。

今のようにサブクスやYouTubeも存在せず、過去のスタジオアルバムにまで手を出せなかった当時の中高生には本作に収録された「Rats In The Celler」や「Nobody's Fault」「Round And Round」「Jailbait」などはかなりカッコよく響いたものです。ここから『ROCKS』（1976年）や『TOYS IN THE ATTIC』（1975年）にも手を伸ばしていったビギナーは80年代後半、かなりの数存在していたはずですから。

コアなファンの中には、先述の『AEROSMITH'S GREATEST HITS』より本作のほうが好きという方も、意外と多かったりして。かくいう僕も本作、大好物ですからね。

▼AEROSMITH『GEMS』
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1994年8月23日にリリースされた、ジェフ・バックリィ生前唯一のスタジオアルバム。日本盤は同年9月8日発売。

1960年代に活躍したSSW・ティム・バックリィの実子として知られるジェフですが、早世だった父親ティム（享年28歳）と同じくジェフ自身も1997年5月29日に30歳の若さで急逝。1993年11月にライブEP『LIVE AT SIN-É』でメジャーデビューしてから、4年経たずしてこの世を去っています。

もちろんリリース当時からそこそこ高い評価を獲得していたこの『GRACE』ですが、やはり1997年の逝去後以降その評価は異常に高まり、現在まで名盤として広く知られることになります。実際、本作リリース時はBillboard 200でも最高149位と低調に終わり、売り上げも50万枚に満たなかった。しかし、その後の評価向上により現在は100万枚を超えるセールスにまで達しています。また、2004年には未発表だったデモ音源などを追加したCD2枚組の“Legacy Edition”も発売。2007年にはなぜかオーストラリアなどでチャート急上昇し、イギリスではシングル「Hallelujah」が最高2位を記録し、アメリカでも同曲がDigital Songランキングで1位という快挙を成し遂げました。

名手アンディ・ウォレス（NIRVANA、SLAYER、ブルース・スプリングスティーンなど）がプロデュース＆ミックスを担当したそのサウンドは、オルタナ／グランジを通過した非常に90年代的な質感。ギターを軸にしたシンプルでモノトーン調のバンドアンサンブルも当時の空気感が反映されたもので、ジェフの歌声が変幻自在でカラフルなものだけに、程よいバランスで対比が成立しています。

タイトルトラック「Grace」や「Last Goodbye」「Eternal Life」などを聴くと、PEARL JAMや“90年代以降”のRED HOT CHILI PEPPERSを筆頭とした土着的なUSオルタナティヴロックとの共通点がたくさん見つけられるし、ジェフのボーカルも曲に合わせてパワフルさやエモーショナルさが増している。かと思えば、「Lilac Wine」やレオナード・コーエンの名曲をカバーした「Hallelujah」などのスローナンバーでは、ファルセットを多用した繊細な歌声を響かせる。このストレートに訴えかける彼のボーカルこそ本作最大の聴きどころであり、リリースから25年以上経った今も変わらず愛聴しているのもその功績が大きいのではないでしょうか。

もちろん、楽曲の良さは大前提ですし、演奏の素晴らしさもまた然り。こういったお膳立てがすべて完璧に揃っているからこそ、ジェフがのびのびと歌うことができた。まあ、最終的にはすべてのピースがかっちりと噛み合っているからこその名盤なのかな。序盤のムーディな空気感から徐々に熱量が高まっていき、「Dream Brother」でクライマックスを迎え、彼の死後に再発された際に追加された「Forget Her」でエンドロールが流れる。そんな一編の短編映画を音で楽しむような、そんなストーリー性を強く感じさせる1枚だと思います。

個人的には「Dream Brother」で締めくくる構成に慣れていましたが、現行のストリーミングなどで聴ける「Forget Her」終わりも悪くないな……最近はそう思えています。また、「Forget Her」で終わることで長く愛聴してきたアルバムに新たな光を与え、再び新鮮に楽しむこともできている。個人的には全然アリなボートラでした。

▼JEFF BUCKLEY『GRACE』
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1994年8月2日にリリースされたKILLING JOKEの9thアルバム。日本盤は翌1995年1月21日発売。

Noise Recordsから唯一のアルバムとなった前作『EXTREMITIES, DIRT AND VARIOUS REPRESSED EMOTIONS』（1990年）から約4年ぶりの新作は、メンバーのユース（B）主宰レーベルButterfly Recordingsへの移籍第1弾作品。ポール・レイヴン（B）などメンバーが相次いで脱退し、ジャズ・コールマン（Vo）とジョーディ（G）のオリジナルメンバー2人のみが残ったところに、もうひとりのオリジナルメンバーであるユースが再合流。MINISTRYやNINE INCH NAILSといったインダストリアル系アーティストがシーンを賑わせいる中、真打ち登場とばかりに満を辞しての新作リリースとなりました。

ポストロック以降の、ミディアム／スローテンポ中心のインダストリアルサウンドや当時流行し始めていたロック寄りのダンスミュージックなどの影響下にあるスタイルは、これ以降のKILLING JOKEの作品に共通するもので、いわば第2期KILLING JOKEの基盤となったのが本作。ダンスミュージックのごとく繰り返されるリフ（フレーズ）をベースに、スローテンポで進行するタイトルトラック「Pandemonium」や、MINISTRY以降のインダストリアルサウンドを下地にしたモダンな「Exorcism」といった楽曲は、リリース当時は刺激的には感じられず、もっと言えば退屈にさえ思えたのですが（MINISTRYやNINほどわかりやすい過激さが足りなかったのも大きいのかな）、今聴くとこの反復ビートが非常にクセになる。むしろ、これくらいが丁度いいとさえ思えるほどピンとくるものがあります。

そんな中、中近東的フレーズを多用した「Communion」や、ポストロックバンドとしての面目躍如と言わんばかりの「Black Moon」、本作中もっともテクノ的フレーズを用いつつもしっかりロックしている「Labyrinth」、浮遊感の強いメロディ＆サウンドメイクの「Jana」など個性的な楽曲も少なくなく、リリース当時はなぜこれを退屈に感じたのか疑問に感じるほど多様性の内容なんですよね。フロアライクなデジロック「Whiteout」「Mathematics Of Chaos」なんてクラブで大音量にて流れたらアガりまくり必至だろうしね。

たぶん僕が本作にのめり込めなかった理由って、1曲6〜7分もある曲が多かったことなんじゃないかな。1994年というと、グランジブーム後期にあたるタイミングで、2〜3分台の楽曲に慣れ親しんでいた時期でもあり、そういった耳にはロックとして接した本作はちょっとユルく思えてしまったのかもしれない。かつ、先にも書いたようにMINISTRYやNINほど直接的な攻撃性もないし。20代前半の自分にはまだ早すぎた1枚だったのかもしれませんね。

今日までのKILLING JOKEのカタログをひととおり聴いた中でも、本作はデビュー作『KILLING JOKE』（1980年）に匹敵するぐらい好みの1枚（こんなこと書いたら、初期リアルタイム世代の諸先輩方から叩かれそうですけど、本当なんだからしょうがない）。ジャズ・コールマンのボーカルも初期の青臭さが抜け、凄みが強まっていて最高ですし。そういった点でも本作は90年代よりも、むしろ2010年代以降にしっかり評価されるべき1枚だと確信しています。

▼KILLING JOKE『PANDEMONIUM』
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2022年2月12日に配信リリースされた、THE WiLDHEARTSの2ndフルアルバムのリパッケージ盤。現時点ではリリース元のRound Recordsのみで購入／ダウンロード可能。CDやアナログなどのフィジカルリリースは2022年6月を予定。

本作は1995年5月に発表された名盤『P.H.U.Q.』の、当初予定していた形に再構成＆最新リマスタリングを施した最新エディション。1994年の制作開始時点ではジンジャー（Vo, G）は2枚組を想定しており、その中には7〜8分台の長尺ナンバーも多数含まれていました。ここではまず、『P.H.U.Q.』完成までの流れを解説していきます。

当初、バンド側は1994年初夏に「Inglorious」（約8分）と「Sky Babies」（10分超え）の2曲入りシングルを計画。しかし、長い曲を嫌った当時のレーベルがこの計画を拒否し、当時制作が進んでいた6曲で構成された『FISHING FOR LUCKIES』というミニアルバムをファンクラブ限定でリリースしました。この『FISHING FOR LUCKIES』からは「If Life Is A Love Bank I Want An Overdraft」と「Geordie In Wonderland」をリードトラックに、そしてアルバム未収録の「Hate The World Day」「Fire Up」を追加した4曲入りシングルが1995年1月にリリースされています（全英31位）。続いて、バンドは「I Wanna Go Where The People Go」を同年4月に発表し（全英16位）、翌5月に新たな形で構成された13曲入りの『P.H.U.Q.』が発売されました（全英6位）。

今回リパッケージされた『PHUQ (DELUXE)』は全19曲で構成されており、その内訳は『FISHING FOR LUCKIES』収録の6曲と1995年版『P.H.U.Q.』収録の13曲をまるまる収録したもの。曲順こそ新たな形で構成し直されていますが、使用されている音源自体に大きく手を加えた様子は見受けられません。唯一、1995年版『P.H.U.Q.』最終曲「Getting It」終了後にシークレットトラックとして収められていた「Don't Worry 'bout Me」が、今回のリパッケージ版にはラストナンバー「Sky Babies」のあとに移されているくらいでしょうか。

この19曲の流れで聴く『PHUQ (DELUXE)』はなかなか聴き応えのあるもので、それは『FISHING FOR LUCKIES』や『FISHING FOR LUCKIES (East West Version)』（1996年）よりも滑らかで、1995年版『P.H.U.Q.』以上にダイナミックさが伝わる構成で、「なるほど、こういうつなぎ方があったか！」とニヤリとさせられます。

ただ、ひとつ気になったのはシングルとして先行発売された「Hate The World Day」「Fire Up」が今回のリパッケージ版には含まれていないこと。特に「Fire Up」はそのエンディングに「In Lilly's Garden」のイントロが含まれており、当初は「Fire Up」〜「In Lilly's Garden」という流れでアルバムに収められる予定だったのかなと思っていたのですが、違ったのかな？ 単に「Hate The World Day」「Fire Up」はシングルカップリング用に書き下ろされたもので、「Fire Up」のエンディングはシングル用にアレンジされたものだったのか、そもそもジンジャーが当初イメージしていた構成案にこの2曲は入っていなかっただけなのか。もともとどういう構成案だったのかがあの当時に示されていなかっただけに、今となっては謎のままですが（仮に今、ジンジャーが「もともとこうだったんだよ」と発言しても、それは2022年2月時点のものでしかないですしね）。

おそらく、当時はもともとの案で構成したアルバムは形になっておらず、今回既存の音源を並べ替えただけなので、別ミックスなど貴重な音源は残っていないのでしょう。「単に既発曲を並べ替えただけ」で終えることもできますが、こういう“if”の世界が27年後に楽しめるだけでもロマンがあって面白いんじゃないでしょうか。ビギナーはサブスクなどで配信中のオリジナルバージョン（1995年版）で十分でしょうが、古くからのファンはコレクターズアイテムというよりもジンジャーへの課金（笑）のつもりで購入してみてはいかがでしょう。

▼THE WiLDHEARTS『PHUQ (DELUXE)』
（Round Records：海外盤CD / 海外デラックス盤CD / 海外盤アナログ / 海外デラックス盤アナログ / MP3）