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2018年8月31日 (金)

2018年8月のお仕事

2018年8月に公開されたお仕事の、ほんの一例です。随時更新していきます。
(※8月15日更新)


[WEB] 8月15日、「リアルサウンド」にてアーティスト分析記事「TWICE、Superorganism、Now United……エンタメ業界における多国籍グループの波」が公開されました。

[WEB] 8月14日、「リアルサウンド」にて欅坂46菅井友香インタビュー「欅坂46 菅井友香が語る、幾度の挑戦で芽生えた責任感と新たな決意 「パワーの源になりたい」」が公開されました。

[紙] 8月10日発売「UTB+」Vol.45にて、けやき坂46金村美玖、富田鈴花、松田好花の各インタビューを担当・執筆しました。(Amazon

[WEB] 8月8日、LINE LIVEとニコ生にて8月22日(水)21時から生配信される「ウツシヨノユメ」発売記念特番にてMCを務めることが発表されました。当日の視聴はこちらこちらから。

[紙] 8月4日発売「日経エンタテインメント!」2018年9月号にて、欅坂46菅井友香の連載「菅井友香のお嬢様はいつも真剣勝負」を構成・執筆、サザンオールスターズ『海のOh, Yeah!!』全曲解説を担当しました。(Amazon


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また、7月に当サイトで紹介したアルバム(Spotifyで配信している作品のみ)から各1〜2曲程度ピックアップして、30曲程度のプレイリストを制作しました。題して『TMQ-WEB Radio 1807号』。一応曲の流れなんかも考慮しつつ曲順を考えておりますので、レビューを読む際のBGMにするもよし、何も考えずにダダ流しするもよし。おヒマなときに聴いていただけると嬉しいです。

さらに今月から、Apple Musicでも同プレイリストを作成しております。曲によってはSpotify、Apple Music限定のものもありますので、一部選曲がことなりますのでご了承を。

投稿: 2018 08 31 12:00 午後 [「仕事紹介」] | 固定リンク

2018年8月15日 (水)

JOURNEY『REVELATION』(2008)

2008年6月に海外で(日本では同年10月に)リリースされた、JOURNEY通算13枚目のスタジオアルバム。前任のスティーヴ・オージェリー(Vo)に代わり、新たに加入したフィリピン・マニラ出身の新人シンガー、アーネル・ピネダを迎えて制作された第1弾作品となります。

また、本作はバンドにとって初の2枚組スタジオ作品となり、DISC 1が新曲で構成された純粋な新作(1曲のみ前作『GENERATIONS』収録曲のリテイク)、DISC 2は代表曲の数々をアーネル・ピネダのボーカルでレコーディングした再録ベストアルバムとなっています(さらにUS盤限定の付属DVDには、同編成でのライブ映像を収録)。ボリューミーながらも豪華な内容ということもあり、本作は前作の170位を大きく上回る全米5位にランクイン。現在までに100万枚以上を売り上げるヒット作となりました。

アーネルの歌声は、バンドの全盛期を支えたスティーヴ・ペリー(Vo)の歌声にそっくりということもあり、ある種“クリカン版『ルパン三世』”と同じようなイメージを持つ人も多いかもしれません。がしかし、アーネルが加入してすでに12年以上経っており、ここ日本のロックファンの間でも彼の存在は浸透したと言い切ってもいいでしょう。

確かにモノマネ上手かもしれませんが、スティーヴ・ペリーよりも太く、深みのある歌声は若干疲れ果てていたバンドに新たな潤いを与えたことは間違いありません。結果、本作のDISC 1に収録されている新曲の大半は、初めて聴くはずなのに「あれ、以前も聴いたことある?」と思えてしまうくらい、どこをどう切り取ってもJOURNEYの楽曲そのもの。しかも、そのクオリティが単なる焼き直しレベルで終わっておらず、耳に残るものばかりなのです。

また、随所随所には過去の名曲のフレーズが散りばめられていて、思わずニヤリとしてしまう場面も多いですしね。ぶっちゃけ、1996年の復活作『TRIAL BY FIRE』(1996年)以降の作品で、もっとも“らしい”内容で、かつ完成度の高い1枚ではないでしょうか。

そして、DISC 2ですが……サントラ収録曲「Only The Young」から始まり、そのまま「Don't Stop Believin'」「Wheel In The Sky」という流れ……そう、これって彼らのベストアルバム『GREATEST HITS』(1998年)の構成をなぞったものなんですよね。まったく一緒というわけではなく、元が15曲のところを11曲に減らし、しかもオリジナル盤にはなかった「Stone In Love」をピックアップしていたりと、アーネルや今のバンドのスタンスに合わせた選曲がなされているのではないんでしょうか。そこも含めて、『GREATEST HITS』とはまた違った楽しみ方ができるはずです。

ニール・ショーン(G)の弾きまくりっぷりもハンパないし、ディーン・カストロノヴォ(Dr)のヘヴィヒッターぶりも存分に楽しめる。バンドとしてフレッシュさを取り戻しつつも、しっかり円熟味も感じさせてくれる、強烈なアルバムだと思います。



▼JOURNEY『REVELATION』
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投稿: 2018 08 15 12:00 午前 [2008年の作品, Journey] | 固定リンク

2018年8月14日 (火)

QUEENSRYCHE『EMPIRE』(1990)

1990年9月にリリースされたQUEENSRYCHEの4thアルバム。前作『OPERATION: MINDCRIME』(1988年)が全米50位止まりながらも、「I Don't Believe In Love」や「Eyes Of A Stranger」のラジオヒットを受けて100万枚をヒット作となり、満を持して発表された次作『EMPIRE』は全米7位、300万枚以上もの好セールスを記録しました。また、本作からは「Silent Lucidity」(全米9位)というヒットシングルも生まれ、ほかにも「Empire」「Jet City Woman」などがラジオヒットとなりました。

プログレッシヴロックの影響下にあるテクニカルなヘヴィメタル。QUEENSRYCHEにはそういったイメージがありましたが、特に『OPERATION: MINDCRIME』はコンセプトアルバムだったこともあり、そのイメージがさらに強まったと思います。そんな彼らが、これに続く『EMPIRE』で示したのは、良い意味での“ヘヴィメタルバンドからの脱却”だったのではないでしょうか。

もちろん、聴けばHR/HMの範疇にあるサウンドなのですが、そのひんやりとしていてモダンなスタイルは、ヘヴィメタルというよりはハードロックと呼ぶほうがぴったり合うのではないでしょうか。彼らは続く『PROMISED LAND』(1994年)、『HEAR IN THE NOW FRONTIER』(1997年)でグランジやオルタナティヴロックのテイストを強めていき、完全にヘヴィメタルバンドからの脱却に成功しますが、この『EMPIRE』はその間にある過渡期的1枚と言えるかもしれません。

しかし、過渡期とは言うもののその内容・完成度には目を見張るものがあり、ある意味では前作『OPERATION: MINDCRIME』以上のクオリティと言えるでしょう。RUSHほどテクニカルではなく、DREAM THEATERほどメタリック、ドラマチックではない。その適度さがこのアルバムの魅力であり、HR/HMブームとグランジブームの間(はざま)を象徴するような作風と言えるのではないでしょうか。

個人的には「Della Brown」や「Anybody Listening?」といったスローナンバー、エモーショナルさが本作の中でも際立つ「Jet City Woman」「Another Rainy Day (Without You)」、そしてひんやりとしたヘヴィロック「Empire」あたりがお気に入り。もちろん、シングルヒットしたバラード「Silent Lucidity」も嫌いじゃありません。

『OPERATION: MINDCRIME』はストーリー性が強いせいもあり、頭から最後まで通して聴かなくちゃ……的な使命感が強い1枚でしたが、この『EMPIRE』は個々の曲にストーリーがあるものの(しかもその物語が、銃規制や環境問題などシリアスなものが多い)、単曲で気楽に楽しめる作品集ではないかなと。とはいえ、作風のシリアスさもあって、そこまで気楽に楽しめるといった感じでもないんですけどね。



▼QUEENSRYCHE『EMPIRE』
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投稿: 2018 08 14 12:00 午前 [1990年の作品, Queensryche] | 固定リンク

2018年8月13日 (月)

GOTTHARD『G.』(1996)

スイスの4人組ハードロックバンド、GOTTHARDが1996年初夏にリリースした3rdアルバム。日本ではデビューアルバム『GOTTHARD』(1992年)の時点でそこそこ人気を集めていましたが、個人的にどハマりしたのがこの3作目から。単にアルバム発売後のツアーから元KATMANDUのマンディ・メイヤー(G)が加入したから、というのも大きかったのかもしれませんね。

オープニングの「Sister Moon」のブルージーなハードロックサウンドが特にツボで、かと思えば「Mighty Quinn」(ボブ・ディランのカバー)みたいなスタジアムロック的なアレンジの楽曲もある。そして「Let It Be」みたいにしっかり聴かせるミディアムバラードや、「Father Is That Enough?」のようなスローバラード、「One Life, One Soul」みたいなアコースティックナンバーもある。

当然それだけじゃなくて、ハードロックバンドらしいガッツにあふれた「Fist In Your Face」や、疾走感に満ちたマイナーコードの「Ride On」、ブギーのリズムが心地よい「Lay Down The Law」、VAN HALEN的なハードブギー「Hole In One」もある。そう、アルバムとしてのバランス感が非常に優れているんです。

ただハードなだけではなく、しっかり聴かせる要素も強い。その“聴かせる”側の比重が急激に大きくなり出したのが、このアルバムなのかなと。1曲1曲がしっかり練られていて、B級っぽさ皆無。スティーヴ・リー(Vo)というシンガーの力量も幅広い楽曲群によってより発揮される結果となったし、ソングライターにしてギタリストのレオ・レオーニの才能も突出していることが伺える。貶すところが一切ないんですよね。

ちょうどWHITESNAKEタイプのバンドに飢えていた時期でもあったので、そこにこのアルバムが飛び込んできたらストライクだった……たったそれだけの理由かもしれませんが、あのタイミングに出会ってなかったら気に入っていなかったかもしれない。正直、彼らの作品でここまでどハマりしたのはこれ1枚のみ。そこが不思議なんですよね。そう思うと、出会いのタイミングって本当に大切なんだなと思うわけです。

スティーヴ・リーは2010年、交通事故で帰らぬ人となってしまいましたが、バンドはオーディションの末、新ボーカリストを迎えて活動を継続中。機会があったら近作にも手を出してみようと思います。もしかしたら、タイミング的に再びどハマりすることもあるかもしれませんしね。

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▼GOTTHARD『G.』
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投稿: 2018 08 13 12:00 午前 [1996年の作品, Gotthard] | 固定リンク

2018年8月12日 (日)

THUNDER『SHOOTING AT THE SUN』(2003)

2002年に再結成を果たしたTHUNDERが、2003年3月に日本先行で、海外では翌月4月に発表したのがこの『SHOOTING AT THE SUN』というアルバム。通算6枚目のオリジナルアルバムとなりますが、当初は日本盤と同時期にオフィシャルサイトでオンライン販売されるのみという、再結成したものの単なるファンアイテムなんじゃ……くらいのプライオリティでリリースされました。要するに、この再結成自体も意気込んで「またやってやるぞ!」というよりも「うまくいったらマイペースに続けていこうかな?」くらいのテンションだったんでしょうね。

前年には4曲入りEP『BACK FOR THE CRACK』(2002年)がここ日本でも発売されていますが、本作はその延長線上にある1枚。アルバムにはEPから「The Pimp And The Whore」「Somebody Get Me A Spin Doctor」「Blown Away」の3曲が収録されているのですが……地味。とにかく地味で玄人好みでブルース/ソウルテイスト満載のハードロックが展開されています。

オープニングを飾る「Loser」こそ、往年のTHUNDERらしい豪快さが若干感じられますが、以降はFREEやBAD COMPANYあたりをより地味にしたような、とても『BACKSTREET SYMPHONY』(1990年)とは同じバンドとは思えないくらい(いや、よく聴けば同じバンドだと気づくけど)派手さが消えています。

何がそんなに地味なのかというと、きっとこれって演奏のメリハリとメロディラインによるものが大きいんだろうなと。演奏は決して弾き倒したりひとつの楽器だけ前に出ようとか、そういった欲がまったく感じられないし、ボーカルをバックアップするためだけに存在しているような、そんな印象すら受けます(本当はそんなことないとは思うけど)。

また、メロディラインも初期の頃のように高音で張り上げるようなものではなく、装飾による抑揚を極力削り落とし、歌の熱量だけでメリハリをつけるような、そんな表現方法に変化しています。これは解散前の最終作『GIVING THE GAME AWAY』(1999年)の時点ですでに見え隠れいていた手法なので、その延長と考えれば納得いくことでしょう。

にしても、「祝・復活!」的な盛り上げが一切ないのが、よくも悪くもこのバンドらしいといいますか。ま、だから好きなんですけどね。地味だ地味だと書き倒してきましたが、だから悪いわけではなく、むしろ「わかる人にはわかる!」最高の1枚だと確信しています。



▼THUNDER『SHOOTING AT THE SUN』
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投稿: 2018 08 12 12:00 午前 [2003年の作品, Thunder] | 固定リンク

2018年8月11日 (土)

FATE『A MATTER OF ATTITUDE』(1986)

デンマーク出身のハードロックバンドFATEが1986年秋に発表した2ndアルバム。このバンド、メンバーのハンク・シャーマン(G)が元MERCYFUL FATEのリードギタリストということで、バンド名のFATEも元いたバンドから一部拝借したものなんですね。MERCYFUL FATEというとキング・ダイアモンド(Vo)のイメージが強く、特に初期はブラックメタルのイメージもあったかと思います。

そのバンドでギターを弾いていた人間が新たに結成したこのバンド。メジャーのEMI / Capitol Recordsと契約していたという事実もすごいですが、この2枚目のアルバムで聴かせるその音も衝撃的です。

僕は当時、ラジオでオープニングナンバー「Won't Stop」を聴いてこのバンドの存在を知ったのですが、当然上記のような知識は一切ない中高生でしたので、普通に「EUROPEを能天気にしたようなバンドだな」くらいの印象しかありませんでした。いや、それ褒めているんですよ? ぶっちゃけ、このアルバムは日本盤も発売されていましたが、メタルに弱い田舎のCD屋には並ぶこともなく、FMからエアチェックしたカセットでひたすらこの1曲だけを聴きまくったものです。

で、最近Spotify上をサーフしていたら、このバンドにたどり着き「あ、いたいた!」と懐かしがってこの2作目を聴いてみたのでした。

「Won't Stop」は本作中でもっとも異色のアレンジ/曲調でした。ソロになるとやっとギターが目立つアレンジが、どこかVAN HALENの「Jump」を彷彿とさせますが、要は同曲や当時すでにヒットしていたEUROPEの「The Final Countdown」に影響されてシンセメインのポップな楽曲に挑んでみたんでしょうね。ま、僕みたいな人間がそこに釣られたのですから、あながち失敗でなかったようです。

というわけで、このアルバムの真の魅力は2曲目から。北欧のバンドらしく、マイナーキーを軸にした哀愁味の強いメロディアスハードロックが展開されていきます。バンドの編成にはシンセは含まないものの、レコーディングにはこれでもか!というくらいにシンセを多用。これが厚みのあるコーラスとともに良い味付けになっているんです。3曲目「(I Can't Stand) Losing You」や6曲目「Summerlove」なんて、ぶっちゃけ名曲じゃないですか?

なんて思っていると、後半には軽快なアメリカンロック調の「Farrah」や「Get Up And Go」を筆頭に、メジャーキーの曲がずらりと並ぶ。このバランス感、嫌いじゃないです。しかも、ラストにお遊びっぽい「Do It」まである。ああ、VAN HALENを北欧感覚でやろうとするとこうなるのかな、なんて思ったりして。

作品的にはハンク脱退後に発表された4thアルバム『SCRATCH 'N SNIFF』(1990年)の評価が高いようですが、ポップサイドに振り切ったこの2ndアルバムも素敵だと思います。ビバ!産業ハードロック。



▼FATE『A MATTER OF ATTITUDE』
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投稿: 2018 08 11 12:00 午前 [1986年の作品, Fate] | 固定リンク

2018年8月10日 (金)

SHADOW KING『SHADOW KING』(1991)

当時FOREIGNERを脱退したルー・グラム(Vo)が、同じくDIOWHITESNAKE〜RIVERDOGSと渡り歩いてきたヴィヴィアン・キャンベル(G)と結成したスーパーバンド、SHADOW KING。彼らが1991年10月(日本では同年11月)に発表した、唯一のアルバムが本作になります。

バンドのメンバーはルー、ヴィヴィアンのほか、ルーの旧友でのちにFOREIGNERにも加入するブルース・ターゴン(B)、KISSのレコーディングセッションに参加したり、のちにCINDERELLAなどに加入するケヴィン・ヴァレンタイン(Dr)の4名。キース・オルセン(FOREIGNER、オジー・オズボーン、WHITESNAKE、HEARTなど)をプロデューサーに迎え制作されたこのアルバムは、非常にクオリティの高い産業ハードロック/メロディアスハードロックの隠れた名盤です。

全10曲中、ヴィヴィアンが作曲に関わっているのはラストの「Russia」のみ(ルーとの共作)。それ以外のすべてがルーとブルースの共作で、ある意味ルー・グラムのソロアルバムやルー復帰後のFOREIGNERにも通ずる世界観が展開されています。いや、むしろこれ、80年代後半、『INSIDE INFORMATION』(1987年)以降のメロディアスハードロック路線のFOREIGNERじゃん。

ギターは要所要所で、確かにヴィヴィアンらしいプレイ(主にソロ)を楽しめますが、本作における最大の武器は良質のメロディとルーのパワフルなボーカル。WHITESNAKEでシンガーとギタリストのバトルに懲りたのか、はたまたRIVERDOGSでバランス感を学んだのか、ここでのギタープレイはかなり後ろに引いたものになっていて、そこだけは若干不満が残るかなと(ヴィヴが参加しているとわかっているから、余計に)。とはいえ、曲の良さやアルバムの完成度を前にすると、実はギターがそこまで重要ではないことに気づかされるわけですが。

この湿り気のあるマイナーキーと、要所要所に挿入されるシンセ。強く主張せず、バッキング(パワーコードやアルペジオなど)に徹するギター。それってもう、本当にFOREIGNERなんですよね。これを聴いたあとに、ルー復帰作となる『MR. MOONLIGHT』(1994年)を手にすると、あら不思議。同じバンドのように思えてくるのですから……。

ってくらい、このジャンルが好きな人なら絶対にハマる1枚。当時まったく話題にならなかったし売れもしなかったので、バンドはすぐに解散。翌1992年に入るとヴィヴはDEF LEPPARDに加入。ルーとブルースはFOREIGNERに加わり、ケヴィンはCINDERELLAへ……。なんだ、みんなこのバンドを踏み台にしてるんじゃないか(笑)。

そんな不運のバンド、この機会に触れてみてはいかがでしょう。



▼SHADOW KING『SHADOW KING』
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投稿: 2018 08 10 12:00 午前 [1991年の作品, Foreigner, Shadow King] | 固定リンク

2018年8月 9日 (木)

SALEMS LOTT『MASK OF MORALITY』(2018)

3年半前、本サイトでデビューアルバム『SALEMS LOTT』(2015年)を紹介して局地的に話題となったLAのグラムメタル/ヴィジュアル系(笑)バンド、SALEMS LOTTがついに待望の2ndアルバム(前作はミニアルバムでしたが)をリリースしました。今回もフィジカルでの一般流通はなさそうですが、デジタル配信&ストリーミングでここ日本でも聴くことができるので、大きな問題はないですね。よかったよかった。

彼らはそのルックス&ファッション、そして音楽性から「80年代のジャパメタ、主にX(X JAPAN)からの影響が強い」HR/HMバンドとして認識されていました(「いました」って、そこまで気にしていた人、ほとんどいないと思いますが)。が、あれから3年強が経ち、そのサウンドに少し変化が生じています。あれだけ前作を「80年代に活躍したバンドのアウトテイク」と揶揄した自分も、今回の新作を聴いて、まず1曲目の「Enigma」で驚かされました。

え、どうしたの? (前作よりも)めっちゃモダンなんですけど……(汗)。

全体的に80年代後半から90年代初頭ぐらいにまでバージョンアップされています。80年代半ばのジャパメタアウトテイクから大きく成長したな、おい!

でね。単なるコピー的な、個性のカケラも感じられなかった前作(ヒドイ言い草だ)から、一気に“らしさ”を確立させているから、驚いたわけです。そりゃね、MOTLEY CRUEっぽかったり、W.A.S.P.っぽかたり、どことなくX JAPANっぽかったりするところもありますよ。至るところから先人からの影響も見え隠れするのですが、今作ではそれが“コピー”や“真似っこ”ではなく“エッセンス”程度にとどめられている。しかも、ヴィジュアル系的な色合いもサウンドからはほぼ消えて、全体的に無理してない感じが素敵なんですよ。

そういった意味では彼ら、初期のBLACK VEIL BRIDESフォロワーと見られてもおかしくないんですが……そこまでも才能もないか(苦笑)。ま、だからこそ愛せる存在なんですけどね。

音質的にも、前作より多少良くなり、アルバム全編通して聴くに耐えうる程度にはなっている……かな。個人的にはもうちょっと頑張ってほしかったとも思うけど、これはこれでアリなのかな、と。

もし今、『VISUAL SUMMIT JAPAN』や『V-ROCK FESTIVAL』が存在したら、ぜひエントリーしてもらいたいバンドのひとつ。つうかさ、絶対にウケるでしょ? 「良い」ではなく「ウケる」ね。彼らこそ日本の洋楽メタルファンではなく、V系ヲタクに見つかってほしいんですどね。難しいかしら。



▼SALEMS LOTT『MASK OF MORALITY』
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投稿: 2018 08 09 12:00 午前 [2018年の作品, Salems Lott] | 固定リンク

2018年8月 8日 (水)

THE WHO『WHO'S NEXT』(1971)

1971年8月に発表された、THE WHO通算5作目のオリジナルアルバム。前作『TOMMY』(1969年)で示したコンセプチュアルかつシアトリカルな“ロックオペラ”スタイルを確立させ、初期のスタイルとは異なる個性を手に入れたTHE WHO。続くこのアルバムでは、初期の彼らが持っていたハードロックバンド的な側面が強調されています。

おそらく、本作の前に発表されたライブアルバム『LIVE AT LEEDS』(1970年)で示したライブバンドとしての爆発力、そこで表現されたハードロックバンド的な演奏スタイルも『WHO'S NEXT』という傑作に大きな影響を与えているはずです。結果、このアルバムは初の全英1位を獲得。アメリカでも前作同様の4位を記録し、アメリカだけでも300万枚を超える大ヒット作となりました。

興味深いのは、本作はバンド4人のサウンドのみならず、シンセサイザーやシーケンサーといった電子楽器が積極的に用いられていること。オープニングを飾る「Baba O'Riley」で常に流れているシンセのシーケンスは、非常に象徴的なサウンドといえるでしょう。特にこの曲と、ラストを飾る8分半におよぶ大作「Won't Get Fooled Again」はその色合いが強いものの、ハードロックバンドとしての豪快さは全く損なわれておらず、70年代前半の彼らにとって代表曲と呼べる作品ではないでしょうか。

そのほかにも、カントリー的な匂いが感じられる「Love Ain't for Keeping」や「Going Mobile」、ブラスをフィーチャーしたゴージャズな「My Wife」、ピアノやシンセの音色が心地よいミディアムナンバー「The Song Is Over」、ひんやりとしたアコースティックテイストからパワフルな展開をしていく「Behind Blue Eyes」など、聴きごたえの強い楽曲ばかり。なんだかんだで、彼らのオリジナルアルバムの中ではもっとも聴きやすくて好きな1枚かもしれません。

実は、本作をアルバム通してちゃんと聴いたのは、だいぶ大人になってからのこと。もともとTHE WHOってそこまで積極的に接してこなかったバンドで、代表曲をベストアルバムなどで掻い摘んで聴く程度。あとは、いろんなバンドがカバーしたもので原曲を知るみたいな。だからこのアルバムの収録曲に関しても、「Baba O'Riley」をMR. BIGで、「Won't Get Fooled Again」をVAN HALENで先に知ったという。で、アルバムをちゃんと聴いてからは、「Behind Blue Eyes」をLIMP BIZKITがカバーして「ああ、この曲知ってる!」となったり。その程度の知識なんです。申し訳ありません。



▼THE WHO『WHO'S NEXT』
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投稿: 2018 08 08 12:00 午前 [1971年の作品, Who, The] | 固定リンク

2018年8月 7日 (火)

DISTURBED『THE SICKNESS』(2000)

海外で2000年3月、日本では同年6月に発売されたDISTURBEDのデビューアルバム。同年10月にリリースされたLINKIN PARKのデビュー作『HYBRID THEORY』とともに、当時“ニューメタル”と呼ばれたシーンを飛躍させた立役者的作品で、全米29位まで上昇、現在までにアメリカだけで500万枚を超える売り上げに達しています。

プロデュースを手がけたのは、ENUFF Z' NUFFMACHINE HEAD、DROWNING POOLなどに携わってきてジョニー・K。今でこそヘヴィ系ではおなじみの名前ですが、意外にもこの手のバンドのプロデュースを担当したのは本作が初めてだったようです(それまではエンジニアとして関わるのみ)。本作が出世作となり、その後引き手数多な存在になったのでしょうね。

LINKIN PARKや、それ以前にヒットを飛ばしていたLIMP BIZKITのようにDJ(ターンテーブル)を含む編成ではない、正統的な4ピースバンドなのですが、それでも彼らが時代にフィットしたのはデヴィッド・ドレイマン(Vo)による“パーカッシヴな発声スタイル”と“しっかり歌えるフロントマン然とした佇まい”、そして旧来のHR/HMと90年代以降のグランジ、そしてヘヴィロックを通過した、個性的ながらも安定感の強い楽曲によるものが大きかったと思います。

直線的/タテ揺れの音楽性ではなく、あくまでヨコ揺れ。そこがアメリカ的だけど、オーソドックスなHR/HMとはどこか違う。だけど、聴けばそのヘヴィなサウンドはHR/HMと呼んでも問題ない。SYSTEM OF A DOWN、あるいはそれ以前のKORNにも通ずる個性的な歌唱スタイルは、そういったヨコ揺れな楽曲にとって良いアクセントとなる。そりゃあアメリカでウケるわけだ。しかも、ライブを観ればスタジアム映えするし。2002年だったか、彼らがサマソニで来日した際、そのパフォーマンスに圧倒された記憶が今でも鮮明に残っています(観客のウケは正直そこまで大きなものではなかったけど)。

とにかく冒頭4曲の流れが完璧。これだけでも聴いてもらいたいし、80年代のMTV世代にはTEARS FOR FEARSの名曲カバー「Shout」にもぜひ触れてほしい。彼らはその後も往年のヒットソングをカバーしているけど、その原点がこれなんですよね。

ニューメタルという単語に嫌悪感を示すHR/HMファンがいまだに残っているのかわかりませんが、あれから20年近く経った今だからこそ改めて触れてみてもいいんじゃないでしょうか。問答無用でカッコいいので、ぜひ大音量で、体を揺すりながら聴いてもらいたいです。



▼DISTURBED『THE SICKNESS』
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投稿: 2018 08 07 12:00 午前 [2000年の作品, Disturbed] | 固定リンク

2018年8月 6日 (月)

JOHN LENNON『IMAGINE』(1971)

1971年9月にリリースされた、ジョン・レノンの通算2作目となるオリジナルアルバム。英米ともに1位を記録し、シングルカットされた「Imagine」は全米3位のヒットとなりました(イギリスでは1975年にシングル化され6位)。代表曲と呼べるような曲が多く含まれている印象ですが、意外とシングル曲が少ないんですよね。

ポール・マッカートニーの脱退を受け、THE BEATLESは解散。そして発表された前作『PLASTIC ONO BAND』(1970年)は、良くも悪くもオノ・ヨーコの影響が強い内省的な内容でした。続く本作もその延長線上にある1枚と言えるのですが、どうしても表題曲「Imagine」のインパクトの強さ、そして同曲の神格化などもあり、世界平和を訴える壮大な作品と捉えられてしまいがちです。実際、「I Don't Want to Be A Soldier」や「Gimme Some Truth」なんて曲もあるし、そう受け取られても仕方ないのですが。

けれど、「Oh My Love」のような美しい楽曲や自分のことを“ただの嫉妬深い男”と表現する「Jealous Guy」、自身の生き様を綴った「It's So Hard」や「How?」、オノ・ヨーコに捧げた「Oh Yoko!」といったプライベートな楽曲も多く含まれている。さらには当時不仲だったポールへ向けた痛烈な批判が歌詞に込められた「How Do You Sleep?」のような曲まである(しかもその曲に、かつての盟友ジョージ・ハリスンやリンゴ・スターを迎えているあたりにも、ジョンの性格が表れていて面白い)。〈想像してごらん、争いのない世界を〉を歌う男が、同じ作品の中でかつての仲間を攻撃する。この矛盾こそ、実はもっともジョン・レノンという男らしいんじゃないかと思うのですが、いかがでしょう。

聖人君子のような扱いを受けるけど、全然そんなことはないし、むしろ「Jealous Guy」のような側面があったり、「Oh My Love」でのロマンチシズムも持っていたり、「How Do You Sleep?」なんて人としての未熟さもストレートに表してしまう。この人間臭さに自分は惹かれるし、半分呆れつつも嫌いになれない。気づけばこのアルバムとも30年以上もの付き合いになるわけですが、ジョンのことを深く知れば知るほど、このアルバムの感じ方もその都度変わっていったわけです。

ちなみに今、僕がジョンのソロ楽曲の中で一番好きな1曲を挙げろと言われたら、迷わず「Oh My Love」を選ぶと思います。年取ると、どんどん保守的になるんですかね(苦笑)。

自分がこの世に生を受けた1ヶ月後に発売されたこのアルバム。今後も人生の節目のたびに、接していきたいと思います。



▼JOHN LENNON『IMAGINE』
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投稿: 2018 08 06 12:00 午前 [1971年の作品, John Lennon] | 固定リンク

2018年8月 5日 (日)

SLIPKNOT『ALL HOPE IS GONE』(2008)

2008年8月にリリースされたSLIPKNOTの4thアルバム。もう10年も経つんですね。その事実に驚きです……。

メンバーの不仲など解散の危機を経て完成にこぎつけた前作『VOL.3: (THE SUBLIMINAL VERSES)』(2004年)から4年ぶりに発表された本作は、プロデューサーをリック・ルービンからデイヴ・フォートマン(EVANESCENCE、MUDVAYNE、GODSMACKなど)に交代して制作。全米2位止まりだった前作を上回る、初の全米1位を獲得する記念すべき1枚となりました。

作風的には前作の延長線上にある、歌メロが際立つ楽曲スタイルが中心なのですが、そこに2ndアルバム『IOWA』(2001年)が持っていた凶暴性(狂気性ではなく)が若干復活し、ヘヴィロック/ラウドロックアルバムとしては正にお手本と呼べるような1枚に仕上げられています。

曲によってはブラストビートをフィーチャーしたりしており、ところどころに初期の衝動性が感じられますが、それも味付け程度といったところ。もちろんこのバンドにおける“怒り”は活動する上で必要な要素なのですが、本作に関してはあくまでキモはそこではないことは、聴けばおわかりいただけることでしょう。

メジャーデビューからまる10年経ち、大きな成功を手に入れた。活動ベースも初期のクラブやライブハウスから、今や世界各区のアリーナやスタジアムをヘッドライナーとして回っている。なんの不自由もない生活、欲しいものはなんでも手に入る人生。ある意味、この10年で彼らは人生の勝ち組にまで登りつめた。そんな人間が、「People = Shit」と素直に叫ぶことができるのか。もしかしたら、このアルバムで彼らはそういったことと向き合ったのではないでしょうか。

つまり、「ここから先もSLIPKNOTとして人生を続けることができるのか」。それは音楽のみならず、ライフスタイルという点においても。音楽という点では、個々がミュージシャンとして成長を重ねているが故の、音楽性の変化は致し方ない。そこを踏まえて、SLIPKNOTのスタイルをどう守っていくか、そのひとつの回答が本作でのバランス感なのかもしれません。そういう意味でも、本作が正統的なラウドロックアルバムに仕上がったのは正しい選択だったと、リリースから10年経った今も信じています。

ただ、ライフスタイルという点においてはメンバーによってバラツキが生じてしまった。その影響の表れのひとつが、本作リリースから2年後に起こったポール・グレイ(B)の急逝かもしれません。さらに、2013年末のジョーイ・ジョーディソン(Dr)脱退もそのひとつに数えられるでしょう。結果として、本作がデビュー時から続いた黄金期メンバーによる最後の作品となってしまいました。そう考えると非常に罪作りな1枚なのかもしれませんね……。



▼SLIPKNOT『ALL HOPE IS GONE』
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投稿: 2018 08 05 12:00 午前 [2008年の作品, Slipknot] | 固定リンク

2018年8月 4日 (土)

FIVE FINGER DEATH PUNCH『AND JUSTICE FOR NONE』(2018)

昨年12月発売のベストアルバム『A DECADE OF DESTRUCTION』を挟んで、『GOT YOUR SIX』(2015年)以来約3年ぶりに発表されるFIVE FINGER DEATH PUNCHの7thアルバム。プロデューサーは過去数作同様、バンドと好ダッグを組み続けるケヴィン・チャーコ。2枚目のアルバム『WAR IS THE ANSWER』(2009年)から6作連続で全米TOP10入り(最高4位)を果たすなど、改めてこのバンドの本国での人気ぶりを証明する結果を打ち立てました。

彼らはデビューからまだ11年と、キャリアのわりにアルバムをしっかり発表し続けており、成功も早い段階から掴んでいる、今のアメリカンHR/HMシーンの中では非常に稀有な存在です。また、彼らは非常にアメリカという国に密着した活動を続けており、例えば日本をはじめ世界各地の米軍基地で慰問ライブを行うなどして、ファンを拡大し続けており、そういった地道な活動がファンベースの拡大に一役買ったのは間違いありません(同じことは HALESTORMにも言えますが)。

また、ニューメタル以降のHR/HMバンドながらもブルースやカントリーなどの土着的サウンドをベースに持つところも、どこか日本における演歌っぽさがあり、それも親しみやすさにつながっているのでしょう(逆に言えば、そこが日本人には馴染みが薄いポイントでもあるわけですが)。

この新作でもそのスタイルは引き継がれており、正直特別新しい要素は皆無なのですが、そういった頑固一徹さもバンドのキャラクターとしての“男らしさ”につながっていると受け取ることもできます。もちろん、「Fire In The Hole」のような(音楽ジャンルとしての)クラシカルなカラーを持つ楽曲も含まれているし、THE OFFSPRINGのカバー「Gone Away」なんていうのもあったりするので、それなりに“新しい何か”に挑もうとする姿勢はゼロではないわけですが。とはいえ、やっぱり耳を引きつけられるのは、デラックス盤のオープニングを飾るニューメタル的な「Trouble」であったり、枯れたロックバラード「I Refuse」といった従来の彼ららしい楽曲なんですけどね。

むしろ、このスタイルを変えずに10年続けている事実がすべてであって、これこそが今の王道アメリカンHR/HMなのだ、と胸を張って言い切ることができる。もうそういう地点に到達しているのではないでしょうか。昨年のベストアルバムでひと区切りをつけたように思われたけど、ここから10年も変わらずこのスタイルを守っていく(もちろん、時代時代で新しさも少しずつ取り入れながら)……その意思表明が、アルバムタイトルの『AND JUSTICE FOR NONE』(アメリカ合衆国の「忠誠の誓い」に出てくる「Liberty and justice for all」をもじったもので、METALLICAの名盤『...AND JUSTICE FOR ALL』のパロディでもあるのかなと)にも表れているような気がします。

まあ、なにはともあれ。これこそが今のアメリカなんでしょうね、良くも悪くも。僕はもちろん“良くも”のほうで受け取っていますけど。まあ、あれだ。日本に来る機会が極端に少ないバンドなので、もっとしっかりライブをやってほしいわけです、ここ日本でも。それだけでも、だいぶイメージが変わると思うので。そこだけはぜひお願いしたいです。このアルバムの楽曲だって、ライブで映えるナンバーがたくさんあると思いますので。



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投稿: 2018 08 04 12:00 午前 [2018年の作品, Five Finger Death Punch] | 固定リンク

2018年8月 3日 (金)

HALESTORM『VICIOUS』(2018)

オリジナルアルバムとしては前作『INTO THE WILD LIFE』(2015年)から3年3ヶ月ぶりとなる、HALESTORM通算4作目のスタジオアルバム。プロデューサーは前作のジェイ・ジョイスから、最新カバーEP『REANIMATE 3.0: THE COVERS EP』(2017年)を担当したニック・ラスクリネクツ(ALICE IN CHAINSMASTODONKORNなど)に交代。EPでの仕事ぶりに好印象を受けた結果がこの新作に反映されているということなのでしょう。

作風は基本的に『INTO THE WILD LIFE』の延長線上にあるのですが、自分が想像していた以上にタフさ、ヘヴィさが際立つ1枚に仕上がった印象があります。実は前作をリリース当時に聴いたとき、そこまで強く惹きつけられず、数回聴いてしばらく放ったらかしだったのですが、今回はリード曲「Uncomfortable」からグッと惹きつけられ、リリースの1ヶ月近く前から取材用に聴いたアルバムサンプルでさらにグッと惹きつけられ、結果「これはなかなかな1枚!」とかなりお気に入りだったのです。このバンドのアルバムでここまで聴き込みまくったのは初めてってくらいに。

ヘヴィさが印象的ながらも、同時にメロディの冴え渡りぶりも前作以上。だからなのか、演奏がどれだけ重々しくなろうと、軸にあるものは非常にキャッチーだと思えてくる。そういった点から、昨今のモダンなラウドロックよりも80年代のHR/HM黄金期のそれに近く、我々オッサン世代にも引っかかるものが多々あるのでは、なんて思うのです。でも、もしかしたら若い世代にはこれ以前の作品のほうが引っかかるのかな。そのへんの意見、ぜひ各世代に聞き回りたいものです。

また、5曲目「Do Not Disturb」あたりを筆頭に、「Conflicted」「Killing Ourselves To Live」「Heart Of Novocaine」といった中盤に配置された楽曲群がかつてないほどにドラマチックな展開を見せており、そのあたりにHALESTORMとしての新境地も見え隠れしています。冒頭のヘヴィさといい、この展開といい、個人的にはこのバンド、まだまだ伸びしろ十分だなと思うのですが、どうでしょう? このバンドらしさをしっかりと残しつつも、新たな地点へと毎回到達でいているという意味では、作品ごとに異なるカラーをしっかり提示できている。そこもこのバンドの凄みなのかなと思いました。

とにかく今は、早くライブで聴きたいなと。そういうアルバムではないでしょうか。こういうアルバムに出会うと「アメリカの HR/ HMシーン、まだまだ捨てたもんじゃないな!」と、改めて実感します。ロック不毛と言われる時代だからこそ、思いっきり売れてほしい!



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投稿: 2018 08 03 12:00 午前 [2018年の作品, Halestorm] | 固定リンク

2018年8月 2日 (木)

CONVERGE『BEAUTIFUL RUIN』(2018)

今年6月末に突如デジタルリリース&ストリーミング配信開始となった、CONVERGEの最新EP。トータルで7分に満たない、ショートチューン4曲で構成された勢い重視の1枚です。

ジャケットのテイストなどからもなんとなく想像できるように、本作は昨年11月にリリースされた5年ぶりのアルバム『THE DUSK IN US』と同時期にレコーディングされた、いわばアウトテイク集のようなもの、と言えるかもしれません。

アルバムでは長尺のミディアムヘヴィナンバーや叙情性の強いメロウナンバーなどを用意することで、これまでのCONVERGEの作品から頭ひとつ抜き出た異色作といったイメージを与えてくれましたが、このEPにはそういった要素は皆無。頭を空っぽにして、この激情まみれの爆音に浸ることができるはずです。

もうね、このEPに関してはこれ以上説明はいらないかなと。言葉よりもまず音。何か語っているうちに4曲あっという間に終わってしまうので。気を抜かずに接してほしいです。

『THE DUSK IN US』のレコーディングに際し、アルバム未収録曲が5曲残っているようなことを、リリース当時のインタビューでメンバーが語っており、そのうちの1曲「Eve」はアルバムからのリードシングル「I Can Tell You About Pain」にカップリングとして収録済み(この7分強もあるダークでカオティックな大作は、Spotifyなどストリーミングサービスでも聴くことができます)。

残る4曲がどういった形でリリースされるのか、はたまたこのまま発表されずじまいなのか、それは神のみぞ知るといったところでしたが、まさかこういう形でサプライズリリースされるとは思ってもみませんでした。

これで『THE DUSK IN US』関連の音源はすべて世に出たことになります。いまだ実現しない同作の日本盤発売、そして来日公演。ぜひ今後日本盤を発表することが実現した際には、ぜひEPなどの5曲を別添えにした“コンプリートエディション”にしてもらいたいところです。『THE DUSK IN US』に関してはすでに輸入盤CD、アナログ盤を購入済みですが、ちゃんと国内盤も購入しますので。よろしくお願いします。

にしても、改めて。『THE DUSK IN US』発売から9ヶ月近く経ちましたが、まだまだ色褪せない傑作だなと。そして、5曲のアウトテイクを通して再び『THE DUSK IN US』に戻ると、またこの作品の個性が際立つのではないかと思うのです。まだ聴いていないというリスナーがいましたら、悪いことは言いません。今すぐ聴きなさいって。もちろん、できるだけ大音量でね。



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投稿: 2018 08 02 12:00 午前 [2018年の作品, Converge] | 固定リンク

2018年8月 1日 (水)

DEAFHEAVEN『ORDINARY CORRUPT HUMAN LOVE』(2018)

前作『NEW BERMUDA』(2015年)から約3年ぶりの新作となる、DEAFHEAVENの4thアルバム。前作は海外から半年遅れの2016年夏に日本盤がソニーからリリースされましたが(フジロック出演が決定したのも大きかったのかな)、本作は海外でのリリースから1ヶ月近く経った現在も日本盤発売の知らせは届いておりません。残念極まりないですね。

本作に関しては海外でのリリースに先駆けて聴く機会を得ており、この2ヶ月くらいひたすら聴きまくっていました。ポストブラックメタルだとかブラックゲイズだとかいろんなサブジャンルに括られる機会の多い彼らですが、本作ではその色を残しつつもネクストレベルに到達したことを存分にアピールする意欲作となっています。

アルバムは穏やかかつ牧歌的、そこに壮大さも兼ね備えたメジャーキーの「You Without End」からスタートします。正直、この曲を最初に聴いたときは腰を抜かすほど驚きました。だって、オープニングから滑らかなピアノとギターの音色に乗せて、女性のポエトリーリーディングが始まるのですから。けど、途中から加わるいつものスクリームが聴こえてくると、ちょっとホッとする自分がいたりして……落ち着かないですよね、いざ「DEAFHEAVENの新作を聴くぞ!」と意気込んだのにこのオープニングだったとしたら(笑)。

もちろん、このアルバムは「You Without End」で展開されるテイストがすべてではありませんが、作品全体を通して多幸感やロマンティシズムに満ちているのも事実。ブラックゲイズ的な手法で始まる「Honeycomb」にしても、途中からメジャー展開に突入しますし。

確かにDEAFHEAVENの過去作に耳を傾けると、これまでもそういったテイストは含まれていました。ただ、ここまで徹底してこのスタイルが追求されたのはこれが初めてではないでしょうか。明と暗の対比が際立つのはもちろんのこと、静寂と轟音、メロディとスクリーム……さらには現実と非日常まで、そういった対となるものが絶妙なバランスで並列し、そこから織りなされるサウンドスケイプは圧巻の一言だと思います。初期のダークさを伴うスタイルも好きですが、前作『NEW BERMUDA』を経てここに到達したことを考えると、改めてすごい進化を遂げたなと実感します。

イギリスの小説家グレアム・グリーンの『情事の終わり』(同作は『ことの終わり』のタイトルで映画化されています)から引用されたアルバムタイトルや、アルゼンチンの作家フリオ・コルタサルの作品からインスパイアされた歌詞など、人間が内に秘める激情とメランコリックさがとことん追求されたこのアルバムは、まるで架空の映画のサウンドトラックのようでもあり、あるひとりの人間が見る白昼夢に対するサウンドトラックでもある。そんな、生活に根付いた作品に思えてきます。いやあ、これは傑作だ。



▼DEAFHEAVEN『ORDINARY CORRUPT HUMAN LOVE』
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投稿: 2018 08 01 12:00 午前 [2018年の作品, Deafheaven] | 固定リンク