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2022年2月25日にリリースされたSUPERCHUNKの12thアルバム。

前作『WHAT A TIME TO BE ALIVE』（2018年）から4年ぶりの新作。前作も4年半というスパンを経て届けられた1枚だったので、ここ最近のリリースペースどおりといったところでしょうか。といっても、その間にはアコースティックアルバム『ACOUSTIC FOOLISH』（2019年）もありましたし、特にここ2年はコロナの影響もあったので、もしかしたら思ったよりも早く着手＆完成したんじゃないかという印象もありますが。

前作は当時アメリカ大統領だったドナルド・トランプに向けた“怒り”がダイレクトに表現された、まさにアメリカで生活する彼らの日常に根付いた1枚でしたが、今作では昨今のコロナ禍で失ったものを歌うのではなく、逆に感謝すべきことについて歌っているとのこと。そのポジティブシンキングは音楽面にもダイレクトに表れており、随所にフィーチャーされたピアノに加え、「Highly Suspect」でのブラスセクションやタイトルトラック「Wild Loneliness」でのアンディ・スタック（WYE OAK）のサックス、「This Night」でのオーウェン・パレットによるストリングスなど、多彩さに満ちあふれた楽曲群を楽しむことができます。

また、そういった彩り豊かなサウンドを豪華ゲスト陣がバックアップ。「On the Floor」には元R.E.M.のマイク・ミルズがボーカルで参加したほか、「Endless Summer」にはTEENAGE FANCLUBのノーマン・ブレイク＆レイモンド・マッギンリーがハーモニーで加わり、さらにシャロン・ヴァン・エッテン、フランクリン・ブルーノ、トレイシーアン・キャンベル（CAMERA OBSCURA）などバラエティ豊かな面々が華を添えています。

こうした多数のゲスト参加が実現したのも、今作をリモートレコーディングで制作したことが大きな要因。バンド4人のベーシックトラックも離れ離れで録音が進められたことで、住む場所や国が異なる面々にも気軽に声をかけることができた。また、誘われたほうもデータのやり取りで済むことから自宅などで気軽に録音できる。対面できないという点での不便さは残りますが、ある意味では以前よりもコラボレーションが手軽に済ませられるようになった利点のほうが大きい。こうした意外な共演は今後もさまざまな場面で増えていくんでしょうね。

そういったオープンマインドでポジティブな姿勢は楽曲自体にもストレートに表現されており、前のめり加減が印象的だった前作と比べるとアコースティックギターを随所に使用したことでゆったりと落ち着いた空気が全体を覆っている。もちろん、疾走感の強い楽曲も複数存在しますが、それらも以前より余裕を持って楽しんでいる様子が伝わる。制作過程を知らずに聴いたら、きっとスタジオで膝をつけ合わせてセッションしながらレコーディングしたアルバムだと感じるんじゃないでしょうか。それくらい、全体から伝わるリラックス感と優しさは2022年という時代だからこそ強く響くものがあります。素敵じゃないか。

オルタナティヴロックとかパワーポップとか、そういうジャンル分けすらもはや不要な、普遍性の強い1枚をキャリア30年超のバンドがリモートで作り上げたという事実。脱帽ものです。現実に疲れたとき、いろんなことを諦めざるを得ないとき、このアルバムを再生するだけで心の豊かさを取り戻せる。そんな1枚としてこの先も愛聴していくことになりそうです。

▼SUPERCHUNK『WILD LONELINESS』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

1987年8月31日にリリースされたR.E.M.の5thアルバム。日本盤は同年10月21日発売。

1983年に『MURMUR』でデビューして以来、インディーズのI.R.S. Records所属ながらも常にアルバムを全米TOP40に送り込んできたR.E.M.。この5作目のアルバムからは「The One I Love」という初の全米TOP10入りシングル（最高9位）や「It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)」（全米69位）というスマッシュヒットが生まれ、アルバム自体も最高10位まで上昇。最終的にプラチナムアルバムに認定されました。

本作のプロデュースを手がけたのは、以降10年近くにわたりタッグを組むことになるスコット・リット（NIRVANA、INCUBUS、HOLEなど）。バンドサウンドや音楽性自体は前作からも延長線上にあるものの、より洗練された印象を受けます。実際、MTVなどで「The One I Love」が流れてきても、インディーバンドとは思えないほどのメジャー感が伝わるサウンドプロダクションだった、と当時を振り返り記憶しています。

作詞面でもそれまで歌詞が若干難解だったり、歌詞カードを見ながらじゃないと聞き取れないと、そういった面が取り沙汰される機会が多かった彼らですが、やはり「The One I Love」で聴けるシンプルな歌詞、わかりやすい言葉選びなどに変化を見出すことができます。同じくヒットした「It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)」にしても、言葉をギュッと詰め込んだ節回しながらもサビなどではシンプルさが際立つ。このへん、実は前作『LIFES RICH PAGEANT』（1986年）あたりから謙虚になり始めていたんですよね。その実験がここで開花し、続くメジャー第1弾アルバム『GREEN』（1988年）で爆発するといったところでしょうか。

アルバム序盤はオープニングを飾る「Finest Worksong」こそヘヴィな音像で強いインパクトを与えるものの、「Welcome To The Occupation」から「It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)」までは比較的明るめで軽やかかつ穏やかなロックチューンで構成。中にはWIREのカバー「Strange」も含まれており、原曲のヘヴィ＆スローな雰囲気からテンポアップ＆軽快さを強調したことで、完全に自分たちのモノにしてしまっています。正直、指摘されなければR.E.M.のオリジナル曲だと信じていしまうほどです。

アルバムB面（後半）は、ヒットシングル「The One I Love」からスタート。哀愁味の強いメロディとともに、ここからアルバムの雰囲気が少しずつ変化してきます。若干のダークさをはらんだ「Fireplace」やグルーヴィなリズムとヘヴィな音像の「Lightnin' Hopkins」はアルバムに程よいアクセントを加え、若干のサイケデリックさを漂わせた「King Of Birds」を経て、最後はダーク＆ヘヴィな音像の「Oddfellows Local 151」で締め括り。アルバム中盤で「It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)」と陽気に歌っていたけど、気づいたらどんよりした空気に変化しているという、この構成含めてお見事としか言いようがない1枚です。

このアルバムリリースからしばらくして、バンドはメジャーのWarner Bro.への移籍を発表。同作から1年強で6thアルバム『GREEN』を届け、ダブルミリオンの大ヒットを成し遂げます。そう、R.E.M.の快進撃はこの『DOCUMENT』（とシングル「The One I Love」）のヒットから始まったのです。そうった意味でも、彼らの音源に触れる上ではマストな1枚です。

▼R.E.M.『DOCUMENT』
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1996年9月9日にリリースされたR.E.M.の10thアルバム。日本盤は同年9月25日発売。

前作『MONSTER』（1994年）から2年ぶりに発表された本作は、同作を携えたUSツアーの最中訪れた各地でレコーディングを実施。プロデューサーにはブレイク作『DOCUMENT』（1987年）からタッグを組むスコット・リット（INCUBUS、NIRVANA、HOLEなど）を迎えています。

アコースティックやカントリーのテイストを強めた『OUT OF TIME』（1991年）や『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』（1992年）、生々しいロックを取り戻した『MONSTER』と、ここ数作は作品ごとに趣向を凝らしてきた彼らでしたが、今作は録音した土地によって曲調やスタイルも異なることもあり、土着的な音楽とハードなオルタナティヴロックが交互に並ぶようなハイブリッドな作品に仕上がっています。例えば、オープニングを飾る「How The West Was Won And Where It Got Us」は『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』からの流れを汲む内省的な楽曲だとしたら、続く「The Wake-Up Bomb」は『MONSTER』の延長線上にあるガレージロック。以降もカントリーやフォーキーな楽曲とグランジ以降の流れにあるロックチューンが無作為に並びます。

“無作為に”と表現したのは、そこにストーリー性などドラマチックな構成が感じられないから。むしろ淡々とした流れがいかにも彼ららしく、制作過程なども踏まえるとどこかドキュメンタリータッチのロードムービーのようにも感じられます。アートワークといい、アルバムタイトルといい、本作における「旅」というキーワードは切っても切れないものがあるはずです。

作為的なドラマチックさがないぶん、アルバムは山を迎えることもなければ極端にダークな深みにハマることもない。全14曲がスルスルと、淡々に進行していき、気づけば65分というバンド史上最長のアルバムは終了している。そういう構成もあって、初めて聴いたときは特に印象に残らず、メジャーデビュー作『GREEN』（1988年）以降ではもっとも薄味なアルバムと認識していました。『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』や『MONSTER』という圧倒的な傑作のあとだけに、ここまでインパクトが薄いとそりゃそう感じてしまいますよ。

ところが、1曲1曲を取り上げると非常にクオリティの高い良曲が並んでいることに気付かされる。パティ・スミスをゲストに迎えた「E-Bow The Letter」や、『MONSTER』の進化系といえる「Leave」「Departure」、王道のR.E.M.流ロック「Bittersweet Me」「Electrolite」など、本当に粒揃い。結局、曲数が多くて尺が長すぎるのが災いして、かつ淡々とした作り／構成も影響して薄味に感じてしまうのかもしれません。これ、もう2曲くらい減らしたらまた違ったのかな（正直、10曲でもちょうどいいくらいかもしれない）。

作品というよりは記録（＝Record）という色の強い本作ですが、このアルバム発売から1年後にオリジナルメンバーのビル・ベリー（Dr）が脱退。以降、R.E.M.はマイケル・スタイプ（Vo）、ピーター・バック（G）マイク・ミルズ（B）の3人にサポートメンバーを加える形で活動を継続。スコット・リットとも袂を分かち、次作『UP』（1998年）以降新たなプロデューサーを迎えることとなります。

本作発売から25年後の2021年10月29日には、リリース25周年記念2枚組エディションも発売。アルバム本編にはリマスタリングを施し、ライブ音源やリミックス、アルバム未収録のアウトテイクや別バージョンなどが収録されたボーナスディスクが付属しています。ただでさえ長尺なのに、曲数倍くらいになってるし（苦笑）。まあ、この機会に本作と改めて向き合ってみてもいいんじゃないでしょうか。

▼R.E.M.『NEW ADVENTURES IN HI-FI』
（amazon：国内盤CD / 国内盤2CD（25周年記念） / 海外盤CD / 海外盤2CD（25周年記念） / 海外盤2CD＋Blu-ray（25周年記念） / 海外盤アナログ / MP3

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1991年3月にリリースされたR.E.M.の7thアルバム。

前々作『DOCUMENT』（1987年）でシングル／アルバムともに初の全米TOP10入りを果たし、続く『GREEN』（1988年）でメジャー移籍。アルバムは200万枚を超える大ヒット作となったR.E.M.が、いよいよ国民的バンドへと登りつめるための大切なカードを切ることになります。

先行シングル「Losing My Religion」が全米4位というキャリア最大のヒットを記録。続く「Shiny Happy People」も全米10位まで上昇し、「Near Wild Heaven」「Radio Song」などがラジオヒット。アルバムはついに全米1位を獲得し、本国のみで400万枚を超えるメガセールス作となります。まさに黄金期の始まりを告げる1枚と言えるでしょう。

作風的には前作『GREEN』の延長線上にある内容で、それ以前のギターオリエンテッドなオルタナティヴ感は徐々に薄れ始めています。代わりに、マンドリンやマリンバ、バイオリンをはじめとするストリングスなどを前面的に打ち出すことで、土着感をより強めていくことに成功。これがカレッジラジオリスナーのみならず、幅広い層へとアピールする材料となり、メジャー化の手助けに一役買うわけです。

もちろん、そのメジャーヒットには楽曲の素晴らしさという大前提があるわけですが、先に挙げたヒットシングルは言うまでもなく、「Endgame」や「Half A World Away」「Country Feedback」のようにレイドバックした楽曲群がひと世代もふた世代も上のリスナーにも届くような（メロディ、味付け含め）味付けとなっている（このへん、今思えばオルタナ・カントリーですよね）。と同時に、「Low」や「Me In Honey」のように以前のオルタナティヴ路線も少々手法を変えつつも残している。このバランス感が幅広いそうのハートを鷲掴みにする要因になったことは間違いないでしょう。

事実、このアルバムがヒットしている時期に海外で短期間生活していたのですが、パブなどで「Losing My Religion」のような楽曲が流れると、世代問わず大合唱するんですよね。しかもそれ、アメリカじゃなくてイギリスの話。要するに、アメリカを飛び越えてイギリスにまで行き届き、しっかり浸透していたわけです。

ちなみに本作、イギリスでも初の1位を獲得。「Losing My Religion」は全英19位、「Shiny Happy People」は6位、「Near Wild Heaven」は27位、「Radio Song」は28位とアメリカ以上にシングルヒットが続出していたんです。そういえば、現地のMTVやBBCでも彼らのMV、よく目にしたもんな。

アルバムのトータル性や完成度という点においては、次作『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』（1992年）が上かもしれませんが、この“時代遅れ”と題されたアルバムがなければ、それすらも生まれなかったわけですよね。そう考えると、本作と次作は切っても切れない関係にある2枚かもしれませね。

▼R.E.M.『OUT OF TIME』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / 海外盤アナログ / MP3）

つい先日、昨年の9月11日に配信されたKERRNG!の記事「HERE ARE THE 164 SONGS THAT WERE BANNED FROM AMERICAN RADIO AFTER 9/11」がTwitterで流れてきたんですね。このリスト自体、これまでも完全版・不完全版問わずさまざまな形で流出していたと思いますし、実際僕も学生時代に湾岸戦争をテーマに「表現の自由」や「自主規制」について卒論を書いていたので、常に気になってチェックしていました。今回の記事も特別目新しさはなかったのですが、急にふと「そういえば、卒論書いてた90年代前半は実際にそういう曲を全部聴くのに相当苦労したけど、今ってストリーミングサービスがあるし、もしかしてこのリストの曲全部聴けるんじゃないかな……」と思ったんですね。

で、実際にプレイリストを作ってみようと思い、検索を開始……始めたのが明け方だったのですが、気づいたら1、2時間でプレイリスト完成。記事中に登場する曲名やアーティスト名に多少の間違いがあったので、ネット上で公開されている同様の記事（結局Wikipediaが一番便利でした）とも照らし合わせつつ、完全なるプレイリストを完成させました。

さすがに全曲ありました。すごいですね、Spotify（今回はApple Music版は作成せず。だって2つも作るの時間かかるし）。RAGE AGAINST THE MACHINEのみ全曲放送禁止だったので、本来なら彼らの楽曲はすべて入れるべきなんでしょうけど、それだと埒が明かないので各アルバムから主要ナンバー1曲ずつ、計4曲を入れることにしました。そこに「Knockin' On Heaven's Door」のみボブ・ディラン版とGUNS N' ROSES版の2曲を用意して、全168曲／11時間14分というアホほど長いプレイリストが完成したわけです（笑）。

一応、アーティスト名アルファベット順、複数の曲がリストにあるアーティストに関しては曲名もアルファベット順で並べてあります。なので、AC/DCみたいにいきなり7曲も続いてしまうこともありますが、シャッフル再生すると普通にラジオ感覚で楽しめるのではないでしょうか……しかも、いい曲ばかりですし。

こんなご時世だからこそ、こういった楽曲を手軽に楽しめる自由をかみしめつつ、今の生活に感謝したいと思います。またいつ、これらの楽曲やほかのヒット曲が放送禁止になるか、本当にわかりませんしね（しかも、あの当時よりも状況的には最悪ですから）。

※ブラウザ（記事上）でプレイリストを再生すると100曲しか表示されないようなので、プレイヤー右上のSpotifyロゴをクリックして、自身のSpotifyプレイヤーで再生することをオススメします。

2006年7月下旬に発表された、NEW YORK DOLLSの3rdアルバム。日本盤もほぼ同タイミングでリリースされています。

彼らがスタジオアルバムをリリースするのは『TOO MUCH TOO SOON』（1974年）以来、実に32年ぶりのこと。とはいえ、黄金期メンバーのジョニー・サンザース（G）もジェリー・ノーラン（Dr）も90年代前半に亡くなっているし、アーサー・ケイン（B）も2004年夏に白血病で亡くなっており、前作から残っているのはデヴィッド・ヨハンセン（Vo）とシルヴェイン・シルヴェイン（G）のみ。

そんな彼らをサポートしたのが、元HANOI ROCKSのサミ・ヤッファ（B）、日本では菅野よう子とのコラボレーションでも（一部で）知られるスティーヴ・コンテ（G）、そしてブライアン・デラニー（Dr）にブライアン・クーニン（Key）という編成。この6人で新生NEW YORK DOLLSとして本格的活動再開を果たしたわけです。

このアルバムのプロデュースを手がけたのは、AEROSMITHやCHEAP TRICKなどでおなじみのジャック・ダグラス。さらにゲストアーティストとしてイギー・ポップやマイケル・スタイプ（当時R.E.M.）、トム・ゲイブル（AGAINST ME!／のちのトランスジェンダーを告白し、現在はローラ・ジェーン・グレイスと改名して女性として生活）といったシンガーや、ボ・ディドリー（G）などがプレイヤーとして参加。NEW YORK DOLLSの復活に華を添えています。

さて、気になる内容ですが……うん、ちゃんとNEW YORK DOLLSです。デヴィッド・ヨハンセンの声が年相応の老け方をしており、往年のグラマラスさはもはや見る影もありませんが、この年齢じゃないと醸し出せない渋みがこの音楽スタイルと見事に合致し、より説得力の強い音楽を生み出すことに成功しています。

楽曲的には初期の彼らにすでに備わっていたソウルやR&B……要するにモータウンの要素が強いロック／ポップスが中心で、オープニングを飾るハードドライヴィングな「We're All In Love」こそゴリゴリ感が若干強いですが、それでも彼らならではのしなやかさもにじみ出ており、最初から好感触。その後も時代を超越したスタンダードナンバー／ロックンロールが続いていきます。

無駄にスキャンダラスな要素がなくなったぶん、楽曲と演奏で勝負するしかないわけですが、本来このバンドはそっち側で戦うべき存在だったのではないでしょうか……そう思わずにはいられないほどに、32年の空白を感じさせない“つながり”が見出せる素晴らしい内容です。

恐らくですが、本作においてはオリジナルメンバーからしたらガキンチョでしかないサミやスティーヴの演奏面＆ソングライティングでの活躍が非常に大きかったと思うのです。そしてそれは、続く4thアルバム『CAUSE I SEZ SO』でさらに強くなります（だからこそ、2人の脱退がバンドの寿命を縮めてしまったとも言えるわけですが）。

▼NEW YORK DOLLS『ONE DAY IT WILL PLEASE US TO REMEMBER EVEN THIS』
（amazon：国内盤CD / 国内盤CD＋DVD / 海外盤CD / MP3）

前作『GOOD TIMES!』（2016年）で本格的復活を果たしたTHE MONKEESが2年ぶりの新作として発表した、初のクリスマスアルバム。相変わらず正式メンバーはミッキー・ドレンツとピーター・トークの2人ですが、前作同様に脱退しているオリジナルメンバーのマイク・ネスミスも参加。さらに、2012年に亡くなったデイヴィ・ジョーンズのボーカルテイクを使った楽曲も含まれており、完全に“あのモンキーズ”のアルバムとして仕上げられています。

内容的にはクリスマスソングのスタンダードと、ポール・マッカートニー「Wonderful Christmastime」やBIG STAR「Jesus Christ」といったロック／ポップスのクリスマスソングカバーが中心。そこに、前作でもオリジナル曲を提供したアダム・シュレシンジャー（FOUNTAINS OF WAYNE）やアンディ・パートリッジ（XTC）、リヴァース・クオモ（WEEZER）がオリジナル曲を書き下ろし。さらに、今回は元R.E.M.のピーター・バックもソングライティング＆ギターで参加するなど、アメリカンロック／パワーポップ界的には今回もたまらない内容となっています。

全体のプロデュースを手がけたのは、今回もアダム。演奏面でも全面的に彼が関わっており、プレイヤー陣の中にはジョディ・ポーター（G）やブライアン・ヤング（Dr）といったバンドメイトの名前も見つけることができます。今や解散状態のFOUNTAINS OF WAYNEなだけに、こういう形で再び共演が楽しめるのはファンとしては嬉しいかぎり。

数少ないオリジナル曲4曲は、オープニングを飾るアンディ・パートリッジ作「Unwrap You At Christmas」こそ“らしい”クリスマスソングですが、リバース・クオモ作「What Would Santa Do」はハンドベルこそ用いているものの、基本的にはWEEZERっぽいパワーポップ。アダム・シュレシンジャーによる「House Of Broken Gingerbread」もFOW風パワーポップで、特にクリスマスソングという印象は薄いかもしれません。

そしてもう1曲、ピーター・バックが関わるアルバムタイトルトラック「Christmas Party」もそのギターフレーズのせいもあってか、どこかR.E.M.を彷彿とさせるもの。これを歌うミッキー・ドレンツの声もどこかマイケル・スタイプっぽいような……気がしませんか？

もちろん、それ以外のカバー曲も原曲が素晴らしいですし、それを演奏するプレイヤー陣も優れているので、安心して楽しめるはず。若々しいデイヴィのボーカルを用いた「Mele Kalikimaka」や「Silver Bells」には、ちょっとウルっとしてしまいますけどね。アコースティックテイストにアレンジされた「Wonderful Christmastime」も素敵な仕上がりですし。安心安定の1枚として、この時期にお楽しみくださいませ。

▼THE MONKEES『CHRISTMAS PARTY』
（amazon：海外盤CD / MP3）

アメリカで1994年9月、日本では同年10月にリリースされたR.E.M.通算9枚目のスタジオアルバム。初の全米1位を獲得した前々作『OUT OF TIME』（1991年）、ディープな作風でグランジ層にも存分にアピールした前作『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』（1992年）はともに400万枚を超えるセールスを記録しましたが、それらに続く本作も全米1位、400万枚以上を売り上げ、人気を維持。また、「What's The Frequency, Kenneth?」（全米21位）、「Bang And Blame」（全米19位）、「Strange Currencies」（全米47位）というヒットシングルも生まれました。セールス的にはこのあたりが彼らのピークということになるのでしょうか。

ダークで穏やかな作風ながらも、バンド史上最高傑作と呼ぶにふさわしい内容だった前作『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』から一転、本作では当時の流行にあえて乗っかりにいったかのような荒々しくて激しいギターロックサウンドが展開されています。

しかし、そこはR.E.M.のこと。軸にあるメロディや歌詞で表現されるテーマには前作からの流れをしっかり感じることができます。オープニングの「What's The Frequency, Kenneth?」こそ高揚感が強く、ポップさもしっかり兼ね備えていますが、続くダウナー感漂う「Crush With Eyeliner」や「I Don't Sleep, I Dream」、打ち込みビートを取り入れた「King Of Comedy」と、歪んだギターを前面に打ち出しつつも、その世界観にはどこか前作と共通するものが存在しています。そう、ただ流行に乗っかってやっただけでは済まさない。若い奴には負けてられねえよ！と意気込みながらも、どこか余裕がつきまとう。それが R.E.M.というバンドの凄みなのかもしれませんね。

アッパーな「Star 69」やカントリー調バラード「Strange Currencies」を挟んで突入する後半戦では、オルガンサウンドを前面に打ち出したソウルフルな「Tongue」や、過去のヒットシングルにも通ずるマイナー調の前半とオルタナ色が強まるサビとの対比が興味深い「Bang And Blame」、若干後ろに引っ込んだボーカルが印象に残るギターロック「I Took Your Name」、カオティックなギターオーケストレーションとタンバリンを伴奏にマイケル・スタイプ（Vo）が歌う「Let Me In」、爆発しそうな勢いのフィードバックギターが心地よい「Circus Envy」と個性的な楽曲が並び、歪んだギターを軸にしたエモーショナルな「You」でエンディングを迎えます。

確かに荒々しさという点においては、ブレイクを果たした『DOCUMENT』（1987年）以降では飛び抜けていると思います。が、ただ激しいだけではなく、しっかり穏やかさも備わっている。『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』とは表現方法は異なるかもしれないけど、この2枚の間にはどこか共通するものが存在している。だから、本作を語る際には『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』は欠かせない、そんな1枚だと思っています。

▼R.E.M.『MONSTER』
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1992年秋発表の、R.E.M.通算8枚目のスタジオアルバム。前年春にリリースした前作『OUT OF TIME』が初の全米1位を獲得し、ノリにノッている状況で1年半という短いスパンで発表された本作。『OUT OF TIME』がポップな作風だったこともあり、当初次作ではロック色の強い作品を想定して、前作完成からすぐにセッションに取り掛かったそうですが、実際に完成したものは一聴すると非常に内向的なもの。先行シングルにしてオープニングトラックの「Drive」を最初に聴いたときは、正直「……暗っ！」と若干引いたことを覚えています。

そう、“暗いアルバム”というのが『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』に対する第一印象。ロック色の強い作品は2年後の『MONSTER』（1994年）まで待つことになりますが、本作は本作で表層的には暗いんだけど、実は非常に優しくて温かいアルバムなんですよね。

アメリカの音楽シーンはちょうど1年前にNIRVANAやPEARL JAMがメジャーデビューを果たし、数ヶ月後に大ヒット。すでに本作がリリースされる頃にはグランジが一大ブームとなっていた時期でした。また情勢的にも湾岸戦争以降の不況、アメリカ大統領選挙（1992年）など時代の変わり目でもあったわけです。

そんな中でR.E.M.がこのアルバムでテーマとして選んだのが「死」や「絶望」といった一見ネガティブなもの。しかし、彼らはそのテーマを最終的に非常に前向きで、「生」へとつないでいくわけです。ポジティブに背中を押す楽曲もあれば、逆説的に生の尊さを伝えようとする楽曲もある。傷つきながらも現実から目をそらさず、希望を捨てず、生きることを諦めない。ラストナンバー「Fined The River」にたどり着く頃には、その答えが聴き手の心の中にそれぞれ見つかるんじゃないかと思います。

だからこそ、「Everbody Hurts」という曲の歌詞がより強く響く。楽曲単位でも素晴らしいナンバーですが、このアルバムのテーマに沿って聴くことで、その意味はより深いものに感じられるはずです。そして終盤……「Man On The Moon」「Nightswimming」「Find The River」の流れは圧巻の一言。この時代だったからこそ成し遂げることができた、珠玉の楽曲構成ではないでしょうか。

アコースティック楽器を多用していたり、ストリングスを全面的に導入したり（ジョン・ポール・ジョーンズがオーケストラアレンジを担当）とソフトな面が印象に残る作品ですが、実はものすごく“力強い”アルバムだと思っています。R.E.M.のアルバム中もっとも好きな1枚です。

▼R.E.M.『AUTOMATIC FOR THE PEOPLE』
（amazon：国内盤CD / 海外盤CD / MP3）

新成人の皆さん、おめでとうございます。というわけで今回は、新成人の皆さんが生まれた年（学年的に1994年4月〜1995年3月の期間）にリリースされた洋楽アルバムの中から、個人的思い入れがある作品を20枚ピックアップしました。どれも名盤ばかりなので、もし聴いたことがないという作品がありましたら、この機会にお手にしてみてはいかがでしょうか。とは言いながらも大半が名盤中の名盤なので、聴いたことがあるものばかりかもしれませんが。

あ、並びはすべてアルファベット順です。

Beastie Boys「Ill Communication」（Amazon）

Blur「Parklife」（Amazon）

Dinosaur Jr.「Without a Sound」（Amazon）

Helmet「Betty」（Amazon）

Jeff Buckley「Grace」（Amazon）